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MY FIRST JUST

Espacio dedicado a galerías  y espacios de emprendedores que se presentan por primera vez en JUSTMAD4 2013. 

Las galerías participantes son:

Galería Aural (Alicante), Cis Art Lodgers (Barcelona), Conquering Rooftops (Madrid), Dosmilvacas.arte (Ponferrada), Espai Tactel (Valencia), Estudio 33 (Valencia), Iam Gallery Madrid (Madrid), Kubikgallery (Oporto, Portugal), PANAL Galería (Buenos Aires, Argentina), Say Hi! (Amberes, Bélgica) y Studio Guerrero (Madrid).

 

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GALERÍA AURAL. ALICANTE, ESPAÑA.

Directora: Begoña Martínez Deltell

auralgaleria.com

 

Artista en la feria

Juan José Martín Andrés (Soria, 1978)

Centra su trabajo artístico en la experimentación del dibujo, tanto en su práctica tradicional como en procesos digitales o de instalación e intervención en el espacio. Este surge tras una selección de imágenes preexistentes: portadas de libros, cómics, revistas, titulares de periódicos o carteles de contenido político; para descontextualizarlas posteriormente y presentar una pieza que, fiel a la original, propone una lectura que cuestiona los elementos de la construcción gráfica e ideológica de la misma.

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Juan José Martín Andrés. Imagen cortesía de Galería Aural.

Galería Aural ha seleccionado varios dibujos y composiciones de las series “Covers, Headers and Advertisements” (2010) y “Huracán laissez faire” (2012), en los que el artista ha trabajado sobre imágenes que hacen referencia a cuestiones políticas y económicas acontecidas a nivel global en los últimos años .

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Juan José Martín Andrés, de la serie “Huracán laissez faire”,2012. Imagen cortesía de Galería Aural.

Exposición individual de “Fiasco” en la Galería Aural

“Fiasco (Covers, Headers and Advertisements)” recoge el trabajo realizado por Juan José Martín Andrés en los dos últimos años. Este se centra en la apropiación y copia mimética de titulares de periódicos, portadas de cómics, libros, revistas, anuncios y elementos gráficos de comunicación impresa que tienen como nexo enunciados en torno a temas de contenido político y bélico.

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Juan José Martín Andrés. Imagen cortesía de Galería Aural.

La exposición se divide en dos partes: en la planta principal se encuentra la serie “Fiasco”, formada por una intervención mural y varios dibujos a lápiz, copias, casi réplicas a mayor escala, de los títulos de libros, ensayos y publicaciones en torno al contexto internacional de la primera década del siglo XXI. Esta alteración de escala en el enunciado, acompañada de la omisión de cualquier referencia al medio del que proviene, provoca en el espectador un cambio en la manera de recibir, percibir y conceptualizar el mensaje, eliminando de modo natural la carga de reflexión propia del canal gráfico del que proviene originariamente.

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Juan José Martín Andrés. “Fiasco”. Intervención en la galería. Vinilo adhesivo y dibujo a lápiz. 220 x 450 cm. 2010. Imagen cortesía de Galería Aural.

En la planta inferior de la galería, la serie “Ruler of Darkness” muestra portadas de cómics y libros norteamericanos de los años 60 y 70, en los que se hace un claro alegato al anticomunismo y a la guerra fría por parte del estado y grupos de poder, dirigidos a ciertos sectores de población.

Las dos series reflexionan acerca de la cantidad de información, mensajes y gráficos producida por la sociedad actual, de su rápida caducidad en un breve espacio de tiempo, como fórmula generada para cambiar de traje al mismo discurso y sus intenciones, así como las consecuencias que estos pueden generar en el futuro colectivo.

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Juan José Martín Andrés. Exposición “Fiasco (Headers, Covers & Advertisements”, 2010. Imagen cortesía Galería Aural.

Últimas exposiciones de Juan José Martín Andrés: “El miedo es el mensaje” en Espacio Trapézio

“El miedo es el mensaje” es un proyecto de Juan José Martín Andrés, comisariado por Alba Braza Boïls y producido por la Fundació General de la Universitat de València que se presentó por primera vez en el Centre Cultural La Nau del 13 de julio al 16 de septiembre de 2012 y por segunda vez en Espacio Trapézio (Madrid) del 11 de septiembre al 7 de octubre de 2012.

“El miedo es el mensaje” es el resultado de un proceso de investigación, documentación y reflexión que se materializa mediante una intervención “site-specific” con vinilo, el programa “Exposición más allá de un muro”, basado en cuatro encuentros entre artista, comisaria y público que se complementan con la proyección de una película en cada uno de ellos; mediante una publicación y mediante la presente web.

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Exposición “El miedo es el mensaje”. Cortesía de Galería Aural.

