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PROGRAMA GENERAL

GALERÍA ALBA CABRERA. VALENCIA, ESPAÑA

Dirección: Graciela Devincenzi

 www.albacabrera.com/

 

Indica Graciela Devincenzi:

“En nuestra primera etapa, nos dedicamos a la edición y promoción de la obra gráfica original, en la especialidad de grabado, de artistas tales como Eva Lootz, Eduardo Chillida, Joaquín Michavila, Rafael Canogar, Luis Gordillo, Ángeles Marcos, Jordi Teixidor, Soledad Sevilla, entre otros. Presentando nuestras propuestas en Ferias de Arte Internacional como Art Basel y ARCO.

En los últimos años hemos participado, regularmente, en Ferias de Arte Internacional como Art Madrid (Salón de Arte Contemporáneo), feria a la que llevamos asistiendo desde su primera edición en 2006. Otras ferias en las que hemos participado en su primera edición son FIART VALENCIA’ 08 (Fira Internacional d’Art Modern i Contemporani) y SICAF’08 (Seoul International Contemporary Art Festival), participando en esta última como galería invitada por el Comité Organizador. En años anteriores hemos estado presentes como expositores en ediciones de New–Art (Barcelona), Art a l’Hotel y Valencia Art (Valencia).

Destacamos nuestra participación, en el 2008, en la IX Bienal Martínez Guerricabeitia, de Valencia; siendo adquirida para la Colección una de las obras que propusimos. En nuestros dos espacios diferenciados, realizamos exposiciones individuales en la Sala 1 (entre 7 y 8 exposiciones por temporada) de pintura, escultura y otras técnicas. En la Sala 2, damos cabida a colectivas de los artistas de la Galería, así como a la obra gráfica original, libros especializados en arte contemporáneo y objetos de artistas.

La Galería Alba Cabrera presenta en esta edición de JUSTMAD MIA a tres jóvenes artistas que abordan su obra desde sus distintas preocupaciones vitales, que inevitablemente, les lleva a muy diversos planteamientos”.

 

Artistas en la feria

Jonay Nicolas Cogollos van der Linden (Santa Cruz de Tenerife, España, 1978) 

Tras obtener el título de Licenciado en Bellas Artes (2001), Especialista Universitario en Grabado y Estampación (2007) y el título de Diplomado en Estudios Avanzados (2008) en la Facultada de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, Jonay Nicolas Cogollos van der Linden realiza su tesis doctoral titulada “La gráfica comercial del entorno urbano europeo. Interferencias en el plano sociocultural y artístico”.

Durante el desarrollo de su tesis doctoral, de marcado carácter europeo, Jonay ha compaginado su estancia como investigador en la Universidad de Middlesex de Londres, gracias a una beca de movilidad del Ministerio de Ciencia e Innovación, con su labor docente como profesor asociado en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia.

Simultáneamente, Jonay desarrolla su propia actividad artística y creativa participando en certámenes artísticos nacionales e internacionales, realizando exposiciones tanto en ferias como en galerías de arte y colaborando con diversos artistas, fundaciones y organismos públicos.

Jonay desarrolla su actividad artística e investigación académica en torno a la tipografía y a su repercusión en el ámbito sociocultural y artístico. Las letras funcionan como elementos gráficos que influyen en nuestra vida cotidiana por su significado, al igual que por su forma, composición y fuerza expresiva. Comprobamos continuamente que la tipografía y la gráfica que nos rodea forma parte del mundo en el que nos movemos y está ligada a nuestra cultura hasta el punto de ser un agente de influencia en gustos y tendencias en todos los ámbitos, incluido el artístico.

Jonay Nicolas Cogollos van der Linden, que vive y trabaja en Valencia, intenta comprender el espacio y la interacción generada entre texturas, formas, colores y evidentemente, la tipografía. Procura comprender los objetos, sus cualidades y sus relaciones, y realiza una interesante fragmentación del espacio creando un obra bien estructurada y con una gran armonía cromática.

 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Jonay Nicolas Cogollos van der Linder. Imagen cortesía de Galería Alba Cabrera.

 

Eva Armisén (Zaragoza 1969)

A través de su trabajo Eva Armisén nos propone una especial complicidad con sus emociones. Intenta hacernos partícipes de sus mejores momentos, dándole una especial importancia a la cotidianeidad;  los momentos más tiernos y entrañables del día a día.

La temática  de su obra es inocente; Armisén ofrece una lectura, irónica y poética, conmovedora. Sus pinturas,coloristas, de trazos marcados, con mensajes insertados a través de veladuras, han llegado a Los Ángeles, Seúl, Busan, Taipei, Hong Kong, Lisboa, Bruselas, Londres o Dubai. Tampoco hay que olvidar que forman parte de prestigiosas colecciones públicas como Fundación Pilar y Joan Miró, Museo Nacional de Grabado Contemporáneo, MOCA (Los Ángeles), Fundación Grupo Kolon (Corea del Sur), Museo de la Ciudad de Lisboa, Bodegas Enate, Diputación General de Aragón, entre otras. Y numerosas privadas en España, Portugal, Inglaterra, EE UU, Corea del Sur y Singapur.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Eva Armisén. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

 

Gustavo  Díaz Sosa (Sagua la Grande, Cuba 1983)

Gustavo Díaz Sosa (Sagua la Grande, Cuba, 1983) se graduó con honores en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, donde más tarde se convirtió en profesor en el departamento de arte. En 2004 recibió una beca de estudios de Arteleku en San Sebastián, y vive en España desde entonces.

Su obra expresa el mundo alienante que nos rodea, un mundo que el hombre de hoy debe desafiar. Las obras del artista rebuscan en su pasado y recogen motivos aparentemente abandonados, como los restos de materiales orgánicos, que recuerdan el arte povera.

Así mismo, el artista ha colaborado en diversos proyectos colectivos, creando una serie de murales en Cuba, así como proyectos de animación, fotografía, cine y televisión en España. Ha participado en exposiciones individuales dentro y fuera de España y ha recibido numerosos premios y menciones honoríficas.

En conclusión, la obra del joven artista cubano profundiza en la reflexión social, en la búsqueda de la identidad del ser humano. Utiliza el arte para convertir sus emociones, dudas y cuestiones en un obra con una gran capacidad para conmover a quien la contempla.

 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

 Diversas obras de Gustavo Díaz Sosa. Cortesía de Galería Alba Cabrera.

 

GALERÍA ÁNGELES BAÑOS. BADAJOZ, ESPAÑA

Directora: Ángeles Baños

http://www.galeriaangelesb.com/

 

Artistas en la feria

La galería pacense llevará a JUSTMAD MIA la obra de los siguientes artistas: Daniel Martín Corona, Manuel Antonio Domínguez Gómez e Ignacio Bautista. 

La Galería Ángeles Baños apuesta por estos tres artistas que, alimentados por su vitalidad y enormes posibilidades conceptuales y articulando sus preocupaciones de perfil crítico, como las relativas a cuestiones de género o la dimensión social del sujeto, al tiempo  se adentran desinhibidamente a la búsqueda de realidades paralelas y les ayuda a interpretar nuevas perspectivas, surgidas al cobijo de los nuevos medios.

Ignacio Bautista (“Mutiu”) (Madrid, 1982)

El papel que se le ha venido otorgando en la modernidad a la obra de arte como “presunto” medio de representación y revisión de lo real, está “en-cubierto” en la actualidad por los medios de comunicación “mass-media”.

En estas obras, la labor artística no desaparece, se encuentra “a la sombra de la maquinaria mediática”, alterando su aparente normalidad visual y transparencia, arrojando la sospecha sobre nuestra propia mirada, creando fisuras en nuestros estándares de experiencia y, en definitiva, como señala Jacques Rancière, “cambiando los marcos y las escalas de lo que es visible y decible, para producir rupturas en el tejido sensible de las percepciones y en la dinámica de las reacciones”.

 

Ignacio Bautista. “Escena”. Recorte de periódico 2012, medidas variables

 

Daniel Martín Corona (Madrid, 1980)

Materialización del gesto de un orador como si de un dibujante se tratase, codificando el mensaje en un dibujo automático sobre una pantalla táctil invertida, es el intérprete-actor, y no el espectador, el que aca­ricia la pantalla.

Dibujo sobre vídeos descargados de la red y centrados en oradores, de la línea que trazan sus manos, to­mando como punto de referencia las puntas de los dedos índices (mano derecha línea azul, mano izquier­da línea roja). Este dibujo se extrae para convertirlo en una acuarela (por su carácter transparentoso próxi­mo al del píxel) a escala humana, lo que provoca la aparición del píxel debido a la poca calidad del video.

  Daniel Martín Corona. Ilustración. Barack Obama. Serie Ora toria ora dibujo, 2012. Dibujo digital

 

Manuel Antonio Domínguez H.S.C. (Villablanca, Huelva, 1976)

Partiendo del desfase entre realidad y representación ideológica, el trabajo artístico se centra en el proceso en el que el estigma de una tendencia sexual, es revertida en identidad, y la militancia, en fidelidad al gueto. Como consecuencia de ese encadenamiento de procesos, el desarrollo creativo se sirve de diferentes herramientas de recuperación y re-contextualización de elementos que posibiliten la reivindicación de una sexualidad diferenciada y la existencia de múltiples masculinidades

 Manuel Antonio Domínguez H.S.C. “Debidamente Domesticado”, collage y acuarela sobre papel. 35x30cm

GALERÍA ADORA CALVO. SALAMANCA, ESPAÑA
Directora: Adora Calvo

http://www.adoracalvo.com/

 

Entrevista a Adora Calvo

¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

Es una política actual de la galería.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

No dispongo de la información.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual? Si es así, ¿en qué sentido lo hace?

No he tenido que cambiarlo.

 

Artistas en la feria

Ignacio Llamas (Toledo, 1970)

Licenciado en Bellas Artes por la UCM, completó su formación con la participación en diversos talleres con artistas como Luis Gordillo, Mitsuo Miura, Jaime Lorente o Gerardo Aparicio. A principios de los noventa realiza su primera exposición individual. Desde entonces muestra con asiduidad su obra en galerías, museos, centros de arte. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en España, Portugal, Italia, Alemania, EEUU y Argentina, participando con frecuencia en ferias de arte contemporáneo tanto nacionales como internacionales. Entre otros lugares se ha podido ver su obra en el Museo Patio Herreriano, Museo de Arte Contemporáneo Unión FENOSA o Fundación Caixa Galicia y en ferias como ARCO, TIAF, ArteBA o Art Brussels.

A mediados del 2002 su obra abandona el plano para adquirir un carácter volumétrico, siendo esta última de difícil clasificación, al encontrarse a caballo entre la escultura, la instalación y el objeto artístico. De ella cabe destacar su alta carga poética, mediante la cual profundiza en conceptos como la interioridad del ser humano y sus vinculaciones con la trascendencia. Paralelamente a esta obra, y tras un largo periodo de acercamiento al mundo de la fotografía, surgen en 2009 sus primeras piezas fotográficas, que mantienen el espíritu evocador y místico de la obra en volumen.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, tanto dentro como fuera de España, como: Museo Patio Herreriano, Colección Unión Fenosa, Colección Circa XX Pilar Citoler, Fundación Coca Cola, Colección BESart, Colección Caja Madrid, Colección Caja Castilla La Mancha o Colección Ayuntamiento de Pamplona.

Imagen de una obra de Ignacio Llamas. Cortesía del artista y Galería Adora Calvo.

  

Anaisa Franco (Brasil, 1981)

La Galería Adora Calvo de Salamanca presenta “Frustración” de Anaisa Franco en el programa NakedEn 2010 Anaisa Franco (Brasil, 1981) hizo una residencia en HANGAR, Barcelona, donde desarrolló “Rutina Alienada” y otra en Taipei Artist Village en Taiwán, desarrollando proyectos. En 2009, realizó “Realidad Suspensa” en la residencia del LabMIS en San Pablo. En 2008, la escultura interactiva “Expanded Eye” en MediaLab Prado, en Madrid, durante Interactivos Juegos de la Visión. En 2007-8 obtuvo el premio de la beca “Proyecto Expansion Digital” de MECAD en Barcelona para desarollar “Connected Memories”; allí participó en clases, conferencias y artículos. En 2006 fue premiada con la beca Alban para hacer el Master en Digital Art and Technology en la Universidad de Plymouth, Inglaterra, UK; en el mismo año participó y desarrolló “Controlled Dream Machina” en Medialab Prado en Madrid. En 2004 se graduó en Artes Visuales en FAAP, San Pablo, donde obtuvo la beca por el mejor trabajo en la 34 Anual de Arte. Ha participado en exposiciones internacionales como la 5th Seoul International Media Art Bienalle, Corea, o la Fusion Folks, Taiwán. También en la Píxel 08, Noruega, la Vision Play, en Medialab Prado, Madrid, en FILE, São Paulo, en Continuum Electrónica, Galeria l’Estruch en Barcelona, en Netmage Festival en Bolonia, Italia, en Move Digital, A Coruña, España y en SLOW, Plymouth Art Centre, Inglaterra, entre otras.

Anaisa Franco ha desarrollado a lo largo de su carrera esculturas robóticas que interconectan lo físico y lo digital en forma de animaciones e intensidades buscando una química entre los materiales. Ella provee de imaginación y sentimientos a sus esculturas usando conceptos oníricos de psicología. A diferencia de aquellos que desde su arte exaltan la tecnología en sí misma o que intentan directamente humanizarla, la artista brasileña encuentra un espacio en blanco para deslizar preguntas de índole psicológica. Ubica al espectador entre dos grandes planos metafóricos, uno real y otro onírico, sin caer en un surrealismo electrónico y -menos aun‐ sin tropezar con los lugares comunes de los imperios teóricos que cimentaron buena parte de las vanguardias, allá por los inicios del siglo XX.

Anaisa Franco, “Frustración”. Imagen cortesía de la artista y Galería Adora Calvo.

   

Rafa Macarrón (Madrid, 1981)

La biografía de Rafa Macarrón tiene el mismo componente fascinante que sus obras. Pintor autodidacta nacido en una familia arraigada en el arte, pero también ex ciclista profesional y fisioterapeuta, tiene un desarrollo que, en apariencia, poco tiene que ver con lo plástico. Pero, bien pensado, ambas profesiones pueden vincularse al esfuerzo de lo cotidiano y el culto a la anatomía que presentan sus creaciones. Las creaciones de Rafa Macarrón, ya sean humanas o animales, viven en la desproporción, sus miembros delgados en oposición a unas cabezas enormes que por momentos parecen incapaces de soportar. Pero lo hacen y se permiten interactuar con el mundo en una serie de actividades cotidianas como pasear al perro, acicalarse o darse una ducha; engranajes de la maquinaria de la normalidad funcionando sobre fondos neutros y reducidos a una mínima expresión. Azules, anaranjados y verdes acuosos alimentan escenas de una proporción que, en algunos casos, invoca al trabajo arquitectónico del maestro Le Corbusier y que resultan, contradictoriamente y sin ironías, en una deformidad plausible. Personajes deformados, actitudes reconocibles, variedad formal, espacios inciertos, complejas armonías de color. Así mismo, se ha destacado el carácter surrealista de su obra.

Rafa Macarrón. Fotografía cortesía de Galería Adora Calvo.

 

Diego del Pozo Barriuso (Valladolid, 1974)

Salvo contadas excepciones, la obra de Diego del Pozo se sustenta visualmente en un dibujo definido exclusivamente por la línea, delimitadora de siluetas carentes de cualquier interés por el color, editado en formato de video, en soporte papel o transferido a pared. La referencia a la dimensión formal de su obra no es gratuita, aunque tampoco determinante para evidenciar la voluntad que se oculta bajo la apariencia de su propuesta. Aludir al dibujo no pretende otra cosa que resaltar su condición de excusa, de persistente ejercicio táctico que recurre a la intermediación –relatividad- de la imagen para enmascarar los verdaderos roles de Diego del Pozo como creador de situaciones e inductor de episodios narrativos.

El juego, del que toma los aspectos superficialmente más lúdicos del mismo, y un cierto carácter performativo, centran sus primeros proyectos, una vez abandonados sus inicios pictóricos. Del Pozo se instala en un campo de reflexión de lo político, entendido como un espacio que condiciona tanto la esfera pública como el ámbito estrictamente privado. Los tres vértices cimentan, determinan y consensúan la construcción de subjetividades e identidades así como su interpretación, su percepción y su asunción, tanto individuales como sociales. De cara a testar los modos en que esto se produce, recurre tanto a fórmulas paradójicas de desdoblamiento como a visiones polifónicas, vías válidas para el desmentido de una supuesta primacía de lo plural, laminado por la prevalencia de una dogmática y acrítica normatividad universal.

Diego del Pozo, “La función cerebral. Imagen cortesía Galería Adora Calvo.

 

GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR. Madrid, España

Dirección: Álvaro Alcázar

www.galeriaalvaroalcazar.com

 

Indica Álvaro Alcázar, el director de la galería:

“La Galería Álvaro Alcázar siempre ha estado presente en ferias internacionales, desde Lisboa y Art Paris hasta las lejanas como Abu Dabi, Hong Kong, ZonaMAco de México, Chicago, etc. Creo que la presencia internacional es fundamental para el desarrollo de la Galería, algunas han sido fundamentales para la carrera de algunos artistas.

Las ferias son un poco como la línea de la Galería, tienes que elegir las que más se adecuen a tu forma de trabajar y a los artistas que quieres mostrar. Es muy importante tener en cuenta el tipo de coleccionistas que acude a esa feria que has elegido. La selección de artistas que quieres representar depende de cada sitio y momento, el acertar con los artistas y con la obra a exponer es muy importante a la hora de plantearse una feria.

La situación económica actual en España hace que sea prácticamente obligatorio salir al extranjero para poder continuar, las ventas en nuestro país, aparte de descender, están siendo castigadas con unas subidas del IVA, con la falta absoluta de apoyo del gobierno y la paralización de la Ley de Mecenazgo. Están poniendo muy complicado el poder vender en nuestro país, se está acabando con la cultura. Con estos altos impuestos, las galerías españolas no somos competitivas, somos más caras que el resto de las galerías europeas y eso se traduce en un drástico descenso de ventas.