En la primera ocasión la intervención se realizó con vinilo sobre el muro que envuelve la planta baja del Claustro del Centre Cultural La Nau y en la segunda fue sobre la cristalera interior y exterior de Espacio Trapézio, pudiéndose ver desde el mismo interior del Mercado de San Antón. Para cada una de las dos ocasiones se produjo una publicación en la que se incluyeron el número de titulares seleccionados en cada lugar.

La instalación “El miedo es el mensaje” reúne más de un centenar de titulares de prensa que informaron sobre procesos clave en diferentes crisis económicas sucedidas en varios países durante los últimos veinte años:

1992-1993: España
1994-1995: México
2001: Argentina
2008: Actual crisis económica mundial

Los titulares han sido seleccionados siguiendo criterios subjetivos establecidos por el mismo artista y se han escogido a partir de prensa consultada en hemerotecas y archivos públicos y privados. Las fuentes de las que se han extraído son “ABC”, “Levante EMV”, “El Mundo”, “El País”, “Público”, “El Temps” y “La Vanguardia”, para la crisis española; “Expansión”, “El Financiero”, “La Jornada”, “Proceso” y “Reforma” para la crisis mexicana; “Ámbito Financiero”, “Clarín”, “El Cronista”, “El Día”, “Diario Popular”, “El Diario de la Región”, “Página/12” y “La Prensa” para la argentina.

Si bien en la instalación los titulares se han presentado siguiendo un orden aleatorio que puede llevar al público, cuyo tiempo le apremia, a considerar que pertenecen al mismo tiempo y al mismo espacio; aquí no sólo se recoge a modo de testigo perecedero cómo fue la instalación, sino que además se incluyen de nuevo ordenados cronológicamente y acompañados de la referencia bibliográfica de donde se han sacado.

“El miedo es el mensaje” aúna la trayectoria de Martín Andrés con dos influencias decisivas; la teoría del filósofo canadiense Herbert Marshall McLuhan, cuyas hipótesis acerca del poder de los medios de comunicación partían del reconocimiento de su potencialidad para modificar el curso y el funcionamiento de las relaciones y las actividades humana, conocido por su célebre frase “el medio es el mensaje”. Por otra parte, hace también referencia a “…en tiempos de crisis”, obra de Rogelio López Cuenca y Antoni Muntadas presentada en el año 2009 en art.es en el ámbito de ARCO. En ella se reunían diferentes titulares de medios españoles en los que aparecía la palabra crisis completa pero sin referirse a una concreta.

Partiendo de estas premisas, Martín Andrés da un giro más, jugando con las palabras y alejándose de ambos puntos de vista para facilitar una visión más global, fundamentada en la experiencia vivida de períodos de crisis ya superados y así, ahora puestos en paralelo, se puedan identificar las diversas herramientas empleadas para contener mediante la información la opinión y reacción de los ciudadanos.

Más informaciónhttp://elmiedoeselmensaje.juanjosemartin.com/

Juan José Martín Andrés

Martín Andrés es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, 2001. Fundador y coordinador de actividades de la asociación Otro Espacio de Valencia y actual secretario y tesorero de AVVAC, Asoc. d’Artistes Visuals de València Alacant i Castelló.

Entre sus individuales destacan: “Fiasco” en la Galería Aural (2010), “El miedo es el mensaje” en Espacio Trapézio en Madrid y Centre Cultural La Nau de Valencia, comisariada por Alba Braza (2012), “7.000.000.000 Sistema Fallido” (junto con Oliver Ressler & Zanny Begg), comisariada por David Arlandis i Javier Marroquí en Nymlab, Valencia (2012), “Iraq Slides, Ruler of Darkness” en el Espai D’art La Llotgeta de Valencia, “Laissez Faire” en CCCE L’Escorxador en Elche (2009), “Mandala Bélico” en Magatzems Wall&Video en Valencia y “Conspirancy” en Centro 14 de Alicante.

Expone colectivamente en las galerías como Aural, Trayecto, Ángeles Baños, Paz y Comedias. Podemos destacar entre sus colectivas en instituciones y certámenes “Officina Giovani Cantieri Culturali Ex Macelli”, Prato en Italia; “Instituto Juan Gil-Albert”, Alicante; “X Premio de Pintura Gestores Administrativos” de Valencia; “Jóvenes Artistas de Castilla y León”, 2007, CAB de Burgos; “Geografías del Desorden”, Museo de Historia de Zaragoza; “Premio Senyera 2008”, “Periferies’07”, Hotel Chamarel, Denia; “Muestra de arte INJUVE”, 2005, Sala Amadis, Madrid; “Expo Arte Digital”, Instituto Politécnico Nacional en México DF; “Premio Arte Contemporáneo WTC Art Fest 06”, World Trade Center, México DF; “Entre más chico mejor”, Salón des Aztecas en México DF; “Geografías del Desorden” Universidad de Valencia; “Centro de Arte Juan Ismael”, Fuerteventura; “Certamen de Arte Joven de la Junta de Castilla y León”.

Las ferias en las que ha participado en solo: “Project Headers and Advertisements” en ARTESANTANDER, 2012; y colectivamente en FOROSUR’11 Cáceres y Art.Valencia 2006, 2007,2009 con Galería Aural.  Le han concedido las becas CAM de Artes Plásticas; Beca Estancias de Creación Artística de la Secretaría de Relaciones Exteriores del Gobierno de México, México DF; Ayudas en el campo de las artes, Junta de Castilla y León; Beca Promoe, alumno invitado por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP-UNAM, México DF.

Su obra está representada en las colecciones CAB Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos, ayuntamientos de Alicante, Mislata, Sagunto, Soria y Pamplona, Diputación Provincial de Alicante, Dep. Dibujo Universidad Politécnica de Valencia, ENAP-UNAM (México DF), Instituto Politécnico Nacional (México DF), Colección CARSA arte digital, Colección Valdearte, Colección Fondo de Arte Universidad Politécnica de Valencia, Colección DKV.

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CIS ART LODGERS. BARCELONA, ESPAÑA.

Directoras: Carmina Gaudes y Silvia González Ehlers

www.cisArtLodgers.com

 

Cis Art Lodgers representa una de las modalidades de las galerías del futuro. Es una galería nómada de Barcelona, especializada en utilizar un espacio específico para cada proyecto artístico. Esta busca nuevas fórmulas para la difusión del arte y revisar el concepto tradicional de galería.

El resultado son exposiciones únicas e irrepetibles, concebidas con 4-6 meses de antelación en estrecha colaboración entre las galeristas y los artistas. Además, Cis Art Lodgers produce y coordina proyectos artísticos con equipos de especialistas creados ad hoc ya sea por iniciativa propia como por encargo.

Artistas en la feria

Anna Taratiel (Terrassa, España, 1982)

Vive y trabaja entre Ámsterdam y Barcelona. Inicia sus contactos con el mundo del arte a través del grafiti con el sobrenombre de Ovni. Se formó en diseño gráfico y en técnicas murales en la Escuela Universitaria del Vapor de Terrassa y en La Llotja de Barcelona. Los códigos expresivos de Taratiel son muy personales y fácilmente reconocibles en todos sus trabajos, siendo una gran influencia en su obra el diseño, la cultura popular, lo urbano y el consumo. Su obra engaña nuestra percepción visual, creando coloristas estructuras imposibles.

Entre sus últimas exposiciones destacan: “C&H art space”, Ámsterdam (2012); “Wilda Western”, Outer Spaces Festival, Poznam, Polonia (2012); “Ovnimetries”, Mitte Galería, Barcelona (2012); “2012 Qüestió de Disciplina”, Cicle Interfèrencies, Terrassa Arts Visuals (2012); “Art és Part”, proyecto artístico-educativo, Terrassa (2012); “Cristalogramas”, Cis Art Lodgers, Barcelona (2011), “Arty Farty Gallery”, Colonia, Alemania (2011); “Nova Group Exhibition”, Contemporary Culture Parque Lage, Rio de Janeiro, Brasil (2011); “COMA Art City Project”, Peruggia, Italia (2010); “Microcosmos”, Sc Gallery, Bilbao (2010); “Trajectòries”, Fundació Arxiu Tobella, Terrassa (2010); “Peripezie Galattiche, Ovni y Morcky”, GaloArtGallery, Torino, Italia (2010); “Nova Grup Exhibition”, Scion Gallery, Los Ángeles, Estados Unidos (2010); o “Nova Bienal”, MIS, Museu da Imagem e do Som, Sao Paulo, Brasil (2010).

Su trabajo ha sido incluido en publicaciones como “Mural Art: Murals on huge public surfaces around the world”, Kiriakos Iosifidis (2008) Ed.Publikat; “Mural Art,vol 2: Murals on huge public surfaces around the world”, Kiriakos Iosifidis (2009) Ed.Publikat, “Supergraphics unit 02”, edición de Tony Brook & Adrian Shaughnessy, Unit Editions, Nov. 2010; “Installation Art: Space as Medium in Contemporary Art, Sandu Cultural Media”, Ginko Press, Inc., 2010; “Street Art Doodle Book: Outside the Lines, Dave the Chimp”, Laurence King Publishing, 2010; “Los nombres esenciales del arte urbano y el graffiti español”,  Mario Suárez,  Lunwerg Ed. Colección Esenciales, 2011.

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Anna Taratiel. “Tape collage”, 2012, Cintas adhesivas sobre cartón, 42 x29,7 cm. Cortesía Cis Arts Lodgers

Juan Pablo Echeverri (Bogotá, Colombia, 1978)

Joven y destacado artista contemporáneo colombiano, licenciado en Bellas Artes por la Universidad Javeriana y una de las figuras más prometedoras del llamado arte latinoamericano. Su obra es producto de la observación e investigación “del otro”, utilizando siempre su cuerpo como soporte. Su trabajo de fotografía y vídeo relata la condición de la identidad contemporánea desde los códigos visuales de la corporeidad.