El rápido éxito que ha alcanzado JUSTMAD desde su comienzo ha sido simplemente por la diferenciación con otras ferias. Creo que ha marcado su estilo joven y dinámico, sin parecerse al resto de las ferias existentes. Ha querido tener el foco de atención en artistas emergentes, dirigido a unos coleccionistas ¨emergentes¨ y a otros más consolidados en búsqueda de novedad.

La decisión principal de mi participación en JUSTMAD MIA fue exactamente eso, que se trata de una feria nueva, con una energía y una diferenciación importante frente al resto de las ferias que tienen ya lugar en Miami, la cual es una ciudad totalmente abierta a las innovaciones”.

 

Artistas en la feria

Bosco Sodi (1970, México D.F.)

Bosco Sodi experimenta con el color y la materia. El sello característico del artista se basa en el uso de pigmentos puros, aserrín, pasta de madera y fibras naturales, entre otros materiales, creando una potente síntesis entre materia y color. En las obras de Sodi existe una unidad interna, una experiencia que se mueve entre lo emocional y lo tangible, entre lo espiritual y lo material. Sodi viaja constantemente entre sus cuatro estudios situados en Barcelona, Berlín, Brooklyn y su México natal, cada uno de los cuales proporciona un clima único y diferentes materiales que proporcionan a cada obra su individualidad.

El artista construye unas masivas, casi escultóricas, pinturas realizadas a través de un singular proceso en el que se mezclan fangos, aserrín , pigmentos agua o colas, asentados en el lienzo con las manos, que desde el árido México o el húmedo Nueva York solidifica y craquela su superficie como un magma enfriado. Factores externos son inevitables en este proceso, una vez que los métodos controlados de la propia creación han cesado.

Como el propio artista afirma: “Me gustan las variaciones del azar”. Y añade: “No me gusta el control, cuando algo se vuelve predecible es aburrido”.

Bosco Sodi experimenta con colores vivos y materiales modestos. En esta elección del material afirma que “la energía que emana de lo orgánico es más fuerte que cualquier otro material creado por el hombre”. Esto genera un intenso diálogo con el alma, porque es algo de lo que estamos compuestos y forma parte de nosotros. Pero sus pinturas son, sin embargo, completamente contemporáneas en su habilidad de evocar de forma abstracta la naturaleza y sus cambios.

 

S/T, 2012. Mixta sobre tela. 186 cm. diámetro.

Bosco Sodi, S/T, 2012. Mixta sobre tela. 186 cm. de diámetro. Cortesía de Álvaro Alcázar.

Simon Zabell (1970, Málaga, España)

“The Life and Times of Ernest Ka’ai” es un proyecto pictórico nuevo en el que Zabell pretende reconstruir la vida, la obra y los recuerdos del modesto y poco conocido músico y compositor hawaiano Ernest Ka’ai (Honolulu 1881 – Miami 1961), aludiendo a la vez a los diversos lugares en los que transcurrió su ajetreada biografía y al carácter y la estructura de sus pequeñas composiciones musicales para instrumentos de cuerda.

Mediante una especie de código pictórico creado a partir de pequeñas manchas de color que recuerdan el efecto de la luz descompuesta por un cristal o una gota de agua, Zabell construye imágenes que torpemente luchan por representar lugares y situaciones que se suponen recuerdos ficticios extraídos de la biografía del músico Ernest Ka’ai.

Las imágenes creadas de este modo quedan reforzadas por inserciones de texto, igualmente de difícil interpretación, que nacen del mismo sistema reticular en que se estructuran las imágenes, y que plasman algunos datos romos sobre el lugar representado y su acomodo en la memoria; como si se tratara de un diálogo del propio músico con sus recuerdos.

Las piezas de la serie en apariencia pueden parecer abstractas en su primera lectura, pero en una lectura más detenida, tanto de la imagen como de los retales de texto que contienen, nos revelan paisajes e interiores vacíos de personajes conseguidos únicamente mediante diferentes disposiciones en trama de suaves manchas de colores primarios sobre fondo blanco.

El proyecto “Me, Ernest Ka’ai” que Simon Zabell presentará en JUSTMAD MIA parte de aquí, y es un trabajo realizado en acrílico sobre papel y cortado con láser.

“Me, Ernest Ka’ai”. Acrílico sobre papel cortado láser.

Simon Zabell. “Me, Ernest Ka’ai”. Acrílico sobre papel cortado láser. Cortesía de Galería Álvaro Alcázar.

 

Antonio Murado (1964, Lugo, España)

Murado, que vive y trabaja en Nueva York, retoma en esta muestra la técnica del soplado del óleo. Vuelve a formas que podrían identificarse con pétalos de flor, aunque en estos nuevos cuadros se otorga mayor importancia al gesto que en obras anteriores.

Virtuoso de la técnica, aplica color, barnices y disolventes en ligeras veladuras de apariencia líquida con las que consigue trasladarnos a espacios íntimos entre la abstracción y lo figurativo. Murado nos sitúa así, en un espacio sensorial que nos invita tanto al deleite estético como a la reflexión intelectual.

En su búsqueda, Murado se cuestiona los límites del tiempo, ya que de la superposición de capas pictóricas surge un efecto tridimensional muy evocador que pareciera describir pasado y presente. También se plantea los límites del espacio, pues a través de la fragmentación pretende alcanzar la totalidad.

ELODIE, 2011 - óleo sobre lino - 215 x 160 cm.

Antonio Murado, “ELODIE”, 2011 . Óleo sobre lino, 215 x 160 cm. Cortesía de Álvaro Alcázar.

 

BASE-ALPHA GALLERY. Amberes, Bélgica

www.basealphagallery.com

La galería belga presentará en JUSTMAD MIA la obra de los siguientes artistas: Frederik Heyman, Michéle Matyb y Suse Weber.

 

Frederik Heyman

Frederick Heyman es un artista con una visión realmente única, capaz de utilizarla para crear obras visuales inteligentes y potentes. Establecido en Amberes, Bélgica, Heyman ha estudiado diseño gráfico e ilustración además de graduarse en fotografía.

Su deseo es que sus trabajos reflejen una creencia visual personal, un balance infinito entre el buen y mal gusto. Sus trabajos se han publicado en “Vogue”, “L´Ófficiel” de París y “Bullet Magazine” de Nueva York.

 

Frederik Heyman. Imagen cortesía de www.nothingformeisoriginal.com

 

 

BUZZART GALLERY. MIAMI, ESTADOS UNIDOS

www.buzz-art.net

 

El programa de la galería Buzzart es el reflejo de los intereses y visiones de un colectivo español que fundó la galería en 2012 con el objetivo de crear un espacio dedicado a la fotografía contemporánea española y latinoamericana de autores emergentes y consagrados. En resumen, una propuesta fresca y joven pero artísticamente sólida.

Buzzart decide que Miami es el lugar más adecuado para establecerse, ya que la ciudad es el centro internacional del arte, con la presencia anual de Art Basel y otras prestigiosas ferias. A caballo entre Madrid y Miami, está siempre a la búsqueda de los jóvenes talentos y en la exploración de nuevas colaboraciones para ofrecer exhibiciones potentes .

Está localizada en el Wynwood Building, en el corazón del Wynwood Art Center, y abrió oficialmente su espacio exhibiendo las obras de Juan Carlos Alom.

En JUSTMAD MIA presentará la obra de Ignacio Barrios y Nicolás Combarro.

 

Ignacio Barros. Imagen cortesía del artista.

 

GALERÍA CASA CUADRADA. BOGOTÁ, COLOMBIA

www.casacuadrada.com

 

La Galería Casa Cuadrada tiene por objeto proporcionar un espacio nuevo para el arte contemporáneo, un espacio abierto a nuevas propuestas, comprometida con los nacientes talentos, presentando los trabajos de jóvenes artistas emergentes o de artistas internacionales cuya labor logra ser relevante.

La audiencia de sus exposiciones de arte contemporáneo ha aumentado considerablemente durante los últimos años como generadoras de conciencia y han incrementado el interés extranjero en el arte contemporáneo de Colombia. Desde cuando la Galería Casa Cuadrada abrió sus puertas por primera vez en el año 1998 se ha dedicado desde entonces en incrementar en el público su interés en el arte contemporáneo, siendo eje de nuevos procesos, movimientos y planteamientos que vienen renovando el acontecer del arte Colombiano.

De los muchos artistas que han expuesto en la Galería Casa Cuadrada, varios de ellos han proyectado sus carreras y han convertido éste espacio cultural en un trampolín para los artistas jóvenes.

A partir del 2002 inicia gestiones de promoción y divulgación en Arte a nivel nacional e internacional, creando el Salón Nacional de Arte – DIVERSIDAD, Organizando exposiciones fuera de Bogotá, con el patrocinio de entidades privadas y Participando en Ferias Internacionales.

En JUSTMAD MIA presentará la obra de los artistas siguientes: Piedad Tarazona, Danny Esquenazi y Jesús Angel Bordetas.

 

Piedad Tarazona

Piedad Tarazona es una artista plástica y publicista bogotana nacida en 1974. Ingresó en la carrera de Artes Plásticas en la Universidad de los Andes pero pronto se dio cuenta de que lo suyo era más la pintura que el arte en sí, por lo que cambió su carrera a publicidad y decidió orientarse hacia la parte gráfica.

Con estudios en dibujo experimental, fotografía artística y otras herramientas de diseño, Piedad Tarazona ha explorado la creación de un lenguaje propio a través de la pintura.

Su obra pretende ser un espacio abierto para toda clase de públicos y tener un lenguaje sencillo, apto para producir todo tipo de sensaciones. Los colores intensos y las mezclas sugestivas son las notas predominantes en el trabajo de esta pintora bogotana.

 

Piedad Tarazona. De la serie “El Lenguaje de las flores”. Cortesía de Casa Cuadrada.

 

COLLECTIVA GALLERY. BERLÍN, ALEMANIA

www.collectivagallery.com

 

Fundada por la historiadora de arte y gestora Ewa Bojarowski, la galería Collectiva se inauguró en julio de 2008 en Berlín, Alemania. El programa de la galería es internacional e interdisciplinar. Consiste en una variedad de eventos, exposiciones, exhibiciones públicas y privadas y ediciones. Ello incluye un complejo cuidado curatorial y la promoción de prácticas artítisticas únicas, así como de mentes creativas trabajando en el filo de las artes visuales.
La galería colabora con numerosas galerías de arte, museos y colecciones públicas y privadas, y participa en un diálogo vital entre artistas internacionales, coleccionistas e instituciones.

Los artistas representados por la galería son: Edith Kollath, Regina Nieke, Ina Sangenstedt, Petra Lindholm, Anetta Mona Chisa & Lucia Tkacova, Thomas Judisch, Lidia Krawczyk & Wojtek Kubiak, Glamrury project, Katarzyna Szeszycka, Łukasz Gronowski y Marta Antoniak.

Collectiva presentará a los siguientes artistas en la feria JUSTMAD MIA: Edith Kollath, Katarzyna Szeszycka y Regina Nieke.

Edith Kollath

Edith Kollath, nacida en Eutin en 1977, es una artista de “mixed media”, basada en Berlín. Desde 2007 es miembro del colectivo NYCResistor, compuesto  de artistas , hackers, pensadores y músicos . Trabaja con experiencias sensuales y preguntas fenomenológicas que piden la presencia física del observados/experimentador. Crea instalaciones en habitaciones que ofrecen tanto una experiencia individual o coleciva y esculturas que acentúan la propia existencia y experiencia.

Con antecedentes en arte, moda y diseño textil, los intereses de Edith Kollath han estado siempre enfocados hacia formas esculturales en relación con el cuerpo humano. Uno de sus principales campos de investigación es el tópico de las estéticas relacionadas.

Edith Kollath “Thinking I’d last forever” / “Property & Evidence Receipt”of Police Department Newark, N.J., mixed media installation, 2009 – 2011 © Edith Kollath. Courtesy of COLLECTIVA.

Edith Kollath, “Nothing will ever be the same“, mixed media, installation view, Tel Aviv, 2011. © Edith Kollath /  Photo © Doron Adar. Courtesy of Collectiva.

 

Regina Nieke

Regina Nieke, nacida en 1979, es merecedora del MFA de a Universidad de Kunst Udk en Berlín. Es una pintora alemana cuyos trabajos consideran preguntas fundamentales que rodean a una figura en la pintura, generalmente solitaria. Su consideración sobre esta figura salta hacia y desde un carácter autobiográfico y fantástico por la propia Nieke. La figura está en constante movimiento, aunque sin embargo detenida dentro de la pintura- perecedera, una existencia breve en la pintura-, lavada en una ola de “medium” o como el remanente sensual del “impaste” de la pintura gestual. La relación de Nieke con su medio presenta una  frecuentemente radical, agresiva y empática  narrativa de seres solitarios y siempre cambiantes. Para esta artista, el lienzo es una plataforma para destruir y renovar, y sus trabajos relucen con intensidad y ofrecen una resonancia tranquila.

 

Regina Nieke “O.T.” (wartend) / “UNTITLED” (waiting), collage, spray, oil on canvas, 80 x 60 cm, 2011 © The artist. Courtesy of Colectiva.

 

Regina Nieke “O.T.” (der Koloss) / “UNTITLED” (The Colossus), spray, oil on canvas, 170 x 130 cm, 2012 © The artist. Courtesy of Collectiva.

 

 

DOCUMENT ART BUENOS AIRES. BUENOS AIRES, ARGENTINA

Directores: Ricardo Ocampo y Mauro Álvarez

www.document-art.com

 

Document Art Gallery nace en 2009 como una singular propuesta dedicada a preservar y valorizar el arte conceptual de América Latina. Con un espacio de 120m2 propios, nivel de especialización profesional y gestión bibliográfica, la galería bonaerense selecciona cuidadosamente artistas y obras fundamentales para la comprensión de los procesos culturales desarrollados en el continente a partir de los años ’60.

Artistas de la galeria: Juan Burgos, Ulises Carrión, Julio Chaile, Gastão de Magalhães, Rafael Fernández Moreno, Ivald Granato, Haroldo González, Clemente Padin, Luis Pazos, Jorge Roiger y Teresa Vila.

Document Art presenta en JUSTMAD MIAMI a Claudio Roncoli.

 

Claudio Roncoli 

Nace en el barrio de San Cristóbal en la mañana de un 19 de Marzo en la Capital Federal de la República Argentina. En 1990 ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, para luego recibirse con el título de Profesor Nacional de Dibujo y Pintura. Estudia y desarrolla serigrafías en el estudio de Buenos Aires de Andrea Moccio. En Lima, Perú junto a Miguel Lescano estudia en profundidad técnicas serigráficas y en su taller “Cono Sur” sigue desarrollando proyectos.Asistió a la artista Cristina Dartiguelongue durante dos años en su taller de Palermo, Buenos Aires. Más tarde y durante un año asiste al artista plástico Marino Santa María en su taller de Barracas, Buenos Aires. Sus últimas exposiciones individuales se celebraron en la galería BertinToublanc, Miami EEUU y en Art Mini Day, Embajada UK, Buenos Aires.

 

Claudio Roncoli. Imagen cortesía de Document Art.

 

 

GALERÍA ESPACIO MÍNIMO. MADRID, ESPAÑA

www.espaciominimo.es

 

 

GALERÍA EVA RUIZ. MADRID, ESPAÑA

Directora: Eva F. Ruiz

www.document-art.com

http://www.evaruizgaleria.com/

 
La Galería Eva Ruiz nace en 2009 con un planteamiento renovado de su anterior espacio. Un concepto de galería que se adapta a la nueva realidad del panorama artístico internacional.

Eva Ruiz representa una selección de artistas contemporáneos, nacionales e internacionales, bajo una estudiada promoción y difusión de sus obras con presencia en ferias, instituciones, premios y colaboraciones con galerías extranjeras. Un planteamiento dinámico en el que conviven artistas jóvenes y “mid career” mediante un discurso en común de calidad en sus propuestas, con géneros y técnicas diferentes.

La galería dispone de un espacio expositivo de 150 m2, dividido en varias salas, que permite realizar exposiciones individuales y colectivas, así como proyectos con comisarios externos. Otra de las áreas que desarrolla Eva Ruiz es el programa ER collector, que se centra en ofrecer un servicio integral de asesoramiento e información tanto a nuevos, como a existentes coleccionistas.

Indica Eva F. Ruiz, directora de la galería:

“Durante la última década, se ha producido un incremento vertiginoso en las ventas de las casas de subastas, así como una proliferación de nuevas galerías, acompañado por la creación de nuevas ferias y el afianzamiento y crecimiento de las que existían. Todo esto ha venido apoyado por el sentimiento de bienestar económico, el aumento de consumo en productos de lujo, y el posicionamiento del arte en el mercado financiero. Las ferias se han convertido en un punto de encuentro y socialización para la gente del arte, en especial las grandes ferias. Esa es una de las razones por las que, iniciativas como la feria de arte por internet, VIP art fair, aun no puede tener éxito. En cuanto a las feria satélite, o buscan un nicho o una especialización, o tenderán a desaparecer porque, las ferias como Art Basel, Frieze, o Fiac, están acogiendo programas paralelos cada vez mas extensos como el dedicado a galerías jóvenes, a solo shows, o al diseño.

La realidad del mercado del arte ahora mismo es que no puede satisfacer tanta oferta. No hay demanda ante la creciente oferta que ya se produce todos los meses del año. No queda en el calendario una fecha libre donde no haya una feria de arte contemporáneo. La lógica nos lleva a pensar, que habrá grandes marcas de feria que se harán con el mercado, y unas pocas ferias satélite que ofrezcan alternativas de calidad al coleccionista”.

 

Artistas en la feria

Luis Úrculo (1978, Madrid,España)

Albert Speer, el arquitecto al que Hitler encargó la mayoría de los grandes proyectos del Tercer Reich, tenía por costumbre dibujar las ruinas futuras de sus propios edificios. Speer alegaba, no sin razón, que la auténtica potencia de una arquitectura residía en el vigor evocador de su futura ruina, y para justificarse, recordaba la sugestión que causan en nosotros los conjuntos monumentales del pasado, los restos de civilizaciones como la romana, la griega o la egipcia.

Luis Úrculo presenta un trabajo sobre la caída del poder y lo representativo basados en la arquitectura monumental. Partiendo de composiciones/estructuras de objetos domésticos, dispuestos en un estado ‘neoclásico’ ideal, se muestra su colapso y descomposición, símbolos de la eterna y estable Europa, una celebración del fracaso como hecho estético. Al mismo tiempo, Úrculo representa el propio concepto de colapso o derrumbe en un momento puntual de la vida de una persona.

“Un culto a la ruina que, como señala Andreas Huysse, ha devenido en una de las mayores obsesiones contemporáneas. Porque la ruina solicita un posicionamiento cargado de nostalgia, un llamamiento a un pasado que ya no existe y que cuestiona el estado actual desde una posición reflexiva no sólo sobre el pasado, sino sobre los inciertos tiempos por venir”, explica Iván López Munuera.

El video “Ensayo sobre la ruina” investiga a través de construcciones realizadas con objetos considerados “cadáver”, las posibles estructuras y acciones del colapso, además de la propia percepción e interpretación del espectador ante ellas.

Se trata de breves acciones que implican un movimiento descendiente de composiciones – telas que se desenrollan para dejar ver sus estructuras y caer en extrañas coreografías; minuciosos altlas de detritus, astillas y materiales de desecho, arcos de triunfo y podios- hasta su derrumbe/ruptura formal.

Como indica Ivan López Munuera, “las imágenes que genera Úrculo en su “Ensayo sobre la ruina” no invocan lugares precisos, más bien señalan sensaciones; no generan un deseo de volver a otros tiempos, pero los recuerdan. A través de sus piezas establece un vínculo desde el cual poder concebir y moldear futuros deseados, incluso inventor nuevos y excitantes pasados”.

 

 

“Ensayo sobre la ruina”

Luis Úrculo. “Ensayo sobre la ruina”, 2012. Video, loop 4´58´´.Ed. 5+1 P.A.

Luis Úrculo, “Unidades #01”, 2012. Tinta y lápiz de color s impresión fotográfica 111 x 107 cm. Cortesía Galería Eva Ruiz.


Luis Úrculo. “Estructuras”, 2012. Madera lacada. Medidas variables.

 

Almudena Lobera (1984, Madrid,España)

La obra de Almudena Lobera profundiza en el estudio de la imagen, de su naturaleza no siempre visible o accesible; indaga en sus estados, en los modos de ver y en la experiencia del acto perceptivo en el contexto artístico. Lo infraleve, lo invisible, lo oculto, lo desconocido, lo mental, lo virtual, lo inabarcable… lo que carece de visualidad o materialidad está presente en el trabajo de Lobera. Formaliza sus ideas mediante diversos medios: instalaciones, videoinstalaciones, dibujos, fotografías, objetos o hibridaciones de estos medios. El espacio y la acción son importantes para la artista, que considera la experiencia obra-espectador como parte esencial de sus piezas.

“La reconquista del espacio” es el título provisional del trabajo que Lobera presenta en JUSTMAD MIA. Un proyecto que es una reflexión en torno a la imagen pictórica de siglos pasados y la actual como un medio de representación y acceso a espacios, ficticios (trampantojos) antes y virtuales y mnemónicos ahora.

A partir de fotografías que la propia artista tomó en el Museo del Prado, traslada los espacios de representación característicos de la pintura antigua al espacio actual de la galería, valiéndose de una reproducción del marco a la que vuelve a dar cuerpo. Los marcos del Museo del Prado son tan históricos como las pinturas, la mayoría de ellos incluyen la cartela en la propia moldura y, sin embargo, nunca acompañan a los lienzos en las publicaciones. No suelen “salir del museo”. Si en el museo el marco aparece como una ventana que da acceso a la escena, en estas piezas Lobera utiliza el marco como imagen en sí y el espacio de representación que acota aparece vacío. Un vacío que se dibuja físicamente invadiendo el área en el que se encuentra el espectador.

Por otro lado, el espectador puede reconocer, sin ver, la pieza. Son obras muy conocidas que están en el imaginario colectivo, de modo que puede recrear su imagen mental de la pintura en el espacio “real” que se le presenta. El proyecto surge como continuación de “Espacio de conquista (III)”.

 

“Espacio de conquista (III)”

Almudena Lobera.“Espacio de conquista (III)”, 2012. Fotografías encoladas sobre piezas de madera y estructuras de alambre. Medidas variables.

“La reconquista del espacio”

Almudena Lobera. “La reconquista del espacio”, 2012.

Annette Merrild (1972, Herning, Dinamarca)

Merrild vive y trabaja entre Hamburgo (Alemania) y Barcelona (España). Annette Merrild modifica nuestra percepción de la realidad a través de la manipulación de fotografías y retratos de cuerpos desnudos que contienen una gran carga emocional. Desvirtúa las imágenes mediante el empleo del pegamento.

“Sculptural Paper II” se compone de una serie de escenas de diferentes mujeres en posturas “bondage”. En su anterior proyecto, basado en imágenes eróticas de “Bondage” de Edwar Lee, la estética de las fotografías se transforma. Las partes del cuerpo femenino se convierten en formas abstractas.

La artista es capaz de manipular cada vez más realidades, introduce el color y las figuras se convierten en retratos de diferentes medidas.

Todos los detalles son importantes para crear diferentes diálogos entre las realidades representadas y aquellas que no percibimos a simple vista.

El trabajo podría ser malinterpretado por el uso del cuerpo femenino. Pero Merrild no lo “usa” sino que lo destruye o decodifica para cambiar el concepto de “cuerpo sexual”.

Tras la transformación estética, el cuerpo femenino se convierte en objeto de debate para el espectador.

Annete Merrild. “Sculptural paper”, 2012. Imagen intervenida. Técnica mixta. Medidas variables.

“Sculptural paper”

Annete Merrild. “Sculptural paper”, 2012. Imagen intervenida. Técnica mixta. Medidas variables.

 

GALERÍA EL MUSEO / GALERÍA FERNANDO PRADILLA. BOGOTA, COLOMBIA / MADRID, ESPAÑA

Director: Fernando Pradilla 

http://www.galeriaelmuseo.com
 

La Galería Fernando Pradilla de Madrid y la Galería El Museo en Bogotá, unidas bajo la dirección del mismo fundador y director, han centrado sus objetivos en la promoción y comercialización del arte iberoamericano contemporáneo.

Ambas galerías, con diferentes objetivos y estrategias, dedican especial atención al arte joven emergente, cualquiera que sea su medio de expresión, y actuando como puente de conocimiento y difusión del arte que se desarrolla en América Latina y Europa.

La Galería El Museo y Fernando Pradilla han descubierto en sus inicios la obra de los artistas que representan, promoviendo su trabajo a través de los circuitos nacionales e internacionales del mercado del arte. La estrategia ha sido identificar la obra de artistas sobresalientes, por la particularidad de su trabajo, y organizar exposiciones individuales y colectivas tanto en Madrid como en Bogotá, exhibir sus trabajos en ferias latinoamericanas, asiáticas o europeas con el fin de que su obra sea conocida por críticos, comisarios y galeristas con los que establecer futuros proyectos expositivos.

Igualmente, ambas Galerías han perseguido incluir la obra de los artistas representados en colecciones institucionales y privadas y propiciar su participación en bienales, premios, concursos, o colaborando en el desarrollo de exposiciones en Museos o Centros de Arte nacionales e internacionales.

 

Artistas en la feria

Javier Vanegas (1984, Bogotá, Colombia)

El fotógrafo Javier Vanegas, nace en Bogotá, Colombia, en mayo de 1984. Su trabajo se centra en la manipulación y re-significación de las fotografías que manipulan las personas en su diario vivir, estos encuentros azarosos son el eje central de su reflexión en torno a la imagen fotográfica, creando de esta manera su propia propuesta plástica.

En el proyecto “VIP”, Javier trabajó esta vez con las tarjetas que promocionan las whiskerías o burdeles de la ciudad de Bogotá; durante siete años estuvo en el proceso de búsqueda y recolección de estas imágenes publicitarias, evidenciando de esta manera la alta concentración de prostitución que maneja nuestra sociedad contemporánea y criticando a su vez el abuso del cuerpo humano.

Hasta la fecha ha logrado conseguir más de 1500 tarjetas, todas con un diseño diferente y que funcionan como píxeles en las fotografías que realizó para la serie “VIP”, en total son 10 mosaicos fotográficos, que serán exhibidas en Espacio2, junto con la obra de Alexis W.

Para componer cada fotografía con las tarjetas, Vanegas se apropió de obras pictóricas de la historia del arte, realizadas por famosos artistas, pero que en su momento fueron vetadas o juzgadas por su contenido sexual. El resultado son nuevas imágenes que preguntan sobre cómo la sociedad se aproxima al tema de la sexualidad, sobre todo en lo que se refiere a los límites de lo público y lo privado; y la circulación de las imágenes con contenido sexual en diferentes estamentos o circuitos.

Su obra habla de cómo la sociedad maneja una doble moral al negar que en estos burdeles o whiskerías se ejerza la prostitución debido a que los miembros de esta (tanto hombres como mujeres), participan en las transacciones que se llevan a cabo en estos lugares en donde, por manejar palabras como “privado” o “confidencial”, se ven permitidas. Sin embargo, aquellos que participan, de “puertas para fuera” son los primeros en juzgar y mirar con recelo estos lugares que promueven la explotación del cuerpo de hombres y mujeres (en ocasiones incluso menores de edad).

Estas imágenes nos muestran también cómo la publicidad ha desacralizado la sexualidad, convirtiéndola en un tema manido y común; mientras que en el pasado, incluso las obras de arte se veían perseguidas por las autoridades morales, juzgándolas por su alto contenido erótico o abiertamente sexual, impidiendo su circulación y más aún, su exhibición en Museos o galerías.

 Javier Vanegas, “Serie VIP”. Imagen cortesía de Galería El Museo.

Juan Francisco Casas (1976, La Carolina, Jaén, España)

Vive y trabaja en Madrid y en La Carolina, Jaén. Juan Francisco Casas hace uso del aprendizaje extraído del proceso de vulneración que la posmodernidad, empezando por el minimal, ejerce sobre el objeto artístico tradicional, diversificándolo, desintegrándolo, destruyéndolo y devolviéndole, por último, su condición material.

Pasados por este tamiz, sus pinturas y dibujos generan el espejismo de una ortodoxia que sólo existe en su carga mimética, y que se desmorona en la utilización de medios como el bolígrafo o en la constante elección de temas carentes de la menor trascendencia, entendida en términos convencionales. Según esto, sus obras son una muestra de la imposibilidad de extrapolar ciertos conceptos desde la esfera de lo real a la esfera de lo artístico: lo banal se convierte en trascendente dentro del espacio pintado, donde viene a sustentar el proyecto de Juan Francisco Casas, que se recrea en lo que él llama “hedonismo doméstico”, ignorando ciertos discursos actuales que reivindican una función social que no corresponde al artista. Pinta para sentir el placer que la pintura ofrece como ningún otro medio; por su inmediatez, como la de las escenas que resultan, “momentos muy puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron”, según él mismo afirma.

Y, sin embargo, no hay interpretación pictórica, no en el sentido de ostensiblemente pictórica; sólo una superficie neutra e impecable. Aparentemente, la interpretación comienza y termina cuando el artista pulsa el disparador de su cámara de fotos.

Visto de un modo superficial, se diría que su trabajo gira en torno al retrato, reconociéndose en él un amplio campo de influencias, desde Frans Hals o Adriaen Brouwer hasta Alex Katz o Eric Fischl, aunque prescinde de sus características como género artístico. Es un soporte y un medio, pero no un fin. Sus modelos se convierten en instrumentos de escasa individualidad y, al igual que un bolígrafo, un lienzo o un tubo de óleo, en meros vehículos, usados sólo para poner en marcha la experiencia estética, la suya y la del espectador.

 

Clickingolympus 3, 2012.

Juan Francisco Casas, “Clickingolympus 3″, 2012. Bolígrafo Bic azul sobre papel, 26, 5×40 cm (10½ x 15¾”).

Germán Gómez (1972, Gijón, España)

Vive y trabaja en Madrid.  La obra que presentará en JUSTMAD MIA se inscribe dentro de la exposición que el artista presentó en la Galería Fernando Pradilla bajo el título “Años 30”.

La exploración y exteriorización de su intimidad se erige en protagonista de la obra: todo un recorrido emocional a través de la memoria y los recuerdos compilados durante una década de su vida. Germán Gómez entiende la expresión creativa como el único camino posible para revelar lo más profundo de sí mismo, sus afectos, su dolor, aquello que lo emociona o lo desalienta, que le impulsa a seguir adelante, o a detenerse y mirar atrás; de eso justamente habla “Años 30”, una elocuente recopilación de capturas de aquellos momentos que han significado algo en los últimos diez años de su vida, un período en que ha acumulado alegrías y desdicha, éxitos, decepciones, la pérdida de personas a las que ha querido; el descubrimiento de amigos, lugares, obras de arte, canas y algunas arrugas.

Esta recuperación de recuerdos, de introducción de elementos autobiográficos en su obra, se asienta sobre una existencia vivida que luego ha sido recreada, y Germán lo explica cuando afirma que “las imágenes seleccionadas parten todas de la realidad, pero el hecho de tener diferentes formatos y técnicas, que van desde la imagen fotográfica pura, hasta la manipulación de ésta mediante dibujo o collage, pretenden negar o desmentir esa realidad a través de la distorsión o la manipulación directa de las imágenes, convirtiéndolas en obras únicas, algunas con grandes vínculos pictóricos e incluso, escultóricos”. El universo de historias y temas que habitan su trabajo está dominado por lo que Germán Gómez ha reconocido como sus grandes pasiones “el retrato, el paisaje, las naturalezas muerta, la arquitectura… Y por supuesto, la historia del arte”.

El artista ha concebido este proyecto como “una instalación fotográfica, una línea temporal, algo abarrotada, entre una sala de gabinete del siglo XIX y una secuencia de imágenes proyectadas. El pretendido desorden no marca una jerarquía de lectura; es el que mira quien decide qué verá primero. En este modo de mostrar las obras, la imagen individual parece no jugar un papel importante si no es porque está rodeada de otras; se trata de la fotografía en sí misma, pero también del lugar que ésta ocupa en el espacio expositivo que, lejos de ser espontáneo e inmediato como podría aparentar, está cuidadosamente estructurado y diseñado”.

La obra pretende reconciliarnos con esa manera de revisar nuestra existencia sin amargura, “con profunda pasión”, como diría Germán Gómez, para el que este proyecto “forma parte de ese diario íntimo de una vida, mi vida, que intenta expresarse, comunicarse, a través de la imagen, de la obra plástica”.

 

Retrato dibujado 1. Serie Años 30.

Germán Gómez. “Retrato dibujado 1. Serie Años 30″. Ed. 1/1, 2011. Impresión cromogénica, grafito sobre poliéster, recortado y cosido, sobre dibond. 110×85 cm (43¼ x 33½”).

 

Mauro Piva (1977, Rio de Janeiro, Brasil)

El artista brasileño Mauro Piva presenta una serie de retratos elaborados en grafito y acuarela sobre papel. En sus dibujos, el artista toma como referente al pintor Velásquez, quien, se dice, cobraba un dinero extra por realizar las manos en sus pinturas pues éstas eran, para él, el elemento más importante en la obra. Teniendo en cuenta lo anterior, Piva resalta esta parte de sus dibujos siendo lo único que lleva color; dejando los rostros de los personajes anónimos, enfatizando solamente sus posturas, su ropa y por supuesto, las manos. Piva ha mantenido como tema constante en su obra una reflexión en torno a la identidad, y de cómo el lenguaje no verbal de sus personajes es el que relata la historia de los mismos.

Retrato con manos pintadas: Adidas, 2012.

Mauro Piva. “Retrato con manos pintadas: Adidas”, 2012. Grafito y acuarela sobre papel. 40×32 cm (15¾ x 12½”).

Asimismo participarán en JustMad Mia los siguientes artistas: César Delgado (1961, Madrid, España); Manuel Calderón (Colombia) y Alejandro Bombin (1985, Madrid, España). 

 

HANS ALF GALLERY. COPENHAGUE, DINAMARCA

  www.hansalf.com

La galería Hans Alf Representa a un grupo de artistas contemporáneos que trabajan con diferentes medios y formas de expresión. La galería busca promocionar el arte danés contemporáneo y sacar adelante la próxima generación de artistas daneses e internacionales. El perfil de esta galería de amplia visión se refleja en la manera que  le facilita a los artistas expresarse y que por esta razón encontrará en esta galería exhibiciones que son orientadas hacia proyectos que requieren tiempo y espacio para que los artistas experimenten con trabajos de desarrollo extendido en el tiempo.

Artistas que presenta en la Feria: Maria Rubinke, Natasha Kissell, René Holm, Fredrik Raddum y Anders Moseholm.

 

Maria Rubinke 

Sus pequeñas figuras de porcelana son reminiscentes de las composiciones ilógicas del surrealismo, transformando el carácter de lo que tradicionalmente se consideran objetos agradables y pasivos a expresiones de sentimientos considerados tabúes, que oscilan entre el deseo y el sadismo.

Maria Rubinke, “Scream”. Cortesía de Hans Alf Gallery.

René Holm

René Holm, “Unknown journey”, 2012.

 


Natasha Kissell “Miniature World”. Cortesía galería Hans Alf.