De su trayectoria destacan muestras individuales en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, la Site Gallery (Sheffield, Reino Unido), Antigua Casa Haiku (Barcelona) o las galerías 12:00 y Cu4rto Nivel de Bogotá. Ha expuesto colectivamente en la Bienal de Mercosul, Bienal de La Habana, PS1 (Nueva York), Human Resources (Los Ángeles), Nurture Art (Nueva York), Gallery Diet (Miami), Filmplatform (Copenhagen), MNCARS, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Loop Barcelona o las londinenses Edel Assanti Gallery, John Jones Gallery y The Photographer´s Gallery/University of Essex.

Su trabajo ha sido incluido en publicaciones como “Las historia de un grito, 200 años de ser colombianos” (Museo Nacional de Colombia), “The younger than Jesus artist directory” (Phaidon) o “La historia de la fotografía en Latinoamérica 92-02” (Lunwerg). Actualmente está presente en el CA2M de Móstoles dentro la colectiva “Pop Politics”. Vive y trabaja en Bogotá.

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Juan Pablo Echeverri. Serie “Famoustros”, 2012, “Hombre Lobo”. Fotografía impresa en papel Entrada Rag Bright 190gr, 118 x 108cm. Cortesía Cis Arts Lodgers

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GALERÍA CONQUERING ROOFTOPS. MADRID, ESPAÑA.

Directora: Alexandra Fernández Díaz

www.conquering-rooftops.tumblr.com

 

Alexandra Fernández Díaz, directora de la galería, nos explica cómo se desarrolla el proyecto “Conquering Rooftops”:

“Conquering Rooftops crea eventos de arte “pop- up” en lugares inesperados de Madrid. Es un proyecto que he creado hace apenas un año inspirándome en los “pop-up” que desde hace tiempo se llevan a cabo en ciudades como Londres o Nueva York.

Este proyecto es una pasión personal por promocionar y llevar el arte fuera de los lugares al uso (en ocasiones incluso clandestinos), intentando siempre dotarlo de un carácter multidisciplinar, donde el arte se acompañe de otras disciplinas como moda, música en vivo/djs, cocktails y alguna sorpresa… Con la ilusión de montar un proyecto personal, dejé mi puesto de directora en la Galería MS y paralelamente a mi trabajo actual como Project Manager en Arts Exclusive, realizo acciones de este tipo con cierta periocidad bajo mi marca “Conquering Rooftops”.

Son tres las características que definirían mis proyectos:

Los lugares: “visto” con obras de arte las paredes de lugares siempre sorprendentes y cuyo contexto realza el significado expositivo de lo que quiero “contar”. No poseo un espacio físico donde exponer con continuidad.

La duración: me fascina el concepto de lo efímero en este contexto, así que los eventos duran uno o dos días máximo, fomentando la compra impulsiva.

El desafío: dar consistencia y sentido estético a diferentes disciplinas artísticas en un único evento.

Apuesto siempre por artistas emergentes con los que me identifico personalmente y con los que disfruto trabajando.”

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Crosses. “Jeanne Portrait”, 2012.20×30 cm. Digital-C Print. Crystal Archive Paper Supreme. Cortesía de Conquering Roofstops.

 

Artistas en la feria

Aëla Labbé 

Aëla Labbé es bailarina de profesión. Una lesión la llevó a experimentar con la fotografía. Nacida en Bretaña hace 26 años, la curiosidad la ha llevado a aprender a retratar temas como la infancia, la nostalgia, la atemporalidad, los sueños, la melancolía, la fraternidad o la oscuridad. Es una intensa delicada, con musgo bajo los pies, sedas y terciopelos, baúles por abrir, rincones que huelen a antiguo, evocadora y atemporal. Amante de las espaldas, las brumas y los silencios, sus fotos captan una atmósfera íntima y sugerente en la que algo sin resolver nos inquieta y revuelve, y donde gesto y emoción son siempre una constante.

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Aëla Labbé. “Dear Darkness. Self-portrait”, 2010, 40x40cm. Inkjet Print – Fine Art Paper Hahnemühle William Turner 310 g/m². Imagen cortesía de Conquering Rooftops.

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 Aëla Labbé. “Other Direction. Self-portrait”, 2012. 20x30cm. Digital-C Print – Crystal Archive Paper Supreme. Imagen cortesía de Conquering Rooftops.

 

The Expanded Eye

The Expanded Eye está formado por una pareja de ilustradores y tatuadores nacidos en Londres hace 28 años. Pergaminos, bigotes y chisteras, cofres, relojes de bolsillo, cajas de secretos, rituales, oraciones, cerraduras, caballitos de madera, gritos de cuervos en esquinas desiertas… son temas recurrentes en sus obras. Tienen un gran dominio del dibujo técnico, son detallistas y meticulosos y virtuosos equilibrando línea y color. Cada trabajo parece un laberinto de dobles sentidos, un juego de pistas donde cada detalle conduce a otro aparentemente desapercibido.

 

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Ilustraciones de The Expanded Eye. Imagen cortesía de Conquering Rooftops.

 

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GALERÍA DOSMILVACAS.ARTE. LEÓN, ESPAÑA.

Director: Reme Remedios

http://dosmilvacasarte.blogspot.com.es/

 

Reme Remedios como artista, terapeuta artística y gestora culturaL, inicia en 2006 en Ponferrada, León, su proyecto de espacio integrado para la creatividad y el arte; estas son las premisas expansivas que definirán Dosmilvacas.arte. Concebido como un lugar para la acción creativa y artística multidisciplinar, invita a la participación y disfrute de un público activo mediante talleres de arte sonoro, plástica, narrativa, meditación y sesiones de creatividad y gestalt, teniendo como participantes a familias, diversos colectivos y gente de todas las edades. Este enfoque integrador de vida-arte-sociedad tiene su máxima apertura mediante lo que ella denomina “acciones colaborativas”. Que a modo de happening e intervenciones en el espacio público de la ciudad, desarrollan la posibilidad de involucrar a los y las ciudadanas, en el proceso de gestación de una obra de arte social y colectiva.

Teniendo de trasfondo artístico temáticas reivindicativas y éticas, como ecologismo, reciclaje, feminismo, solidaridad, creatividad, vida, Dosmilvacas.arte realiza una importante labor expositiva mediante la promoción de artistas gallegos y de León. Las visitas a este espacio no sólo sirven para ver diversa obra expuesta o revisar catálogos, en Dosmilvacas.arte también se puede contemplar y disfrutar la gestación artística en directo, pues funciona como taller permanente, donde Reme Remedios crea su propia obra; ofreciendo la posibilidad a las y los visitantes de contemplar en directo el proceso creativo de esta artista.

En esta aventura cultural versátil e integradora de vida-arte-sociedad, Reme Remedios cuenta con la colaboración de su compañero Alberto Bidarra, artista sonoro, psicólogo y terapeuta. Juntos desarrollan este proyecto vital y creativo abierto a todas las personas y seres amantes de la belleza y la armonía.

 

Artistas en la feria

Reme Remedios (Romiña, Ourense, 1972)

Presenta para JUSTMAD4 una pieza del 2012 titulada “Romiña”. En ella vemos cómo la poética de los materiales y las herramientas de costura y bordado se imbuyen de parámetros artísticos y dialogan con los soportes y técnicas del dibujo, la pintura y el collage. Hilos, papel, telas, coser, dibujando, pintando, creando, recreando… su infancia en Romiña.

Reme Remedios experimenta y expande, a lo largo de los años, los parámetros del soporte textil y del ámbito de la costura, hasta fusionarse y ser materiales pictóricos. Las obras resultantes pertenecen a dos mundos reunidos en uno solo. El mundo de la costura, el bordado, el textil, juega con las pinturas, los papeles y el lienzo. La forma geométrica, la mancha, el gesto, la pincelada, el color, son hilos y puntillas con pintura, ceras, dibujo y collage. La textura se convierte en ser, el color en rostros animales y seres; y la composición en paisajes y lugares, topos chamánicos donde laten fuerzas vitales generadoras de vida constante. Fuerza vital simbolizada, traducida, en figuras arquetípicas no primitivas pero si primigenias y atemporales. El animal es sentimiento sin definición, pulsiones latiendo bajo la elaboración de lo elemental y vinculaciones biográficas en el hilar de las raíces del estar siendo. Es así cómo Reme Remedios realiza una poética de la sanación, a partir de la toma de contacto y autoconciencia con lo íntimo de vivir y sentir creativamente. Romiña es un pueblito de Carballeda de Valdeorras, Ourense, Galicia. Romiña es el topos-lugar donde Reme es y ha sido su propia niña. Y donde el origen genera un presente de autoencuentro, con su esencia de las emociones, huella que prefigura su yo adulto. Romiña, topos-nutriente.

ROMIÑA“Romiña”, 2012. 140x185cm. Técnica Mixta sobre tela. Cortesía de la artista.

Iván Prieto

Lleva viviendo y trabajando en Berlín desde el pasado invierno, por lo que la gran parte de las piezas de la muestra han sido realizadas en Alemania. Las piezas para JUSTMAD4 son esculturas realizadas dentro del proyecto “Brummschädel”. La definición de esta palabra sería: “ligero mareo cerebral que se produce después de una noche de excesos”,y hace referencia a la etapa de resaca constante, de mareo que estamos viviendo actualmente debido a la saturación de información por parte de los medios.