ISIS GALLERY. HOVE, REINO UNIDO

Director: John Marchant

http://www.isisgallery.org/

 

El director de Isis Gallery, John Marchant, comenta a la redacción de XTRart que es la primera vez que participará en una feria en Miami, y que por lo tanto no sabe lo que puede suceder, aunque confía en que las cosas vayan muy bien.

La galería solamente va a mostrar un film titulado “Voodoo Science Park”, de Steve Beard y Victoria Halford. Este film se refiere a algunos temas que corren paralelamente al trabajo de muchos de los artistas de la galería, es decir, lo oculto paralelo a lo revelado, la individualidad y el Estado, lo metafísico y la realidad…etc.

Marchant está seguro que este film sorprenderá bastante  a muchos visitantes, pues considera que el poco tiempo que les lleve el contemplarlo será un tiempo muy bien aprovechado, ya que se trata de un arte que los dejará pensando una vez finalizada la proyección.

Instalación del vídeo “Vodoo Science Park”.  Cortesía de Isis Gallery.

Victoria Halford es una artista visual que viene exhibiendo internacionalmente desde 1996. Ha estudiado Fine Art Photography en el Royal College of Art de Londres, en Fine Art at Goldsmiths, University of London y Cine en la Universidad de Columbia de Nueva York. Su trabajo abarca escritura, fotografía, cine y performance.

Steve Beard es un escritor que experimenta haciendo cine desde la teoría, lo testimonial y la fotografía. Ha colaborado como guionista con London Fieldworks (escribió el Libro de Autor “Perfumed Head”). Su última novela es “Meat Puppet Cabaret” (Raw Dog Screaming Press, 2006)

Victoria Halford y Steve Beard realizan arte sobre accidentes. Su intención es narrar una poética cultural de un accidente desde un marco expandido de la evidencia básica.

El vídeo “Voodoo Science Park”, por cortesía de la Isis Gallery.

 

GALERÍA JAVIER SILVA. VALLADOLID, ESPAÑA

Dirección: Javier Silva

Web: www.galeriajaviersilva.com
 

La Galería Javier Silva es un espacio de arte contemporáneo que representa y colabora con artistas reconocidos y emergentes de proyección tanto nacional como internacional.

Parte de una programación exigente, con presencia en ferias y espacios de encuentro como instrumentos idóneos para impulsar el arte contemporáneo, compartir miradas, generar proyectos y crear redes.

Se trata, en definitiva, de un proyecto vivo y dinámico, abierto a la reflexión y el debate sobre el arte actual y a explorar los múltiples lenguajes con que éste se expresa hoy.

 

Entrevista a Javier Silva

Eres un ejemplo de lo que hay que hacer en momentos de crisis, es decir, ser optimista e intentar sacar adelante los proyectos. ¿Puedes decirnos en pocas palabras tu proyecto de galería?

La Galería Javier Silva ha nacido en un momento muy complicado, eso es evidente, así que tenemos los pies bien anclados en la tierra y somos conscientes de que el inicio no va a ser fácil. Sin embargo, también tenemos la mirada puesta en el futuro -de otro modo no creo que hubiéramos abierto- y estamos convencidos de que esta crisis, como otras, ha de ser el preludio de una nueva etapa de oportunidades. Diferente a la anterior, sin duda, lo cual también es interesante.

Pienso que hay que repensar colectivamente lo que se ha estado haciendo y contribuir a fraguar los necesarios cambios. El tiempo presente, muy especialmente en España, está cuajado de incertidumbres en todos los aspectos y sectores y el mundo del arte no puede obviamente ser ajeno a ello.

El proyecto con que nacemos es esencialmente abierto, porque concebimos la galería como un espacio dinámico cuyas fronteras trascienden las paredes de la sala. Pero sí tenemos claras algunas claves, entre las que está la de desarrollar una programación exigente y representar o colaborar con artistas reconocidos o emergentes de proyección nacional e internacional.

La idea es convertirnos lo antes posible en un espacio de referencia que acoja y aglutine a los creadores más relevantes de nuestro entorno y, al mismo tiempo, atraiga a artistas que nos aporten una nueva mirada o nuevos lenguajes. Además, queremos convertirnos en un espacio abierto a diferentes iniciativas culturales y artísticas, un punto de encuentro de proyectos, reflexiones y experiencias en los que la creatividad, el intercambio, la innovación y la diversidad se configuren como conceptos clave.

En este sentido, la galería está abierta a la colaboración con operadores y gestores culturales, instituciones, comisarios, artistas, comunicadores y coleccionistas para aprovechar sinergias, concebir nuevas ideas y explorar y desarrollar proyectos conjuntos.

¿Por qué te atrajo la propuesta de JUSTMAD MIA?

Para nosotros es muy importante estar presente en ferias y espacios de encuentro, como es el caso de JUSTMAD MIA. Los vemos como los instrumentos más eficaces que existen en la actualidad para impulsar el arte contemporáneo, compartir miradas, generar proyectos y crear redes.

La apuesta que se ha hecho desde JUSTMAD para estar este año en Miami nos ha parecido tan interesante, pertinente y bien construida que para nosotros resulta casi inexcusable asistir, incluso teniendo en cuenta que acabamos de abrir y que el proyecto aún requiere muchas horas de trabajo “in situ”. Creemos, sin duda, que es la mejor puesta de largo que podemos hacer en la escena internacional.

Creo que incluso en un escenario tan complejo y extenso como el que presenta Miami en diciembre, JUSTMAD va a suponer una apuesta diferente, una cita que va a sorprender y asombrar a todos los visitantes que se acerquen a la feria, que sin duda van a ser muchos.

¿ Crees que las galerías deberían cambiar su papel tradicional en el mundo del arte?

Sería pretencioso y absurdo que nosotros, casi recién llegados y aún aprendices, opináramos sobre lo que deben o no hacer las galerías. Como decíamos antes, el futuro aparenta ser bastante incierto, pero uno de los aspectos más interesantes que lo conforman claramente es el dinamismo tan intenso y la cantidad de opciones que cada día se abren ante nuestros ojos.

En este sentido, es muy difícil, al menos para nosotros, aventurar nada o hacer predicciones de futuro. Habrá que ir viendo y, desde luego, estar muy atentos y ser flexibles, tener una gran capacidad de cambio y adaptación a lo que cada momento vaya requiriendo.

¿Qué artistas lleváis a Miami?

Hemos abierto en octubre con una exposición de Luis Cruz Hernández, a quien también llevamos a JUSTMAD MIA. Es un artista cuya obra siempre sorprende y asombra, incluso a los que vienen siguiéndole hace tiempo. Para nosotros, abrir la galería con su trabajo ha sido todo un privilegio, ya que conjuga su madurez artística con una permanente inquietud, una reticencia a acomodarse y repetir caminos ya transitados.

El trabajo de Daniel Verbis a quien también llevamos a JUSTMAD MIA -en colaboración con la galería Diana Lowenstein de la ciudad-, es ya bien conocido y admirado en España. Combina las instalaciones con la pintura, integrando ambas en un juego lúdico en el que se da prioridad a las preguntas y a los interrogantes. Sus imágenes están abiertas, adivinándose el proceso, en ocasiones inacabado, que da paso a que el espectador retome la lectura en otra obra en donde el mismo motivo está resuelto con técnica diferente.

Y la tercera artista cuya obra presentamos en esta edición de JUSTMAD MIA es Sae Aparicio, una joven artista española que reside en Londres, a quien le gusta comparar, a través de su trabajo, planos de absurdo: el real en el que vivimos con las ficciones que crea. En sus propias palabras: “me obsesionan los sistemas, los convencionalismos que tenemos asumidos y que pueden ser considerados igual de arbitrarios que las ficciones que estoy construyendo, sólo que por costumbre y por la educación los aceptamos como razonables. Me gustaría que mi trabajo indujese a la reflexión. No a dirigirla, sino a propiciarla. Mis medios de trabajo son el dibujo, la escritura, las instalaciones con objetos encontrados, la animación y la combinación entre estos medios. Aunque siempre parto del dibujo no por ello me considero fiel a ninguna disciplina: Lo que persigo es crear un tipo de situaciones que no se podrían dar de otra manera que no fuese a través de esas imágenes creadas. Con ello construyo posibilidades y la propia obra queda convertida en una experiencia”.

¿Qué otros artistas presentarán su trabajo en su galería durante esta temporada 2012-2013?

En esta temporada vamos a presentar en la sala obras de otros tres artistas muy diferentes entre sí técnica, estética y conceptualmente, pero que comparten -en nuestra opinión- un gran rigor y honestidad en su trabajo, además de una gran proyección de cara al futuro. Es el caso de Maíllo –a quien presentamos en colaboración con la galería José Robles-, quien, en palabras de Virginia Torrente, es un artista “atrapado por el oficio de la pintura, llevado a un cortocircuito de ideas que se funden de manera explosiva en un nuevo concepto que evita cualquier prejuicio, cualquier coherencia aparente a primera vista”.

Françoise Vanneraud es una artista francesa residente en España que presentaremos en enero en colaboración con la galería Raquel Ponce de Madrid. El trabajo de Françoise, según David Armengol, “invita a repensar algunas características universales de la condición humana; como la duda, el miedo, la burla o la ironía. Para ello, la artista recurre a un estilo seco y directo. Figuras y ambientaciones a medio camino entre la realidad y la fantasía que se acercan a las composiciones delirantes y obsesivas propias del outsider art o a aquellas más mecánicas y repetitivas de la artesanía”.

Y remataremos la temporada con la obra de Eduardo Alonso Rico, que sorprendió al circuito artístico hace unos años cuando mostró por vez primera su trabajo “Días futuros”, un proyecto que ha supuesto un punto de inflexión en su carrera invitándonos a reflexionar sobre la utopía, el presente -en contraposición a ésta- y las complejas relaciones que mantenemos con el entorno. En abril nos presentará un nuevo proyecto que, estamos seguros, va a suponer un paso más en este ejercicio de asombro y reflexión al que Eduardo lleva tiempo invitándonos.

 

Artistas en la feria

Luis Cruz Hernández (1950, Valladolid)

Como en tantos otros artistas, el universo plástico de Luis Cruz Hernández es persistente. Hay formas asiduamente frecuentadas que le acompañan como satélites. En un juego que, más allá de la pintura, representa una silenciosa llamada de atención sobre las limitaciones de la mirada.

En el inocente procedimiento de recrearse con la disparidad, disimular y desplazar formas y objetos, Luis Cruz Hernández consigue una nueva línea de aventura. Su nuevo camino incorpora ciertos guiños a la forma, hace un proceso de descomposición y restitución muy cercano al “collage” jugando con mestizajes e hibridaciones. De este modo, realidades contrarias se entremezclan torrencialmente en beneficio de una jungla laberíntica de objetos, paisajes entrevistos en su ensoñación, de momentos sin un antes ni un después.

En definitiva, el universo plástico de Luis Cruz Hernández, permanente y al mismo tiempo cambiante, nómada; a fuerza de mirar ha descubierto un nuevo contorno.

Es un artista cuya obra siempre sorprende y asombra, incluso a los que vienen siguiéndole hace tiempo, conjuga su madurez artística con una permanente inquietud, una reticencia a acomodarse y repetir caminos ya transitados.

Luis Cruz

Luis Cruz Hernández. Imagen cortesía de la Galería Javier Silva.

Daniel Verbis (1968, León, España)

El trabajo de Daniel Verbis, a quien la galería lleva a JUSTMAD MIA en colaboración con la galería Diana Lowenstein de la ciudad norteamericana, es ya bien conocido y admirado en España. Combina las instalaciones con la pintura, integrando ambas en un juego lúdico en el que se da prioridad a las preguntas y a los interrogantes. Sus imágenes están abiertas, adivinándose el proceso, en ocasiones inacabado, que da paso a que el espectador retome la lectura en otra obra en donde el mismo motivo está resuelto con técnica diferente.

El artista está interesado en el arte que aún no ha sido dañado por las ideas, buscando honestidad en las mismas. Cada trabajo es creado en un tiempo y lugar específico que ofrece un contexto determinado pero afirma que cada obra debe trascender ese contexto, expresándose en otro nivel.

Daniel Verbis

 Daniel Verbis. Imagen cortesía de Javier Silva.

 

Saelia Aparicio (1982, Ávila,España)

La tercera artista cuya obra presenta Javier Silva en esta edición de JUSTMAD MIA es Saelia Aparicio, una joven artista española que reside en Londres, a quien le gusta comparar, a través de su trabajo, planos de absurdo: el real en el que vivimos con las ficciones que crea. En sus propias palabras, “me obsesionan los sistemas, los convencionalismos que tenemos asumidos y que pueden ser considerados igual de arbitrarios que las ficciones que estoy construyendo, sólo que por costumbre y por la educación los aceptamos como razonables. Me gustaría que mi trabajo indujese a la reflexión. No a dirigirla, sino a propiciarla. Mis medios de trabajo son el dibujo, la escritura, las instalaciones con objetos encontrados, la animación y la combinación entre estos medios. Aunque siempre parto del dibujo no por ello me considero fiel a ninguna disciplina: lo que persigo es crear un tipo de situaciones que no se podrían dar de otra manera que no fuese a través de esas imágenes creadas. Con ello construyo posibilidades y la propia obra queda convertida en una experiencia”.

Saelia Aparicio

Saelia Aparicio. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

 

GALERÍA JOSÉ ROBLES. MADRID, ESPAÑA

Director: José Robles

www.galeriajoserobles.com

La Galería José Robles se inauguró en el año 2000 con el objetivo de mostrar y difundir arte contemporáneo. Tras nueve años de actividad en su local de la calle Domenico Scarlatti y con más de 45 exposiciones realizadas, traslada su sede a la calle Belén, donde inicia una nueva etapa.

Desde sus orígenes, la galería ha apostado por la obra de artistas jóvenes y emergentes, sin distinción de soportes, y esta es la línea de trabajo que quiere potenciar en el futuro. La galería ha participado regularmente en ferias como Estampa, Art Madrid, Just Madrid, Valencia Art, Espacio Atlántico Vigo y Arte Santander.

Con el calendario regular de exposiciones de pintura, escultura o fotografía de artistas consagrados, es intención prioritaria de la galería el descubrimiento y promoción de nuevos valores

 

Entrevista con José Robles

¿Su presencia en ferias extranjeras es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

JUSTMAD MIA será la primera feria de la galería fuera de España, aunque llevamos ya algún tiempo planificando nuestras primeras incursiones en el exterior. Es nuestra idea que sea política de la galería con independencia de la situación económica del país. Lo consideramos una evolución natural de nuestro proyecto.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

Nuestra experiencia ha sido positiva respecto a la reacción del mercado español en cuanto al arte emergente. Lo que ocurre es que los artistas tienen que empezar a buscar su hueco en los mercados internacionales desde el principio o se arriesgan a convertirse en un producto meramente local.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual?  Si es así ,en qué sentido lo hace? ¿En relación a los artistas que representa o quiere representar?

El proyecto de la galería tiene vocación de internacionalización desde su comienzo. Es cierto que la situación económica actual lo hace mas necesario que nunca. Pero hemos comenzado trabajando con artistas jóvenes con los que hemos hablado muy profundamente de la planificación de sus carreras mirando al exterior desde el primer momento. Así mismo, vamos tratando de ir incorporando a la temporada de la galería exposiciones de artistas internacionales que contextualicen el proyecto.

¿En relación a una política de precios?

En un mundo cada vez más global como el del arte contemporáneo, huimos de las burbujas de precios locales y tratamos de ofrecer una línea de precios que pueda defenderse en otros países. No nos interesan las escaladas de precios internas que no tengan sentido fuera. A medio y largo plazo, son letales para los artistas.

¿En relación al público o coleccionista a los que se dirige?

Lógicamente, España es nuestro mercado principal. Lo que pasa es que, conceptualmente, tratamos de no crear una diferenciación entre un mercado interno y externo y que el “producto” que ofrecemos valga para los dos por igual.

 

Artistas en la feria

Raúl Díaz Reyes

El sentido del humor, la ironía, el cinismo y la melancolía están presentes en todos los trabajos de dibujo y pintura de Díaz Reyes. El trabajo de Raúl Díaz Reyes apuesta por la confección de una cosmogonía personal basada en la recolección y apropiación de referentes de distinta índole – el cómic underground, el cine de ciencia ficción, la literatura fantástica o la propia historia del arte – para centrar su atención en contextos definidos desde cierta marginalidad y oposición a lo hegemónico, como el outsider art, el graffiti o el estudio de los fenómenos paranormales.

Raúl Díaz Reyes (1977) vive y trabaja en Madrid. Ha recibido importantes becas internacionales en España, Brasil o Alemania como la de Movilidad Internacional de Matadero, Madrid, la de Producción del Centro de Arte Hangar, la de la Fundación Joan Miró, la de ayudas a la producción de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid o la de la Druckwerkstatt Bentlage Foundation, o la FAAP International Artisitc Residecy en Sao Paulo. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Madrid, Barcelona y Sao Paulo.

Raúl Díaz Reyes. Serie “Intimate Freaks” (2010/11) Aguafuerte iluminado 1/1 76 x 56 cm. Cortesía de Galería José Robles.

 

Santiago Morilla

Santiago Morilla (Madrid, 1973) vive y trabaja entre Madrid y Roma. Es licenciado en Bellas Artes por la UCM y se especializa en Media Art en el MEDIA Lab de la University of Art and Design de Helsinki (Finlandia).

Ha obtenido importantes premios y becas como la Beca de Artes Plásticas en la Real Academia de España en Roma, concedida por el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional o el Gyeonggi Creation Center International Exchange Program Artist Residence 2011, en Seúl, Corea del Sur.

Expone y realiza intervenciones públicas por todo el mundo. Recientemente ha expuesto en el CaixaForum y el Museo ABC (Madrid), Tate Modern (Londres), Gyeonggi Museum of Modern Art (Corea del Sur), el Museo Palazzo Collicola de Arte Contemporáneo de Spoleto y Fondazione Pastificio Cerere de Roma (Italia).

Santiago Morilla, “Marca de agua (central)” 1/1 205 x 151 cms. Tinta y rotuladores sobre papel Basic 250gr, 2012. Cortesía de Galería José Robles.

 

KERS GALLERY. ÁMSTERDAM, HOLANDA

http://www.kersgallery.com/wp/

El objetivo principal de la galería neerlandesa es ofrecer a jóvenes y talentosos artistas la oportunidad de exhibir junto a artistas más consolidados.

La galería busca también involucrar a un público más amplio, ofreciendo talleres y charlas con los artistas que trabajan con ellos.

En JUSTMAD MIA la galería exhibirá, en el marco del programa Naked, al artista visual David Bade, residente y activo en Curaçao y Países Bajos. La obra presentada por Bade es “Fairtrade”.

 David Bade, “Fairtrade”. Cortesía del artista.

 

GALERÍA LA CAJA BLANCA. PALMA DE MALLORCA, ESPAÑA

http://lacajablanca.com

La Caja Blanca es una galería de arte independiente, especializada en producir proyectos de artistas contemporáneos y emergentes del panorama internacional.

La mayor parte de estos proyectos son el resultado de las residencias de investigación y desarrollo que llevan a cabo los artistas que colaboran con dicha galería en Palma de Mallorca (España).  Los proyectos artísticos que se producen en este marco suelen viajar a otros países a través de acuerdos con museos, comisarios de grandes exposiciones y otras galerías de arte.

Su centro de pensamiento, planificación, producción y desarrollo se encuentra en Palma de Mallorca, mientras que la oficina que permite fomentar la difusión de la producción artística que facilita está ubicada en Londres. Este tándem es sumamente importante. Londres les da acceso a los principales profesionales del sector artístico internacional; en cambio, Mallorca proporciona un contexto extraordinario para la producción artística sin las presiones del mercado. Tener dos sedes es la estructura que permite desarrollar ese modelo de trabajo que requiere un equilibrio muy delicado entre el mercado del arte y el “atelier” del artista.

 

Entrevista con Eva Shakouri Torreadrado, directora y socia fundadora de La Caja Blanca

¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

La Caja Blanca se especializa en la producción de proyectos inéditos de artistas destacados del panorama internacional. La mayor parte de estos proyectos son el resultado de las residencias de investigación y desarrollo que llevan a cabo los artistas que colaboran con nosotros en Palma de Mallorca, una isla del Mediterráneo occidental en la que han convergido las tres grandes civilizaciones monoteístas del mundo (la cristiana, musulmana y judaica). Los proyectos artísticos que se producen en este marco suelen viajar a otros países a través de acuerdos con museos, comisarios de grandes exposiciones y otras galerías de arte. La feria de arte en sí, no juega un papel importante en nuestra estrategia de internacionalización. Sin embargo, la filosofía del equipo humano que está detrás del proyecto de JUSTMAD (tanto en Madrid como Miami), su apuesta contundente hacia nuevas formas de transmitir y presentar el arte contemporáneo y su voluntad por encontrar mecanismos para romper los moldes tradicionales de la feria de arte, nos ha seducido.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

Tras sólo tres años de presencia en el mercado español, JUSTMAD ha logrado posicionarse como un referente en su segmento. Su apuesta por abrir horizontes, creando contextos nuevos que facilitan el camino para la obra de los artistas más innovadores llegue al público, ha supuesto una inyección de energía tanto para los artistas como para el mercado. Convertir las plataformas del metro de Madrid en escenario para el arte sonoro, las suites de un hotel en una ruta del tesoro para el video-arte, es una manera de pensar que compagina perfectamente con la creación artística que estamos viendo hoy en los estudios de los artistas más prometedores del panorama internacional y que, sin embargo, muchos museos y galerías de arte tardarán décadas en poder mostrar. Las instituciones que ejercen de intermediarios entre los artistas y el público siempre operan con años de retraso, lo cual suele lastrar la incorporación de nuevas ideas, lenguajes y tendencias al “mainstream”. JUSTMAD ha logrado saltar esta brecha y posicionarse como socio y compañero de las nuevas generaciones. En España, la respuesta ha sido rotunda y positiva. Si te interesa ver lo que se está cociendo hoy en día y tener acceso privilegiado a las personas que lo impulsan, JUSTMAD te proporciona la llave que te permite acceder a ello.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual? Si es así, ¿en qué sentido lo hace?

Nuestro modelo de negocio empezó más bien como un club de coleccionistas interesados en participar de manera más pro-activa en la gestación-producción de un proyecto artístico. En ese sentido ha cambiado poco desde sus inicios en 2006. El éxito de los proyectos producidos en los primeros años nos ha permitido ampliar nuestro público y trabajar codo a codo con galerías y museos de primera fila como Tracy Williams Ltd en Nueva York, o Haunch of Venison en Londres. En este sentido, nuestro modelo ha evolucionado, se ha consolidado y depurado, pero no ha cambiado. Es cierto que el mercado del arte ha dado un vuelco importante en España en los últimos cuatro años, pero el hecho de que nosotros nunca nos decantamos por un modelo de trabajo tradicional de galería como puro marchante de arte ya producido, el  hecho de que nuestra filosofía consista en construir alianzas con otros compañeros en otros países, y nuestro planteamiento de tratar a los artistas como colaboradores en lugar de contraer contratos de exclusividad que limitan su capacidad de trabajar con otras galerías nos ha permitido mantenernos al margen de los prejuicios que han sufrido otras galerías con modelos más tradicionales.

¿Cómo considera que la ubicación de su galería afecta al arte que muestra?

Nosotros tenemos el centro de pensamiento, planificación, producción y desarrollo en Palma de Mallorca (España), mientras que la oficina que permite fomentar la difusión de la producción artística que facilitamos está ubicada en Londres. Este tándem es sumamente importante. Hay que ser conscientes del contexto y el entorno en el que se opera, y aunque el mercado del arte es intrínsecamente internacional, cada ciudad ofrece sus ventajas y desventajas que a la hora de trabajar conviene tener en cuenta y aprovechar. Londres es por definición cosmopolita, te da acceso a los principales profesionales del sector artístico internacional y el coleccionista que compra en Londres busca la excelencia, la singularidad, un producto avalado por los profesionales más influyentes del mundo de arte. Estos estímulos te obligan a ser exigente contigo mismo, a medir la calidad de lo que produces contra los mejores del sector y no dormirte nunca en los laureles. Mallorca, en cambio, proporciona un contexto extraordinario para la producción artística sin las presiones del mercado. Las obras que salen de las residencias de artista que se desarrollan ahí son tremendamente potentes, maduras y relevantes porque el artista tiene a la vez acceso a investigación que puede llevar a cabo de primera mano con acceso directo a las fuentes primarias, así como la libertad para experimentar sin las limitaciones físicas ni las presiones que impone una gran metrópolis. En este sentido, todos los proyectos que han salido de La Caja Blanca tienen una solidez y un peso que las convierte en piezas seminales en las trayectorias de los artistas, que a menudo abren nuevas líneas de trabajo y nuevos discursos que refuerzan el desarrollo profesional de los artistas invitados. Los coleccionistas que colaboran con La Caja Blanca valoran el acceso privilegiado al artista, y el papel que pueden desempeñar dando soporte al artista en momentos clave de su trayectoria.  Hay pocas cosas tan satisfactorias como cuando un coleccionista reserva una obra mientras está siendo producida, tiene la posibilidad de conocer al artista y sentirse implicado en el proceso de producción de la obra y, poco después, tiene ocasión de asistir a la Bienal de Venecia para ver la resultante expuesta al público en general. Tener sedes en Londres y Palma de Mallorca es la estructura que permite desarrollar este modelo de trabajo que requiere un equilibrio muy delicado entre el mercado del arte y el “atelier” del artista.

¿Qué opina del arte emergente?

La expresión “arte emergente” o “artista emergente” se utiliza demasiado libremente, lo cual en algunos entornos ha llevado a que muchas galerías y artistas quieran renegar de esta etiqueta.

Una obra de arte no es emergente en el sentido de “joven promesa” o “estrella ascendente”, sólo por haber sido producida por un artista joven o uno desconocido. Para que un artista sea emergente en el sentido de “valor en alza” necesita además de ser joven, tener un discurso incisivo y relevante, una voz que le haga sobresalir entre sus compañeros, haber demostrado una trayectoria firme y a la vez brillante, y sin lugar a dudas haber conseguido reunir el aval de un número relevante de profesionales de referencia internacional en el sector. JUSTMAD es además de una empresa con profesionales de primer nivel, un vehículo que permite identificar a los individuos que han demostrado ser miembros de este exclusivo colectivo. Los coleccionistas que son los principales impulsores de este tipo de evento multitudinario son de dos tipos: o bien típicamente aquellos que llevan décadas invirtiendo en arte y quieren dedicar una proporción de sus adquisiciones anuales a obras que consideran más “arriesgadas” para complementar su colección, o bien el clásico coleccionista vocacional que antes que especulador es un amante del arte con un ojo entrenado para detectar talento. El típico visitante de los eventos de JUSTMAD es el mismo que en los años 20 del siglo pasado hubiera entrado en una galería de Barcelona o Nueva York para comprar un Joan Miró, y en el año 1983 se hubiera dejado caer por uno de los barrios del este de Londres para llevarse uno de los dibujos de Tracy Emin a casa debajo del brazo. El equipo de JUSTMAD ha conseguido reunir a personas que pertenecen a este selecto grupo, en un entorno de plena ebullición en el que el protocolo y las reglas de juego son iguales para todos tanto si eres artista, crítico de arte o coleccionista.

 

Artistas en la feria

Alyssa Pheobus Mumtaz (1982, EEUU)  

Desde 2009, Alyssa Pheobus Mumtaz ha estado viajando intensamente, viviendo y trabajando entre Lahore, Pakistán, Nuevo México, Nueva York, México y Washington DC. Obtuvo su licenciatura en artes visuales en la Universidad de Yale (2004) y su MFA en la Facultad de Arte de la Universidad de Columbia (2008) gracias a una beca. Sus obras han sido exhibidas internacionalmente con el apoyo de diversas organizaciones. Del mismo modo, sus obras también han tenido reseñas en medios de comunicación de notable prestigio como el “New York Times”. Recientemente ha empezado a impartir clases en las facultades de la Universidad de Virginia y la Universidad George Washington, y actualmente está trabajando en proyectos expositivos en Delhi y Mumbai. Su obra está representada por Tracy Williams, Ltd., Nueva York.

“Apparitions” es el título de la primera exposición individual de Alyssa Pheobus Mumtaz en España y la obra que la artista presentará en JUSTMAD MIA. De nacionalidad americana, actualmente reside en Charlottesville, Virginia. Pheobus Mumtaz es conocida por sus dibujos monumentales que vinculan las formas arquitectónicas arcaicas con un lenguaje jeroglífico de abstracción.

Creadas en el contexto del “Programa de Residencias de Investigación para Artistas Visuales 2012” que organiza anualmente La Caja Blanca, las obras reunidas en esta muestra reflejan la evolución de Pheobus Mumtaz hacia nuevas estrategias de dibujo que incorporan el collage, los calcos con grafito y los tejidos Ikat. Al igual que sus grandes obras abstractas sobre papel, los nuevos proyectos muestran un compromiso con los materiales nobles y una respetuosa veneración por las prácticas artesanales tradicionales y devocionales.

Las obras presentadas en “Apparitions” examinan las huellas del pasado que siguen suspendidas furtivamente en el presente. Descubiertas durante su investigación, las historias singulares y el insólito trenzado de culturas que convergen en la isla de Mallorca han proporcionado un punto de partida crítico que han conducido a Pheobus Mumtaz a comunidades, prácticas y campos de conocimiento centenarios, que perduran suspendidos en el tiempo y, sin embargo, corren el riesgo de desaparecer en las sombras del desconocimiento.

Creado en el Monasterio de la Purísima Concepción de Palma de Mallorca (conocido popularmente por “Les caputxines”, en la actualidad de las franciscanas TOR), “Novitates” (“Novicias”) es un retrato etéreo de una comunidad que permanece oculta ante los ojos de la sociedad. Difusos pero precisos, los calcos que componen el proyecto dejan constancia del descubrimiento, por parte de Pheobus Mumtaz, de una sorprendente colección conservada de antiguas tijeras forjadas a mano que fueron utilizadas en tiempos pasados, por las monjas de esta importante orden de clausura, para llevar a cabo labores de bordado de extraordinaria maestría, cuyo aprendizaje está en vías de desaparición. Para las Capuchinas, estas tijeras eran herramientas no sólo prácticas sino también iniciáticas, ya que a cada monja se le entregaba un par de ellas al iniciarse en la vida claustral.

La obra titulada “East” (“Oriente”), surgió gracias a la estrecha colaboración con el maestro artesano Guillermo Bujosa, del Taller Textil Bujosa en Santa María del Camí. Diseñado por Pheobus Mumtaz y tejido por Bujosa en los telares originales del taller fundado en 1949, el proyecto se presenta como una reinterpretación de la tradicional “roba de llengües” mallorquina, capaz en este caso de delinear un espacio de contemplación e introspección, a modo de nicho arquitectónico. Con esta sutil reconfiguración de los elementos clásicos del diseño de estos tejidos mallorquines, el proyecto pretende reconcentarlos con su pasada historia nómada y transmediterránea.

Su interés por la historia también ha dado lugar a la serie “Peseta Tarot” (“Tarot de Peseta”,) un proyecto en el que la artista se ha valido de meticulosas técnicas de collage para transformar antiguas pesetas españolas en cartas de tarot funcionales. Estos diminutos y densos objetos, re-configurados manualmente, arrojan luz sobre las insólitas convergencias entre la iconografía tradicional de las cartas del tarot y la multiplicidad de imágenes que conviven en los billetes diseñados por el Banco de España. A pesar de ser eclipsada por el euro, las múltiples caras de la peseta y sus numerosas transformaciones, persisten como recordatorios de la oscilante conciencia social en España sobre su historia reciente.

“Apparitions”, 2012.

Alyssa Pheobus Mumtaz. “Apparitions”, 2012. Dibujo sobre papel / Instalación textil.” Cortesía de Alyssa Pheobus, La Caja Blanca (Spain), Tracy Williams Ltd. (US)

 

Regina José Galindo (1974, Guatemala)

Nacida en Guatemala, 1974, la joven artista es conocida internacionalmente como una de las figuras más audaces del panorama artístico actual. Comenzó a destacar a mediados de la década de los 90 como una de las artistas guatemaltecas más emblemáticas de su generación.

Muy pronto fue comparada a Marina Abramovic por sus controvertidas performances, en las que su propio cuerpo es el vehículo con el que denuncia los conflictos sociales y políticos que asolan su país y que son extensibles a toda la sociedad actual. Ejemplo de ello es la obra “Himenoplastia”, en la que filmó su propia reconstrucción del himen en una clínica clandestina para denunciar la  sobrevaloración de la virginidad de la mujer y la explotación sexual en algunos países. Con esta obra ganó el León de Oro de la Biennale de Venecia en 2005 al mejor artista joven.

Produce dos proyectos emblemáticos en colaboración con La Caja Blanca: “Confesión” (2007) y “Alarma” (2011), ambos serán presentados en JUSTMAD MIA.

“Alarma” es una obra producida por Regina José Galindo por encargo de La Caja Blanca, para los túneles adyacentes a las cámaras que custodian las reservas de oro del Banco de España situadas bajo la fuente de Cibeles.

Los mismos túneles, que además recorren los espacios subterráneos situados en un punto estratégico en el que converge economía, seguridad y cultura, bajo el Banco de España, el Cuartel General del Ejército de Tierra, y el Instituto Cervantes.

Mientras que en las calles españolas se percibe una creciente alarma social ante una crisis que estrangula la economía y amenaza el futuro, con ritmo vertiginoso y bajo el inconfundible quejido de una sirena de alarma, en las calles de Madrid surgen escenas de las de Ciudad de Guatemala.

La obra es un grito de alarma ante unos riesgos que acechan el futuro de una despreocupada capital europea, y alerta al espectador de una realidad que muchos parecen querer ignorar para seguir con su alegre vida. ¿Se están difuminando las fronteras del primer y el tercer mundo?

 

“Alarma”

Regina José Galindo. “Alarma”. Instalación audiovisual, site-specific para los túneles de la estación “Banco de España” adyacentes a la cámara que custodia el tesoro del Banco de España. Duración: 1 hora 45 minutos. Producción: Febrero 2011. Edición: 1 de 5 + 2 PA.

En Septiembre 2007, Galindo visita Palma de Mallorca para realizar un nuevo proyecto titulado “Confesión”. Para ello, se somete a una de las técnicas de tortura utilizados para extraer confesiones de detenidos. Una técnica descrita con espeluznante detalle en documentos de la CIA recientemente desclasificados.

“Confesión”, una performance realizada en un sótano del casco antiguo de Palma, hace referencia a una de las formas de tortura más comunes realizadas por las guerrillas y los regímenes totalitarios de Latinoamérica, además de las cárceles secretas donde la CIA entrega a personas consideradas sospechosas, para extraer información en su “War on Terror”. Son Sant Joan, el aeropuerto de Palma de Mallorca, ha servido como una parada estratégica en las“extraordinary renditions”, la recogida y entrega de estos detenidos.

Confesión

Regina José Galindo. “Confesión”, 2007.Video-Instalación.

Noa Lidor (1977, Israel)

Actualmente vive y trabaja en Londres. Ha participado en numerosas exposiciones y producido piezas site-specific bajo encargo (“commissions”) para el Museo Tate Modern de Londres (Reino Unido), el museo Abbot Hall (Reino Unido), la galería La Caja Blanca (España) y el Museo de Haifa (Israel).

Su trabajo se materializa en forma de dibujo, escultura e instalación, y destaca por el uso poético y sensual de materiales humildes como el papel, el yeso, o la sal, así como objetos cotidianos en el entorno doméstico, como el mobiliario de una casa familiar, o los instrumentos musicales que al ser apropiados por la artista, pierden su función original. En febrero 2012 recibe el premio Dibujo Contemporáneo, concedido conjuntamente por el Museo ABC y la feria JUSTMAD. Lidor trabaja con la galería Green Cardamom en el Reino Unido y la galería La Caja Blanca en España.