“Continuamente nos muestran cientos de imágenes y noticias que provocan en nosotros una especie de desconcierto” – apunta Prieto – “además de una pérdida del valor de lo que se cuenta, debido a la repetición masiva (facebook, twitter, ..). “Me interesa la cabeza como símbolo de pensamiento, como el continente de las ideas. Es como un recipiente y ningún otro material mejor que la cerámica para crear estas estructuras huecas”, comenta el artista. “La característica de estos bustos es que a menudo representan personajes disfrazados”. “Tendemos a enfundarnos un traje todos los días dependiendo de las situaciones”, afirma Prieto. “Necesitamos de los diferentes disfraces para enfrentarnos a determinados roles sociales. Cada disfraz de animal tiene una simbología determinada de la que nos apropiamos para adaptarnos a nuestro medio”.

Para esta muestra el artista ha experimentado con diversos materiales, tipos de arcilla, de esmaltes y óxidos para obtener una diversidad en el conjunto. Además se presentan figuras de grandes dimensiones que representan personajes del mundo del circo. Se retrata así el tema de la manipulación a través de la marioneta y el mundo del espectáculo. Nos encontramos ante un fragmento del proyecto “Fashion Victim” , donde se habla de la manipulación que ejercen los medios , de la que difícilmente podemos escapar. Para JUSTMAD4 presenta su obra del 2011 “Marioneta”.

marioneta ivanIván Prieto. “Marioneta”, 2011. Fibra de vidrio y resinas acrílicas. 2,10 x80x 1,20 cm.

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GALERIA ESPAI TACTEL. VALENCIA, ESPAÑA

Dirección: Ismael Chappaz y Juan Manuel Menero

WEB: www.espaitactel.com

 

Desde que Juanma Menero e Ismael Chappaz se conocieron con 21 años en Valencia no se han separado ni un segundo, han crecido con el proyecto de Tactelgraphics hasta que ha llegado a formar parte de sus vidas. Tactelgraphics es su forma de entender el diseño y el arte. Hacen de directores de arte, diseñadores y fotógrafos a la vez, porque, como dicen: “¿de eso trata ser multidisciplinar, no?”.

Espai Tactel es, posiblemente, la mejor idea que han tenido jamás, de eso hace ya dos años. Después de mucho tiempo pasando prácticamente inadvertidos decidieron lanzarse al vacío (y sin red) e irrumpir con el mayor ruido posible en esto que llaman “panorama artístico contemporáneo”. Cuando inauguraron no sabían qué forma tomaría, es un proyecto que ha ido mutando hasta convertirse en lo que parece que es ahora mismo: una galería de arte contemporáneo, con sus artistas emergentes y consagrados, que va a ferias de arte y que ofrece una programación lo más sólida y coherente posible.

Quizás ante el mal momento que parece estar viviendo el arte en Valencia y en el resto del territorio nacional, las pequeñas iniciativas privadas sean la única solución posible…

El vértigo prosigue aunque desde hace un tiempo parecen bastante respaldados por críticos, medio especializados, asociaciones de diseño y arte contemporáneo.

 

Artistas en la feria

Carlos Sáez

Carlos Sáez estudió en el IED Madrid, pero antes de entrar en la escuela ya había comenzado su propio proyecto de moda, Noworkmondayz, para el que trabaja como diseñador y director de arte. Durante su formación en la escuela descubrió el video como disciplina artística. Además de trabajar con cabeceras como “Vanidad”, “View of the Times”, “Vanity Fair” o “Electric Youth!”, Carlos Sáez ha realizado campañas audiovisuales para marcas como Bimba & Lola o un videoclip para The Cabriolets. Ha demostrado su pasión por los disfraces en colaboraciones para marcas como Nike o la suya propia. Trabajó como director creativo de Room Mate Hotels. Su proyecto más próximo es Multi (www.multi-movies.com), una plataforma dedicada a la realización de vídeos de música, moda y producto.

El fashion film “Teenagers do it Better” es el video presentación de la nueva camiseta de American Ap- parel en colaboración con la revista “Electric Youth!”. Luis Venegas, creador de las prestigiosas publicaciones “Fanzine 137”, “Electric Youth!” y “Candy Magazine”, ha diseñado esta prenda de edición limitada para la conocida firma de Los Ángeles. Carlos Sáez es el encargado de presentar este producto y lo hace desde su delirante y colorido mundo, con la participación de los “Guerra Twins” como modelos.

  Carlos Sáez JUSTMAD4Carlos Sáez. Imagen cortesía de Espai Tactel.

 

Hell´O Monsters

A finales de los años 90, tres jóvenes belgas: Jérôme Meynen, Antoine Detaille y François Dieltiens formaron Hell’O Monsters. El nombre del colectivo asocia y combina la palabra “Hell’O”, que contiene una connotación positiva y de bienvenida, con “hell” y “monsters”, que tradicionalmente se asocian con algo inquietante, sombrío y desconocido… Ambas palabras aluden a un mundo y a unos seres de carácter fantástico, creados por el ser humano para sembrar el miedo y, con ello, ejercer un control del pensamiento y las conductas del hombre.