Entre las obras que presentará en JUSTMAD MIA se encuentran: “Mammals” 2010; “Getting on with gardening” 2010; “In the Chambers of the Sea” 2011 y “Doily” 2012.

 

"Mammals"

Noa Lidor, “Mammals”, 2010. Instalación de yeso sobre pared. Imagen: Cortesía de La Caja Blanca y JustMadrid.

"Getting on with gardening"

Noa Lidor, “Getting on with gardening”, 2010. Pintura con acuarela y tinta sobre papel con escritura en Braille. Imagen: Cortesía de la artista y la galería La Caja Blanca.

"In the Chambers of the Sea"

Noa Lidor, “In the Chambers of the Sea”, 2011. Instalación de sal sobre mesa de época. Imagen: Cortesía de Abbot Hall en el Reino Unido y La Caja Blanca.

"Doily"

Noa Lidor, “Doily”, 2012. Dibujo sobre papel en Braille. Imagen: Cortesía de la artista y la galería La Caja Blanca.

 

Yara El-Sherbini (1978, Reino Unido)

De padre egipcio y madre caribeña, su sentido del humor ácido y la fluidez con la cual utiliza distintos lenguajes plásticos le han valido muchas menciones (tanto críticas como halagadoras) en la prensa internacional.

El-Sherbini juega con la práctica interdisciplinaria, utilizando el humor para atraer al público y tratar de cuestionar los sistemas sociales y políticos de poder e influencia. Su práctica incluye la fotografía, instalaciones, intervenciones, arte en vivo y video. Usa contextos familiares, como los concursos y juegos de mesa, para proporcionar entornos accesibles y de juego que llevan al público a explorar la forma en que vemos el mundo y producir conocimiento.

Recibió su MA en la Slade, UCL. Entre sus Residencias de Artista recientes se incluyen la Hayward Gallery de Londres, como parte de la Escuela Wide Open, en 2012 y en el ZKM de Alemania como parte de the Contemporary Global en 2011. Entre sus exposiciones podemos encontrar las del Modern Art Oxford, Galería Mostyn, Galería Quad, The David Roberts Art Foundation, Lombard-Freid Projects de Nueva Yokr, la Tate Britain, Arnolfini, la National Portrait Gallery, la galería de IKON, el Museo CCCB de Barcelona, el Dubai Art, el Centre d´Art Contemporain (Ginebra) y el Papesse Palazzo (Siena).

El proyecto en el que está trabajando, que será presentado en JUSTMAD MIA, es una obra nueva llamada “Public Address”, una instalación sonora que escenifica una performance homónima realizada en 2012. Se emitirá a través del sistema de sonido en momentos puntuales durante la feria. En dicho proyecto ha colaborado la Delfina Foundation de Londres.

Los sistemas de megafonía públicos son formas invisibles de energía, que se utilizan para controlar las situaciones, dar órdenes y dirigir a las personas; afectando al comportamiento de las personas en los espacios públicos. “Public Address” es una instalación sonora en la que la artista, utilizando el humor, altera el flujo normal de la información que pasa a través de estos sistemas, reformulándolos para que se conviertan en una herramienta de provocación al público, tratando temas de autocontemplación reflexiva: lo que pensamos en privado en situaciones públicas, cómo actuamos en dichas situaciones y cómo nos sentimos en nuestro interior. Se trata de hacer que el público participe de manera activa, ya sea voluntariamente o no, a partir de la creación de anuncios perturbadores que reten al público emocionalmente pero siempre dentro de un contexto de humor.

 

Fotografía de la artista durante una de sus "performance".

Yara El-Sherbini. Fotografía de la artista durante una de sus “performance”. Imagen cortesía de ArtsAdmin (UK), la artista y la galería La Caja Blanca.

GALERÍA LOUIS21. PALMA DE MALLORCA

Director: Óscar Florit

http://www.louis21.es
 

La galería Louis21, inaugurada en mayo de 2011, apuesta por explorar formatos de exposición y producción, fomentando tanto la interacción entre artistas y galeristas como entre el espacio y el público. Desde exposiciones individuales, colectivas o curadorías específicas, las diferentes propuestas impulsan un panorama latente y emergente dentro de la escena contemporánea local y nacional.

Louis21 pretende promocionar nuevos valores, la innovación y el talento con un programa abierto a la experimentación y la colaboración, que desde la periferia aspira a crear una serie de sinergias entre coleccionistas y artistas.

Sus estrategias creativas, de investigación, producción, exposición y colaboración pretenden ampliar el mapa de una cartografía cultural en proceso constante.

 

Artistas en la feria 

Bel Fullana (1985, Son Carrió, Mallorca)

Con sólo cuatro discretas exposiciones individuales a sus espaldas, todas ellas realizadas en espacios de su comarca natal del este de la isla, Fu­llana ha conseguido desarrollar un estilo de gran personalidad que, par­tiendo de iniciales retratos y pinturas de conjuntos humanos ejecutados con una base académica de fondo, ha alcanzado ya ese estado de gracia que se obtiene cuando lo inexplicable hace su aparición en la obra y la con­vierte en algo autónomo del mundo, otra realidad que se rige por leyes y códigos propios. En las obras de los últimos tiempos, los niños con gestos y manifestaciones perversas, amenazantes, o cuanto menos maliciosas, se han multiplicado en un esfuerzo coral que bien puede asociarse al aliento que dejó Bacon en la pintura moderna. Bel Fullana defiende esa utilización de niños en base a que su inocencia abre el camino de la sinceridad de sus verdaderos sentimientos, que fluyen verídicos a diferencia de lo que ocurre con los adultos, que siempre los ocultan y disimulan. Para una artista este canal de inocencia (por decirlo a su manera) resulta un auténtico filón.

 
“Squeeze me”, 2012.

 Bel Fullana, “Squeeze me”, 2012. Técnica: Lápiz, bolígrafo, acrílico y óleo sobre papel. Medidas: 40,5 x 29,5 cm.

Kepa Garraza  (1979, Berango, España)

Vive y trabaja en Bilbao. Su trabajo siempre ha planteado una reflexión sobre el mundo del arte y sus mi­tos. De manera ácida e iróni­ca, sus nuevas pinturas revisan la idea de triunfo, fama, visibilidad, espectá­culo y reconocimiento desde la mirada de su alter ego, que se presenta como una celebridad.

Irrumpió en la escena nacional hacia 2004 y, desde entonces, las sucesivas propuestas de Kepa Garraza siempre han tenido que ver con una mirada crítica hacia los convencionalismos, mitologías y creencias de esa escena del arte en la que participa y, a la vez, de la que se distancia analítica y sarcásticamente.

Su trabajo se ha centrado fundamentalmente en una pintura que podríamos cali­ficar de realista: imágenes sustentadas en archivos fotográficos y otras refer­encias, como cuadros famosos de pintores célebres, esos que recogen la mayoría de los manuales de arte, mediante una técnica elaborada y, a la vez, direc­ta y descriptiva. Suya es la serie “Fallen Angels” (2006-2007), que recoge las muertes naturales, por asesinato o suicidio y la presencia de los cuerpos en la morgue de artistas como Rothko, Modigliani, Van Gogh o Chaim Soutine. Sus pin­turas posteriores, “B.I.D.A. (Brigadas Internacionales para la destrucción del arte)” retoman su habitual cuestionamiento irónico de los discursos en torno a los mitos del arte. Lo hacen con un hipotético grupo terrorista que se mea en la peana de la Fuente de Duchamp; quema “El Guernica”; desgarra “Las señoritas de Avignon” de Picasso o secuestra a Damien Hirst ofreciendo una prueba de vida fo­tografiándolo con un periódico del día.

Kepa Garraza entremezcla periodismo, historia del arte, sociología y las rel­aciones entre arte, fama y dinero para construir un relato en el que afirma que el mundo que el arte construye no es real.

 

“Kepa Garraza, Jean-Michel Basquiat”.

“Kepa Garraza, Jean-Michel Basquiat”. Nueva York, 1983.2010. Técnica: Óleo sobre lienzo. Medidas: 33 x 41 cm.

Mikeldi Pérez (1983, Gexto, España)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha participado en diversas exposiciones dentro y fuera de España. Su trabajo ha obtenido un gran reconocimiento con el tercer premio Ertibil Bizkaia 2012 y el premio INJUVE Creación en Artes Visuales.

 

Sin título (1F, 2F, 3F, 4F y 5F). 2012.

Mikeldi Pérez. Sin título (1F, 2F, 3F, 4F y 5F). 2012. Técnica: spray e imprimación sobre tabla. Medidas: 35 x 9 x 4 cm por pieza.

 

 

MIRTA DEMARE INTERNATIONAL VISUAL ART. RÓTERDAM, PAÍSES BAJOS

Directora: Mirta Demare

http://www.mirtademare-art.nl/

Mirta Demare International Visual Arts es una galería establecida en 2002 en Róterdam, Países Bajos. El programa de la galería se basa en la premisa de que el intercambio de ideas, conceptos y prácticas entre artistas de diferentes orígenes culturales enriquece, estimula y desafía el contexto en el que el arte es producido y presentado. La galería trabaja con los países emergentes y como medio portador de artistas internacionales cuyas obras no sólo muestran una fuerte participación en los actuales desarrollos visuales y culturales, sino que trascienden las disciplinas y hacen uso de ambas técnicas tradicionales y los nuevos medios. El enfoque especial de la galería son los artistas internacionales con sede en Róterdam y artistas basados o procedentes de América Latina.

Mirta Demare Internacional Visual Art funciona como un espacio para exposiciones individuales o grupales de los artistas representados. La galería también está disponible para las formas internacionales de cooperación entre artistas y programas de intercambio, curadores invitados e iniciativas en colaboración con los institutos de otro arte. Además de eso, Mirta Demare International Visual Art organiza proyectos fuera de su propia galería, fomentando el diálogo entre los productores de todo el mundo cultural.

 

Entrevista a Mirta Demare

¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte?

Mi presencia en ferias extranjeras es parte importante del programa de la galería desde sus comienzo. Ademas de la ferias locales de Holanda, he participado entre otras internacionales como en España (ARCO, LOOP, JustMAD Madrid, Foto Madrid), en Buenos Aires (arteBA), en Shanghái (SH Contemporarary) y en Basilea ( The SoloProjec).

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en los Países Bajos tienen buena respuesta?

Yo creo que la reacción en los Países Bajos es positiva. La mentalidad holandesa determina una actitud muy previsora ante una crisis económica: el holandés ahorra dinero y limita todo gasto que considera superfluo o de lujo, como las vacaciones, comer en restaurantes, compra de nueva ropa, compra de arte, etc.  Las galerías en Holanda estamos buscando mercado fuera de Europa y participando menos en ferias nacionales y mas en internacionales.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual?  Si es así ,¿en qué sentido lo hace?

Sí, hemos cambiado algunas iniciativas y comenzado con otras.

¿En relación a los artistas que representa o quiere representar?

Estamos comenzando a representar a artistas jóvenes, emergentes holandeses y latinoamericanos.

¿En relación a una política de precios? 

El presentar a artistas jóvenes determina que sus precios sean más bajos y accesibles al público joven y a los coleccionistas y museos, quienes cuentan con menos fondos debido a la crisis económica.

¿En relación al público o coleccionista a los que se dirige? 

Estamos invirtiendo más en publicitar la galería y sus actividades, así como a enviar información para ser publicada en sitios de arte en la web y en cadenas de e-mail. Estamos haciendo publicidad en la prensa local holandesa. Usamos más intensamente el correo digital de la galería y estamos reorganizando nuestra página web, donde continuamente actualizamos la información de la galería y de cada artista.

 

Artistas en la feria

Robbie Cornelissen (Utrecht, 1954)

Robbie Cornelissen retrata una arquitectura compleja, retratos barrocos y representaciones casi abstractas. En todos los “géneros” que trabaja la pasión del artista es sorprendente: sin excepción, las representaciones son muy detalladas y dibujadas con gran intensidad. A menudo, los dibujos son de enormes dimensiones (hasta 240 x 380 cm). Debido a su gran tamaño y la cantidad de detalles sin precedentes que integra, el observador se sumerge en la imagen y luego es tomado por sorpresa con todo tipo de detalles extraños, dando a la imagen un significado nuevo e inesperado. Robbie Cornelissen siempre integra lo familiar y lo extraño con excelentes resultados.

Robbie Cornelissen, nacido en Utrecht en 1954, se matriculó en la Akademie Vrije en La Haya y, desde 1984, estudió en la Akademie Rietveld de Ámsterdam. Durante un período de mala salud en los últimos años 80, el artista apenas era capaz de trabajar. Vacilante, estudiaría el papel: las imágenes frágiles comenzaron a aparecer, las fantasías de un mundo interno, abriendo nuevas perspectivas que le sedujeron a hacer más. Desde su primera exposición en 1990 ha exhibido sus obras en las galerías, museos e instituciones más importantes de los Países Bajos. Desde 2001 es miembro del Comité de Arte de Utrecht.
 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Robbie Cornelissen. “The church”, 28.5×36 cm, Lápiz sobre papel, 2011. “The library (Venezia)” 28.5×36 cm, Lápiz sobre papel, 2011

 

Sophia Tabatdze (Tbilisi, Georgia 1977)

Nacida en Tbilisi, Georgia, en 1977, tiene también la nacionalidad holandesa. Indica Tabatdze: “Cuando quiero describir la nueva serie de obras que estoy haciendo, me vienen a la mente términos como “condición humana ” y “en construcción”. Quiero retratar la condición humana con el uso de la arquitectura. Aquí me refiero a “arquitectura” en su sentido más amplio: a la forma, la estructura y el movimiento del cuerpo humano, de los edificios y del paisaje, del medio ambiente “incorporado”, del cuerpo humano y su relación con ese entorno y de la ciudad como un organismo vivo con sus órdenes y trastornos”.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Sophia Tabatdze, “Untitled”. 33×36 cm. Ink and watercolor on paper, 2012

 Diego Bruno (Buenos Aires, Argentina, 1978)

Nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1978, estudió Historia del Arte de la Universidad de Buenos Aires, Argentina.

Indica Bruno:

“La base de mi trabajo es el comportamiento del individuo en el medio social.Estoy interesado en las estructuras del individuo crea y en las que se crean a su alrededor con el fin de establecer, controlar o llevar una relación de comunidad.

En este sentido, el uso de la palabra “estructura” no sólo concuerda con el conocimiento arquitectónico del término, sino también con una social, una política, legislativa o, en general, con la propia estructura del lenguaje como constructor de psíquico espacios desde los cuales podemos situarnos en el medio social e interactuar con él.

Considero que el deseo de construir un enunciado es también un deseo de relación con el medio ambiente.

La dinámica de mi trabajo incluyen la incorporación de elementos o situaciones que existen a priori, a través de algunos cambios en la forma en que trabaja o en su presentación, después construir el espacio psíquico / mental que se genera al dejar sin protección al individuo, enajenado o en completa soledad en su relación con las estructuras que aparentemente nos ponen juntos en algún lugar.

Los proyectos siempre reaccionan a eventos o situaciones concretas que se originan en la historia presente y las formas en que las ideas colectivas de estos acontecimientos o ideas adquieren.

Paralelamente a las instalaciones y proyectos, hay una continua actividad de taller en el que el uso de dibujos y escritos o de palabra “dibujado”.

Dibujo parece a mí como un proceso de toma de notas, el registro de acciones o “dibujo” de una idea, que forman un archivo de forma conflictiva que es el nombre de la experiencia del individuo en la sociedad”.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Diego Bruno, “A Collective Improvisation for Linked Rooms (Still)”. Video, color, sorround sound, single channel projection
10 min.04 seconds.Loop. 2011

 

GALERÍA MY NAME´S LOLITA ART. MADRID, ESPAÑA

Director: Ramón García Alcaraz

www.mynameslolita.com

 

La galería fue inaugurada en 1988 en la ciudad de Valencia. En 1996 abrió su espacio en Madrid. Desde sus inicios ha apostado por la difusión y representación de jovenes artistas españoles e internacionales vinculados al arte contemporáneo en todas sus disciplinas.

 

Entrevista con Ramón García Alcaraz

¿Su presencia en ferias extranjeras es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

Ha sido una política de la galería desde hace muchos años. Como lo demuestra nuestra asistencia a las ferias de Chicago, N.Y. Bruselas y Basel. En la actualidad esta política se está acentuando debido a la crisis de ventas que padece nuestro país.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

España siempre ha sido una buena cantera de artistas emergentes. La presencia de una empresa española para difundir sus trabajos en el extranjero creo que es fundamental para la promoción de estos artistas.

 ¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual? Si es así ,en qué sentido lo hace? ¿En relación a los artistas que representa o quiere representar? ¿En relación a una política de precios? ¿En relación al público o coleccionista a los que se dirige?

La galería no ha cambiado de estrategia en estos tiempos de crisis. Quizá ha potenciado más la exportación para paliar el déficit de ventas en nuestro país. My Name´s Lolita Art, desde su fundación en 1988, ha apostado por la promoción de jóvenes artistas españoles. Algunos de ellos entraron en la galería con 20 años, por lo que ahora tienen una posición muy consolidada dentro del grupo de artistas emergentes.

La política de precios de la galería siempre ha sido muy conservadora, en el sentido de que el incremento de los mismos está sujeto estrictamente al curriculum obtenido por el artista y nunca por la demanda comercial del mismo.

Nuestros coleccionistas, salvo excepciones, son jóvenes con profesiones liberales. Muchas veces coinciden con la edad de nuestros artistas representados. En la mayoría de los casos son personas que pertenecen a la misma generación y que comparten intereses estéticos y culturales.

 

Artistas en la feria

Gonzalo Sicre, Cádiz 1967

Es uno de los artistas referentes de lo que se denominó “nueva figuración española” en la década de los 90. En el año 2001 tuvo presencia en el Museo Reina Sofía, espacio 1, con una exposición individual titulada “Continental”.

Gonzalo Sicre. Fotografía cortesía de Galería My Name´s Lolita Art

 Jorge Hernández, Huelva, 1973

Está considerado como uno de los artistas con más proyección en España en estos momentos. Su obra, en soporte de madera y con terminación de resina incolora, aporta un cierto optimismo irónico mezclado con imágenes del cine americano de los años sesenta.

Jorge Hernández. Fotografía cortesía Galería My Name´s Lolita Art

 

Paco Pomet (PP)

Nacido en Granada en 1970, es quizá el artista español emergente más considerado fuera de nuestras fronteras. Su obra, de trazo firme y matérico, presenta una gran carga simbolista. Es el artista de My Name´s Lolita Art más conocido por el público americano. Está también representado en la feria Pulse de Miami por la galería Richard Heller de Santa Mónica.

Paco Pomet. Fotografía cortesía Galería My Name´s Lolita Art

 

Ciuco Gutiérrez

Nacido en Torrelavega en 1956, es el más veterano de todos los artistas representados por My Name´s Lolita Art en JUSTMAD MIA. Ciuco es uno de los fotógrafos más relevantes de la escena española de los últimos años. Su magisterio es impecable, siendo su aportación “pop” una de sus características más representativas. Quizá, su iconografía pueda conectar con la estética referente de Miami.

Ciuco Gutiérrez. Fotografía cortesía Galería My Name´s Lolita Art

 

GALERÍA N2. BARCELONA, ESPAÑA

www.n2galeria.com

 

N2 Galería abrió sus puertas en Enric Granados 61 de Barcelona el 6 de octubre de 2005, cuando la Galería Ignacio de Lassaletta se asoció con José Antonio Carulla para fundar N2. En líneas generales N2 exhibe artistas emergentes nacionales e internacionales y últimas tendencias; entendiendo el arte desde una perspectiva multidisciplinar que abarca pintura, escultura, collage, instalación, fotografía, video…

N2 Galería presenta anualmente 6 exposiciones en Barcelona, principalmente individuales. Desde el año 2008, ha comenzado a participar en ferias internacionales de frte, comisionando nuevos trabajos y apoyando a sus artistas en todo el mundo.

En 2009, ha ampliado sus instalaciones para abrir un nuevo punto de encuentro en el que poder hablar de arte. Un lugar de reunión que cuenta con mediateca, obra de los artistas más próximos a la línea de la galería, libros, catálogos y demás material de consulta.

 

Entrevista con José Antonio Carulla

¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

Sí es frecuente nuestra participación en ferias internacionales. El concepto de galería según se conocía hasta ahora ha cambiado, no podemos ser simplemente un espacio donde se muestra arte, la labor que ha de hacer una galería es mucho más amplia. La gestión cultural y crear sinergias son conceptos básicos para que un espacio como el nuestro crezca y se recicle.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

A nuestro entender el equipo de JUSTMAD y JUSTMAD MIA saben elegir a aquellos que ya cuentan con cierto posicionamiento sin salirse nunca del denominado arte emergente.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual?  Si es así, ¿en qué sentido lo hace? ¿En relación a los artistas que representa o quiere representar? ¿En relación a una política de precios? ¿En relación al público o coleccionista a los que se dirige ?

El público es el fin de nuestro trabajo. Los coleccionistas para los que trabajamos tienen un perfil muy concreto: son conocedores del arte a nivel mundial y buscan las obras que mejor encajen en sus colecciones.

 

Artistas en la feria

Liu Guangyn (Jinan, V.R. China, 1962)

Se dio a conocer internacionalmente cuando tuvo el encargo de realizar el vídeo de las Olimpiadas de Pekín en 2008 y cuando con su obra se inauguró el MoMA de Pekín. Su obra forma parte de importantes colecciones tanto públicas como privadas. En 1987 se licenció en la Central Academy of Fine Arts & Design de Pekín, China.

Vive y trabaja en Shanghái y Mainz (Alemania).

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Liu GuangynSin título. Serie “Plastic Surgery” (2010). Técnica mixta. 100 x 80 x 8 cm. Sin título. Serie “Plastic Surgery” (2012). Técnica mixta. 100 x 80 x 8 cm.

Miguel Ángel Iglesias (París, 1971)

Empleando un lenguaje plástico anexionado al arte pop y que se circunscribe a una pintura de carácter metafísico seducida por las ideas de De Chirico, Miguel Ángel Iglesias reflexiona sobre la relación entre el ser humano y el espacio habitado. Sus composiciones nos ofrecen paisajes urbanos reducidos a la más mínima expresión, sin la presencia humana, sin detalles ni elementos superfluos, y donde se erige con fuerza una arquitectura sintética de estructuras geométricas. No hay vida, sólo espacios para habitar, escenografías desmesuradas de urbanismo vertiginoso creadas por los humanos que contrarrestan con el aspecto grácil y divertido de unos colores intensos y vitales.

La obra de Miguel Ángel Iglesias ha dado varias veces la vuelta al mundo. Su trabajo nos habla del hombre y su entorno, situándolo en unas ciudades vacías, con edificios sin ventanas, donde la ausencia es la protagonista. Su trabajo forma parte de importantes colecciones privadas y públicas.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Miguel Ángel Iglesias. “Bajo el azul, los 100 edificios” (2012). Acrílico sobre tela. 100 x 73 cm. “Los 40 ocasos que viví en el encierro” (2012).
Acrílico sobre tela. 100 x 146 cm. (díptico)

Sixeart (San Andrés, Barcelona 1975)

Sixeart comenzó su carrera artística en el mundo del graffiti de Barcelona, en los años 80. A mediados de los 90 comenzó a experimentar con la escultura y la pintura hasta el 98, cuando sintió la necesidad de tener su propio estudio.
Su pintura es una poderosa composición de colores y formas geométricas. A veces se incorporan señales que conducen al espectador en su mundo imaginario inspirado en el paisaje urbano, la melancolía de la ciudad, la manipulación genética, el romanticismo para el mundo que queda atrás -en Sixeart las imágenes pierden en el paso del tiempo-.
Sixeart se dio a conocer mundialmente a partir de la intervención que realizó en la Tate Gallery de Londres. Sin renunciar a sus inicios en el graffiti, su obra se ha posicionado entre la de los más importantes artistas del denominado post-graffiti. Su obra se encuentra en importantes colecciones tanto públicas como privadas.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Sixteart. “Crisis numérica (1)”. 2012. Acrílico sobre tela. 100 x 100 cm. “Crisis numérica (2)”. 2012. Acrílico sobre tela.
100 x 100 cm.

GALERÍA NO-MÍNIMO. GUAYAQUIL, ECUADOR

www.no-minimo.com

 

El principal cometido de NoMínimo es dinamizar la escena, orientando su trabajo hacia la visibilización de artistas emergentes comprometidos con la renovación del campo artístico local. A través de la  proyección que brinda su plataforma expositiva busca, además, apoyar el desarrollo profesional de los artistas, así como gestionar su participación en residencias y otras actividades de intercambio fuera de Ecuador. NoMíNIMO también tiene como misión la formación de público de artes visuales por medio de cursos, talleres y eventos, con el fin de acercar a los espectadores a propuestas contemporáneas, fomentando además un coleccionismo informado que aporte al crecimiento de la escena. Así mismo gestiona, produce y brinda asesoría para proyectos culturales relacionados con el campo de las artes visuales.

La galería presentará en JUSTMAD MIA los artistas siguientes: Anthony Arrobo, Roberto Noboa y María José Argenzio.

Anthony Arrobo

Anthony Arrobo Vélez nació en Guayaquil, Ecuador, en 1988. Cursó sus estudios superiores de Licenciatura de Artes Visuales en el Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE). Ha participado en exposiciones colectivas como “The Use of Everything”, CoCA, Seattle, USA; “Artificios para Sobrevivir”, Centro Cultural Ccori Wassi, Lima, Perú; Afirmaciones en la forma, NoMínimo espacio cultural, Guayaquil; “Manos Arriba”, Museo de Arte Moderno, Cuenca. En 2011 su obra “Red Curtain” le mereció una Mención de Honor en la XI Bienal de Cuenca, mismo mérito que le fue otorgado por la obra “Tired Paintings” en la 51 edición del Salón de Julio, organizado por el Museo Municipal de Guayaquil.  En 2008 recibe media-beca de estudios en la III edición de la Beca dpm (dpm gallery). En Guayaquil en el 2010 realiza su primera exposición individual “Do not touch” en dpm gallery y en 2011 la segunda denominada “Liliput” en NoMínimo espacio cultural.

 

 Anthony Arrobo, “Gravity”. Cortesía del artista y NoMínimo.

 

RAYMALUZ ART GALLERY

Directora: Raymaluz González

www.raymaluzartgallery.com

 

Raymaluz Art gallery es un espacio que promueve y comercializa arte contemporáneo en sus diferentes lenguajes y medios de expresión. Se orienta, particularmente, hacia el arte producido a partir de la década de los años 80 del pasado siglo XX, manifestando un especial interés en el arte cubano y latinoamericano más reciente. Incluye, además, el trabajo de creadores emergentes, al tiempo que representa artistas con una sólida trayectoria.

Entrevista con Raymaluz González

¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

Toda galería tiene como política fundamental la participación en ferias internacionales ya sea dentro de España o en el extranjero. Dadas las condiciones actuales del mercado del arte en España, pasa a ser no solo una política de mercado sino mera cuestión de fundamental supervivencia.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

Es un paso fundamental de JUSTMAD MIA así como de las demás ferias que organiza el mismo colectivo. A mi juicio se está labrando un camino más que necesario en este país que todavía tiene mucho que recorrer en este aspecto. Pienso que la constancia y continuidad podrá dar buenos frutos. En España todavía existe el criterio generalizado de que el mercado del arte va solo ligado a las grandes fortunas. No es cierto. La mayoría de las galerías tienen rangos de precios al alcance de profesionales e incluso de estudiantes. Creo que se debería trabajar en una política de acercamiento a las galerías y en este sentido me parece que la labor de JUSTMAD MIA es absolutamente acertada.  Las ferias de arte emergente acercan al público joven, que puede constatar “in situ” que existen obras de arte de gran calidad de artistas aún desconocidos y que están al alcance de sus bolsillos. Existen multitud de obras de arte que son mucho más asequibles económicamente que iphones, ipads, una Playstation, etc  (por poner algún ejemplo), que a diferencia de estos no tienen caducidad ni obsolescencia, que provocan mayor placer y enriquecimiento espiritual y que encima se revalorizan económicamente con el tiempo.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual?  Si es así, ¿en qué sentido lo hace? ¿En relación a los artistas que representa o quiere representar? ¿En relación a una política de precios? ¿En relación al público o coleccionista a los que se dirige?

El proyecto de la galería sigue siendo, en esencia, exactamente el mismo desde su inauguración, con los pequeños cambios imprescindibles para adaptarse a los nuevos tiempos de cualquier proyecto sociocultural-empresarial como lo es una galería de arte. Continuamos con nuestra vocación iberoamericana, en especial hacia los artistas cubanos estén donde estén. Los precios con los que hemos trabajados son los justos en dependencia de la trayectoria del artista, su inserción en el mercado y la factura de la obra en sí misma. Nunca hemos inflado precios por lo que no nos hemos visto en la necesidad de ajustarlos con respecto a la crisis. Tenemos coleccionistas fieles desde el principio, otros que vienen y van pero seguimos trabajando para atraer a la mayor cantidad posible sobre todo a esos que se inician en el coleccionismo y que vean en nuestra galería un lugar donde encontrar buen arte y excelentes artistas.

Artistas en la feria

Alejandro Campins (1981, Manzanillo, Cuba)

El artista cubano Alejandro Campins ha desarrollado su obra desde la tradición pictórica. Sorprende su dominio de grandes formatos y el tratamiento de escenas imbuidas de un profundo absurdo aparentemente contradictorio, incluso en sus soluciones de un cuadro a otro. Sin embargo, se advierte toda una unidad que nace del proceso creador. Campins recrea únicamente el espacio de la mente en sus conexiones con lo real. Estas conexiones nacen del procedimiento o efecto de entender el mundo como imagen. Se trata de una predisposición gnoseológica, y más que ello poética, donde si bien el artista no llega a un estado puro de lo pictórico, al menos sí a un estado puro de disponibilidad para la creación, un estado que es mediado por lo real solo en la medida en que éste llega a formar parte del proceso, en un automatismo que nace de la inmediata contaminación entre sonidos, frases, olores e imágenes traducidas al lienzo. Es este sentido el que desarrollan también sus dibujos de pequeño formato, cuya aparente informalidad pareciera también negar su homólogo en la pintura.

Todo cuanto ocurre en Campins pareciera ir contra el sentido real del tiempo o el devenir, es decir de su propio y consubstancial devenir en el tiempo, negándose cada vez a ser diferente o igual lo mismo da. Campins afirma que “cada cuadro que pinto devela una historia que yo no sabía que me pertenece”.

Para la feria JUSTMAD MIA presentará su obra “Green eyes”.

 

“Green eyes”

Alejandro Campins, “Green eyes” (2008). Medidas: 150X120 cm. Técnica: Oleo/ lienzo. Cortesía de Raymaluz Art Gallery.

 

Niels Jenry Reyes Cadalso  (1977, Santa Clara)

La pintura es un punto de encuentro, un acto, una acción, un suceso, un espacio físico y sensorial que logra condensar por la fuerza de su imantación muchas de las complejidades y problemáticas del hombre, la cultura y su propia historia. Al mismo tiempo, es una tautología, un ensimismamiento, un volcarse una y otra vez hacia los mismos problemas que plantea su propia indefinición. Y el misterio de su irresolución hace que se encuentre en perpetuo estado, enunciado e idea, lo que valoriza su actualidad. En pintura nada es excluyente, todo lo que llega se queda, no hay progreso, solo olvido. Por eso, una de sus más significativas cualidades es su capacidad de restitución.

Esa capacidad de restitución es credo de mi obra. La realidad, la historia del arte como lugar de saqueo, el reciclaje, la cita, el fragmento, el intertexto, la materia, el gesto, el accidente, los gustos, las sensaciones y hasta los estados de ánimo son la materia con la que intento atraparlo.

Alejandro Pérez Falconi (1976, México)

Nacido en México en 1976, cursó la Licenciatura en Artes Plásticas en el Instituto Superior de Arte de La Habana, Cuba (2008). Actualmente cursa una Maestría en Artes y es profesor de la U.N.A.C.A.R, Universidad autónoma del Carmen. Ciudad del Carmen, Campeche; México. Su obra se ha mostrado en las siguientes exposiciones personales: “La religión sensible”.FAVCA. Casa del Arte, Campeche, Campeche, México (2010); “Circunstancias reconstruidas”. Ciudad del Carmen Campeche, México. Liceo Carmelita (2008)
“Ulises”. La Habana, Cuba. Instituto Superior de Arte (2007); “Sin sentido del humor”. La Habana, Cuba. Galería de la Cultura de Plaza (2005); “Memorias del ISA”. La Habana, Cuba. Instituto Superior de Arte (2004); y “El teatro del Flautista”. Cd. Del Carmen, Campeche, México (1999).

 

Alejandro Pérez Falconi, “Marat asesinado”, 2009 Inkjet Print, 91 x 86cm. Cortesía de Raymaluz Art Gallery.

REVUE NOIRE. PARÍS FRANCIA 

Más que galería es una editora de revistas de arte que hace alguna que otra exposición. Sus artistas representados en JUSTMAD MIA son: Joel AndrianomearisoaAlain Polo.

 

Joel Andrianomearisoa

Si fuera necesario buscar líneas en común en el trabajo de este artista, el tiempo y el cuerpo serían son vectores poéticos: “ Lo único que me interesa es trabajar con el tiempo. Y lo que más temo es no estar nunca a tiempo, no estar actualizado. Mi manera de responder a este desafío es ir permanentemente a contracorriente”, dice el artista.

El trabajo de Andrianomearisoa sorprende porque se construye a sí mismo, contra el fluir del tiempo, en movimiento, una ida y venida entre la afirmación y la negación. Construir o deconstruir, vestir o desvestir, llenar o vaciar, arrugar o doblar, encender o apagar, el artista se sitúa entre estas fuerzas opuestas que, según su criterio, combinan más que entrar en conflicto. En estas conexiones paradójicas, su trabajo ofrece infinidad de proposiciones.

Joel Andrianomearisoa nació en Antananarivo, Madagascar en 1977. Vive y trabaja entre Antananarivo y París.

 Joel Andrianomearisoa, “Untitled”. Cortesía del autor.

 

Alain Polo

Nació en el año 1985 en Kinshasa,Congo. Vive y trabaja en Kinshasa.

Alain Polo es un joven artista graduado en la Academie des Beaux-Arts de Kinshasa en el 2006. Formó un grupo llamado SADI (Solidarity artists for Integral Development) con Trésor Mukonkole, Yves Sambu, Kruchna Mongovo-Masangila y Fransix Tenda. El trabajo del grupo se centra en performances colectivas en áreas populares de Kinshasa y de la “villa de la erosión” del Monte Gafula donde las casas se derrumban cada vez que ocurren fuertes lluvias. Pintan con trozos de paredes insuladas y en casas que están a punto de colapsar. Fotografías, performances y vídeos son los medios principales que utiliza Alain Polo, sin dejar de divertirse un poco con la moda.

 

GALERÍA ROLF ART. BUENOS AIRES, ARGENTINA

Directora: Florencia Giordana Braun

www.rolfart.com.ar

 

Indica la directora, Florencia Giordana Braun:

“Fundada en 1990, dirigimos la carrera de un selecto grupo de artistas contemporáneos argentinos y gestionamos su posicionamiento a nivel nacional e internacional. Sostenemos la producción y promoción de sus obras, proyectos y ediciones tanto editoriales como audiovisuales. Trabajamos en conjunto con artistas que exploran la fotografía, la instalación, el video y los nuevos medios.