La dicotomía es una de las claves narrativas de su trabajo; donde las dualidades, el juego de conceptos y fuerzas son una constante más o menos evidente a lo largo de toda su obra, por choque o asociación. Hell’O Monsters es también el cúmulo y la síntesis de múltiples tradiciones por las cuales el colectivo siente afinidad: las fábulas, el esoterismo, la alegoría, los mitos, emblemas, parábolas… En sus dibujos, esculturas, instalaciones o collages, una especie de reflexión irónica y misteriosa nos sumerge en un universo donde las escenas y el tono aceptan y reclaman múltiples interpretaciones y donde las líneas, los colores y las masas construyen un lenguaje estético único, de contornos precisos, acabados limpios y una minuciosidad a veces obsesiva. Sus tres componentes han estilizado sus trazos y lenguajes hasta alcanzar un estilo fusionado que convierte en tarea difícil el atribuir la autoría de cada personaje o escena hasta para un espectador especializado. En algunas ocasiones, trabajan todos juntos sobre el mismo soporte, sin embargo también producen obras individuales. En todas ellas, hasta ahora, encontramos temas recurrentes como la muerte, la esperanza, el fracaso, el optimismo, la frivolidad, fenómenos varios, ecos existencialistas y humor, puestos en escena de la mano de un diversificadísimo elenco de criaturas, animales, esqueletos y humanoides isomórficos. Hell’o Monsters goza del privilegio de despertar el respeto y el interés de un amplísimo público, de instituciones, numerosas galerías y coleccionistas de todo el mundo. Su web es: http://hellomonsters.wordpress.com/

 

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 Hell’o Monsters. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Actualmente Espai Tactel está mostrando, desde el 18 de enero hasta el 10 de marzo, una colectiva para celebrar su segundo aniversario, titulada “Dos años no son nada…”. Cuenta con los artistas siguientes: Agustín Esteso, Carlos Sáez ,David Gómez Maestre ,Carles Rodrigo, Martín López Lam ,Hell´O Monsters,Chuso Ordi y Paco y Manolo & Sito Mújica.

“Dos años no son nada…” es una muestra compuesta por nueve de los artistas que actualmente forman parte de la galería y que han tenido sus respectivas exposiciones individuales a lo largo de estos dos años de existencia de Espai Tactel. Desde los “garabatos” de Agustín Esteso, los cadáveres exquisitos vía net-art de Carlos Sáez, las máscaras tribales hechas con rotuladores de David Gómez Maestre, las instantáneas intimistas y delicadas de Carles Rodrigo, los dibujos macarras quizás hasta pornográficos de Martín López Lam, los seres imaginarios “Borgianos y Bosquianos” de los Hell´o Monsters, los dibujos vectoriales y las composiciones estenopéicas de Chuso Ordi, hasta las fotos y los dibujos homoeróticos de Paco y Manolo & Sito Mújica

Nueve formas de entender el arte y la vanguardia filtradas por un denominador común: Espai Tactel.

 

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Cartel de “Dos años no son nada…” Cortesía de Espai Tactel.

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IAM GALLERY. MADRID, ESPAÑA

Directores: Pilar Lleó y Oscar Sanz

www.iamgallerymadrid.com

Indica Pilar Lleó, una de sus directoras:

“Hace años que Iam, desde su plataforma online, apoya los conceptos que definen al arte urbano y la cultura contemporánea. Representamos a una comunidad joven y al tanto de su tiempo, relacionada con un modo de vida en la ciudad y un entorno multicultural.

Nuestra apuesta: sin dejar de lado nuestra proyección online, queremos ofrecer un espacio físico que sirva de referencia a esta comunidad, donde exponer y difundir arte de vanguardia. Donde crear sinergias entre el público y los artistas, más allá del concepto convencional de galería. Donde realizar conciertos, talleres, workshops, proyecciones y acoger eventos que apoyen la cultura y el arte en sus diferentes facetas.  Donde aprender, conocer, pasarlo bien, encontrar amigos y descubrir pasiones.  Esto queremos que sea Iam Gallery, contamos contigo para conseguirlo”.

 

Artistas en la feria

De cara a la participación de Iam Gallery Madrid en JUSTMAD4, la galería  ha apostado por dos artistas que desarrollan sus fructíferas carreras de forma individual, pero que dada su profunda amistad y sintonía vital, decidieron un día unir su creatividad frente a una hoja en blanco. Estos artistas, tan cercanos a Iam Gallery y que tanto admiran, son Remed y Okuda. Y el resultado de sus horas de trabajo juntos son maravillosas piezas sobre madera que unen en perfecta sintonía dos estilos tan dispares como los de estos dos creadores.