Estamos enfocados en obras que tienen un alto compromiso estético y conceptual, que permitan segundas lecturas. La selección de los artistas atiende tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales utilizadas, buscando en sus obras una tensión en donde la articulación estética ahonde en una densidad conceptual. Estamos comprometidos con un grupo de artistas consagrados y acompañamos a artistas emergentes en el desarrollo de su obra y su posicionamiento en el medio artístico.  Nuestro objetivo es generar contenido, gestionando espacios que contengan la obra de nuestros artistas en el mundo, promocionar sostenidamente su obra a nivel internacional. Buscamos llevar al centro la periferia, elevando la obra artística del interior de Latinoamérica”.

 

Fotografía de Graciela Sacco. Cortesía de la galería Rolf Art.

Artistas de la galeria: Gabriel Valansi, Graciela Sacco, Nicola Costantino, Ananké Asseff, Marcelo Brodsky, Jacques Bedel, Res, Lucio Dorr, Lucias Di Pascuale, Marcos Acosta, Livio Giordano, Vivian Galban, Lautaro Bianchi.

 

GALERÍA SABRINA AMRANI. ESPAÑA, MADRID

Directora: Sabrina Amrani

www.sabrinaamrani.com

La impulsora de este nuevo espacio de arte contemporáneo en Madrid es Sabrina Amrani. Francesa de origen argelino, esta socióloga de formación, plantea un proyecto galerístico marcado por una palabra: el diálogo, ver y escuchar al otro. Por eso, el signo distintivo de la galería Sabrina Amrani serán las propuestas que inviten a la reflexión sobre el propio individuo, la sociedad o el espacio. “Reflexiones políticas o sociales, siempre individuales: las del propio artista”, explica Amrani.

La galería colabora con miradas como las de Younes Baba-Ali (Marruecos), Elvire Bonduelle (Francia), Zoulikha Bouabdellah (Argelia), Waqas Khan (Pakistán), Nicène Kossentini (Túnez) y UBIK (India). Confluyen en este espacio artistas consagrados y emergentes de múltiples nacionalidades, porque como dice la galerista “ni el arte, ni mucho menos el diálogo, tienen fronteras”. Con todo, Amrani admite que el proyecto presta especial atención a las nuevas voces que están surgiendo en el panorama artístico del Norte de África y de Oriente Medio.

La galería participa en ferias de arte internacionales como Top25, en Casablanca, y JustMad3, en Madrid y Beirut Art Fair 2012, en julio. En los próximos meses, también participará en Traits d’union (Art Absolument), una exposición colectiva que viajará de París a Amman, Abu Dhabi y Marrakech; así como en Festival Miradas de Mujeres, que se desarrollará durante el mes de marzo, en el que colaboran más de 60 instituciones públicas y privadas de Madrid, como el Museo Thyssen-Bornemisza o el Museo Reina Sofía.

La galería Sabrina Amrani presentará en JUSTMAD MIA la obra de Zoulikha Bouabdellah ,Waqas Khan y UBIK.

 

Entrevista con Sabrina Amrani

 ¿Su presencia en ferias en el extranjero es política usual de la galería o es una reacción al mercado actual del arte en España?

Por su propia naturaleza y vocación internacional, nuestra galería participa regularmente en ferias en el extranjero desde su concepción, independientemente de la situación del mercado del arte en España. En el último año hemos participado en ferias en Casablanca (Marruecos), Beirut (Líbano) además de Madrid (España) y con nuestra participación en JUSTMAD MIA en Diciembre completamos un año en el que hemos asistido a ferias en cuatro continentes distintos.

JUSTMAD MIA ha dado un paso necesario para “crear mercado” con los artistas emergentes. ¿Cree que en España tienen buena respuesta?

En la situación actual del mercado del arte en España es el momento de los artistas emergentes. En España los artistas emergentes son apoyados por un coleccionismo emergente que hemos detectado en generaciones más jóvenes. Sin embargo, en el extranjero, notamos un apoyo mucho más amplio. Hoy por hoy hay que trabajar de manera global.

¿Su proyecto de galería ha tenido que cambiar o variar para responder a la situación actual? Si es así, ¿en qué sentido lo hace?

Nuestra galería se lanzó en 2011, en plena crisis económica y financiera, por lo que desde un principio hemos trabajado teniendo en cuenta la situación actual del mercado del arte en España y contando con un mercado internacional. Mantenemos nuestra política de precios y representamos a los artistas que más nos interesan. Quizás por esto nuestro público y coleccionistas nos han sido siempre muy fieles. En nuestro caso, no ha habido que realizar cambios necesarios ya que desde nuestros inicios la situación ya era similar a la actual.

Artistas en la feria

Zoulikha Bouabdellah (Moscú, 1977)

Zoulikha Bouabdellah es una artista franco-argelina que vive y tabaja en Casablanca, Marruecos. Nacida en Moscú.                  Zoulikha  es la hija de Hassen Bouabdellah, director de cine y escritor argelino y Malika Dorbani, ex-jefe del Museo de Arte Argel. Después de su nacimiento en Moscú en 1977, se crió en la capital de Argelia hasta la edad de 16 años. En 1993, cuando la guerra civil estaba en marcha, su familia decidió abandonar Argelia y establecerse en Francia. Desde su graduación en la Escuela Nacional Superior de Artes de Cergy-Pontoise en 2002, Zoulikha Bouabdellah ha sido un actor en el mundo del Arte Contemporáneo.

Sus obras juegan con la dualidad cultural y desequilibrios, así como la fusión cultural y la capacidad de trascender las fronteras. Zoulikha  ha ganado varios premios: Le Meurice for Contemporary Art Prize (París, Francia), Premio Abraaj Capital (Dubai, Emiratos Árabes Unidos), Algerian Prize for Young Algerian Creation y Villa Médicis Hors les Murs (AFAA – Cape Town, South Africa).

Su obra ha sido expuesta en todo el mundo en ferias e instituciones como Venice Biennial, Art Dubai, FIAC, Art Brussels, Aichi Triennial, Bamako Biennial, Mead Art Museum, Centre Pompidou, MoCADA, Brooklyn Museum,entre otras.También ha hecho varias residencias, recientemente en la Escuela de Arte de Palestina en Ramallah, y también en el Amherst College en Massachusetts y en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.

Indica Zoulikha Bouabdellah:

“Hoy en día, todo el mundo quiere ser capaz de ver todo, predicando transparencia en la adoración, para que cada uno tenga el poder de ser capaz de satisfacer su necesidad de observar y supervisar. En estas condiciones, el artista tiene que resistir la voluntad de control y clasificación. Debe arreglárselas para desviarse de esta línea impuesta y seguir una desviación que él / ella ha querido. ¿No es el artista que inspira a ver las cosas de otra manera? En este mundo donde las imágenes están por todos lados, produce una serie de obras teniendo en cuenta los elementos que ocultan más de lo que muestran. Es el sentido más profundo de su trabajo, que pretende convencernos de que las cosas no se dan a verse tal como debe ser, que se evaden y escapan de una única lectura.

En otras palabras, invitan a transgredir los límites. Mi enfoque consiste en empujar las fronteras hacia adelante, para crear interacciones entre ellas. Mis inquietudes artísticas y conceptuales me llevan a mezclar en mi trabajo varios conceptos al mismo tiempo. Además del concepto, evito cumplir con un único método de realización formal. Las cosas deben hacerse y rehacerse a gusto a los contextos sociales y culturales, de acuerdo con el tiempo y el espacio.

En cuanto a mis orígenes árabes y musulmanes, y el hecho de ser mujer, no puedo disociar mi trabajo de la cuestión del feminismo y de pertenencia cultural. Yo pretendo ser un (segundo sexo), un sexo libre pensador. El que sabe cómo reclamar y desafiar los códigos y las normas de su tiempo y que está en constante equilibrio entre ser dominante y ser dominado, creando así una perpetua fuente de nuevos significados.”

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

“Mirage I”, 2011. Acero lacado, 1,93×1,93 cm. Ed. 2/3. Cortesía de la artista y Galería Sabrina Amrani

 

Waqas khan (Akhtarabad, Pakistán, 1982)

Waqas Khan es un artista pakistaní, que vive y trabaja en Lahore, Pakistán. Nacido en Akhtarabad, Pakistán. Realizó su educación primaria en su pueblo natal, en contacto con la naturaleza. En un inicio, su familia no advirtió sus aptitudes artísticas y su manera de pensar, que era distinta de los demás. Siendo extremadamente sensible a la naturaleza y al bello universo en el que vivimos, pronto descubrió que el arte podría ser un medio de expresión para sus ideas y pensamientos.

Su madre jugó un papel instrumental y conductivo en el crecimiento de su educación artística. En 2003, su sueño empezó a convertirse en realidad, cuando partió a Lahore donde fue admitido en la prestigiosa escuela de arte National College of Arts. Tras graduarse en Bellas Artes ha estado exponiendo su trabajo en galerías de arte internacionales.

Su trabajo ha sido mostrado en ferias de arte internacionales como Art Dubai y India Art Fair, y en diferentes eventos en Bombai (Mumbai Gallery Weekend), Tokio (Indian art for Tokio), Karachi y Lahore (con muestras individuales y colectivas). Algunos de sus trabajos han sido recientemente adquiridos por prestigiosas instituciones como el Kiran Nadar Museum of Art y la Devi Foundation, ambas en Nueva- Delhi, India.

Las obras de Waqas son meticulosas superficies realizadas con un único instrumento intencionadamente realizadas para que el ojo del espectador baile infinitamente sobre ellas, de la misma manera que nos sentamos en silencio a observar el mundo a nuestro alrededor, escudriñamos un cielo repleto de estrellas o nos sumergimos en el vasto infinito del océano. El propósito final de su trabajo es dar al espectador la oportunidad de disfrutar la belleza de la infinitud visual, el potencial de una concienciación filosófica, y los efecto ópticos producidos en su retina, que dependen del ojo del espectador.

Para poder dibujar a mano los trazos en miniatura que conforman sus piezas, Waqas necesita mantener su respiración mientras dibuja, y exhalar después de que la tinta quede sobre el papel, sosteniendo este momento para celebrar el puro y sagrado silencio. Este proceso repetitivo adormecedor de la mente, ejecutado una y otra vez durante largas horas de trabajo sin descanso, conduce al artista a un estado de trance onírico que le permite conseguir obras que evolucionan de simples puntos a estructuras orgánicas, patrones, espacio contenido, volumen y composiciones tipo mandala fantásticamente refinadas, con una simplicidad engañosa. Las obras no parecen las mismas desde diferentes distancias, esta ambigüedad es propuesta por el artista como patio de recreo de la mente.

Sus obras no son meros dibujos sino que están construidos a partir de ideas y conceptos obtenidos de la idiosincrasia hindú, sufí y musulmana. La fascinación del artista, su interés en capturar un sentido narrativo, yace más sobre el potencial de adónde una historia inacabada puede ir a parar. Waqas sólo utiliza tinta permanente, papel wasli y rotrings como medio para conseguir sus trabajos únicos y delicados. No usa lupas ni ningún otro tipo de lente amplificadora para dibujar sus piezas y suele trabajar durante la noche.


Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

“Dance in Retina I”, 2012. Tinta de archivo blanca sobre papel wasli negro, 85×105 cm. Única.
Cortesía del artista y Galería Sabrina Amrani

 

UBIK (b. India,  1985)

UBIK es un artista indio que vive y trabajo en Dubai, UAE. Su trabajo experimenta con una amplia variedad de medios, sin enmarcarse en un género específico. El núcleo de trabajo de UBIK trata de la ideología relativa del caos, reproduciendo lo absurdo del orden mundial y comenta sobre los artificiosos terrenos de juego de los clichés humanos, de una manera sarcástica y realista.

UBIK elabora su trabajo de manera conceptual. No en la forma de tecnicismos, sino más bien sus posibilidades de reacción. El proceso de la obra es de impulsar y provocar al espectador a reflexionar. El espectador no es un agente aislado, sino más bien una parte integral de la producción artística a través de su reacción a la obra. En la actualidad, UBIK está fuertemente influenciado por el cine, la literatura beatnik y gonzo, la música, el arte callejero, el anarquismo y el pensamiento existencialista. Sus trabajos más antiguos incluyen dibujos y pinturas, mientras que su trabajo más reciente se ha movido en una dirección más conceptual, con un fuerte enfoque en el texto.

UBIK está presente en grandes colecciones públicas de arte contemporáneo internacional como la Samawi Collection y The Farook Collection, así como en múltiples colecciones privadas, en especial de galeristas y profesionales del arte de los países del Golfo.
 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

“Rant#3”, 2012. Madera con grabado láser, 50×35 cm. Ed. 2/3. Cortesía del artista y Galería Sabrina Amrani

 

GALERÍA TRAMA. BARCELONA, ESPAÑA

Directora: Laura Soriano Conte

Web: www.galeriatrama.com

 

Galería Trama, creada en 1991, se dedica a la promoción del arte contemporáneo y se define por reunir diferentes estilos e ideas. Expone un grupo estable de artistas de sólida trayectoria, trabajando asimismo con artistas emergentes de diversas procedencias nacionales e internacionales. Trama ha visto reconocida su labor y actualmente ocupa un lugar consolidado en el mundo del arte. Organiza regularmente exposiciones en colaboración con galerías españolas y del extranjero, así como con instituciones, museos y participa en ferias internacionales. Trama es miembro de l’Associació de Galeries d’Art Contemporani ART BARCELONA (ABE) desde su fundación y del Consorcio de Galerías españolas de arte contemporáneo (CG).

 

Artistas en la feria

PSJM (2003)

PSJM es un equipo artístico formado en 2003 por Pablo San José (Mieres, 1969) y Cynthia Viera (Las Palmas, 1973) que opera desde Berlín. PSJM se comporta como una marca comercial de arte último que plantea cuestiones acerca de la obra de arte ante el mercado, la comunicación con el consumidor o la función como cualidad artística, haciendo uso de los recursos comunicativos del capitalismo espectacular para poner de relevancia las paradojas que producen su caótico desarrollo. PSJM presenta en JUSTMAD 3 de Madrid, la obra censurada “Proyecto Asia” que nace como una propuesta para el espacio público, concretamente se colocó en la Plaza Mayor de Gijón, de donde fue retirada bajo las presiones de la marca Adidas. En la línea de trabajos que desarrolla PSJM, el equipo-marca pone el punto de mira en el universo contemporáneo de las marcas como creadoras de valores simbólicos, identidades abstractas que conforman la propia identidad del individuo. La grandes marcas multinacionales, verdaderos símbolos de la democracia capitalista y nacidas en países libres, apoyan su carrera hacia el máximo beneficio en la explotación del los trabajadores asiáticos. Para estas grandes corporaciones situar sus fábricas en países donde las condiciones sindicales del trabajador se ignoran o incluso ellas mismas prohíben por medio de amenazas, no significan ninguna contradicción con los mensajes que luego emiten para forjar sus valores de marca, siempre vinculados a la libertad individual y el espíritu de superación. “Proyecto Asia” presenta en cajas luminosas cuarto de estas marcas bajo un mismo slogan, “MADE BY SLAVES FOR FREE PEOPLE” (Hecho por esclavos para gente libre), ironizando sobre los valores que realmente representan.

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

PSJM, “Proyecto Asia (ADIDAS)”, 2006 (2/3). Metacrilato, aluminio, fluorescente, cable I vini. 45 CM. ø

 

Julio Vaquero (Barcelona 1958)

Julio Vaquero presenta en la Feria de Arte Contemporáneo JUSTMIA  de Miami, una excelente muestra de su último trabajo titulado “El Final de las Apariencias”, realizado durante los últimos cinco años. La exposición acoge una serie de estampas digitales que proceden de sus dibujos realizados en lápiz graso y aguada sobre papel vegetal, de medio y gran formato, en las que se aprecia la destreza y calidad artística de este pintor. Sus trabajos están basados en el estudio del natural y la preocupación por la contemplación de la forma, detenidos a medio camino entre los dibujos de taller y los dibujos finales, están resueltos con cierta ligereza, también en las partes aparentemente más acabadas para incidir en esta idea. También aparecen objetos virtuales en sus dibujos, alterando la jerarquía de la composición y creando una realidad óptica de una cierta ambigüedad entre el espacio plano y el tridimensional. Los objetos reales que antes eran el modelo de sus obras, han dado paso a la creación de una instalación de esculturas que ha realizado el artista, como la que presentamos, titulada “Maquina de alquitrán”, realizada con pintura seca, resina, fibra de vidrio y alquitrán.

 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Julio Vaquero, “Armario oscuro”, 2011. Lápiz graso y aguada sobre papel vegetal. 110 x 144 cm

 

Javier Vázquez (Albacete, 1984)

Javier Vázquez  presenta en la Feria de Arte Contemporáneo JUSTMIA de Miami la serie de pinturas englobadas bajo el título: “Cool It Now”. La obra del artista trata sobre la trivialización de la vida actual y su divulgación a través de los mass media. El telón de fondo de las obras es la vida que se desarrolla en torno a las piscinas y las playas. El hilo conductor de estas obras son canciones rap de grupos famosos. Las pinturas ilustran fragmentos con un estilo realista, que parte de la fotografía para dotar de veracidad el mundo de las bandas que retrata y documentar la simbología que les es propia. Las frases que dan título a las obras se integran mediante un vinilo sobrepuesto, que muestra las inscripciones como suspendidas en el aire. Son una alusión a la influencia intangible de la música, los videoclips, el cine y los videojuegos. Estos medios han convertido una forma de identidad marginal y su expresión en un modelo de comportamiento exportable y comercial.

 

Galería en JustMad Mia,  reportaje especial del JustMad Mia, festival de arte en Miami, JustMad Mia.

Javier Vázquez, “Scream (Grita)”. Mixta sobre madera y vinilo transparente. 90 x 150 cm