 

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Remed & Okuda. “Purevolution”. Díptico 122 x 122 cm. Mixta sobre madera. 2012. Imagen cortesía de Iam Gallery.

Es cierto que artísticamente les une su interés por la figura humana, pero Remed la esquematiza en volúmenes geométricos de líneas suaves, en grandes campos de color con influencia de la mítica estética rusa de propaganda y las líneas del art decó, convirtiendo sus obras  en únicas e instantáneamente atribuibles a su mano, y Okuda es un alma inquieta que experimenta con todo tipo de soportes y acciones, siempre manteniéndose fiel a su interés por la representación fidedigna de la volumetría del cuerpo humano y el color, siempre el color, en forma de líneas y figuras geométricas que cruzan esos cuerpos reales como estallidos de flúor, configurando paisajes surrealistas y mágicos.

Sus obras en conjunto se complementan de tal manera que  consiguen transmitir una perfecta armonía visual. Obras basadas en un tema que protagoniza sus vidas… las relaciones humanas, el amor, la muerte el deseo…Obras que han surgido de horas de conversaciones y vivencias juntos, de una amistad profunda y una admiración mutua.

 

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Remed & Okuda. “Purevolution”. Díptico 122 x 122 cm. Mixta sobre madera. 2012. Imagen cortesía de Iam Gallery.

Okuda (Santander, España, 1980)

Ha participado con intervenciones artísticas en importantes eventos de arte urbano como Urban Art Festival (Canarias), Cultura Urbana (Madrid), Festimad (Madrid),  Meeting of Styles (Bélgica, USA, Polonia, Holanda, Bulgaria…), Urban Dreams (Bélgica), Dance Valley (Holanda)… Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Altamira, el Centro  Conde Duque de Madrid, la galería Carmen de la Guerra o la Taxie Gallery y L´Issue en París, La Bienal Internacional de Graffiti de Belo Horizonte en Brasil o The NYC Showroom Gallery de Nueva York.

En cuanto a sus exposiciones individuales, destaca “Interior World” en Montana Gallery de Barcelona, “Brain vs Heart” en Montana Gallery Valencia y SC Gallery.  Ha realizado numerosos trabajos murales para empresas como Avid, Telefónica, Nike, Nissan, PlayStation, Atari, Young & Rubicam, Fox TV, MTV, Vueling… También dedica gran parte de su tiempo a la ilustración y el diseño gráfico. Así, ha trabajado para Philips, Sol Música, marcas de moda como Sen2 Collection  de Nueva York, Wild Style Technicians de Las Vegas, Flux Delux en España o PRPS  de Tokio.

Dentro de sus múltiples campos de actuación y las muchas disciplinas artísticas que explora a través de su trabajo, ha realizado colaboraciones en el mundo de la música para artistas como Eykeyey Rey, El Límite o La Mala Rodríguez. Ha realizado customizaciones de productos como la videoconsola Microsoft XVOX 360, de ropa para Dockers en el Dockers Art Event de Madrid, Bilbao y Barcelona y hasta diseñado un vestido en colaboración con Jesús Del Pozo en el proyecto 21&21. Su página web: http://okudart.es/showcase/

 

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Okuda. “I A Retrato Artificial”. 50 x 70 cm. Mixta sobre madera. 2012. Imagen cortesía de Iam Gallery.

Remed

Artista francés afincado en España y habitual compañero de 3TTMan, Remed descubre el arte de la pintura en su Lille natal en 1995, donde investiga diversas técnicas y numerosos soportes. Combina el trabajo reflexivo del estudio con la intervención callejera. Su exploración posterior le lleva a romper con el límite impuesto por el soporte del cuadro y empieza a interactuar con el medio urbano pegando “stickers” y, posteriormente, pintando sus ideas, mensajes o deseos en los muros de Lille y el resto del mundo. Crea rimas de colores, formas y sonidos para expresar una emoción, un sentimiento, o la evolución de un pensamiento. En sus palabras pinta “como se escribe un diario”.

Influido por el Art Nouveau y la estética de los estampados de los 70, ha creado un lenguaje estético propio donde mezcla gráfica y dibujo en un universo de color. Ha participado en muestras colectivas en museos y galerías de medio mundo (Sao Paulo, Nueva York, Londres, Amberes…) e individuales (Río de Janeiro, Düsseldorf, Paris…) y podemos ver sus murales en lugares tan dispares como Miami, Serbia, Brasil o Polonia. Su página web: http://remed.es/web/

 

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Remed. “Calling the most high”. Gouache, bolígrafo y lápiz sobre ppel de 250 gr. 100×150 cm. 2012. Fotografía cortesía de Iam Gallery.

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KUBIKGALLERY. OPORTO, PORTUGAL.

Director: João Miguel Santos Azinheiro

www.kubikgallery.com

 

Kubikgallery nació en mayo de 2009 en Oporto, Portugal, como un espacio de divulgación artística. Su principal concepto es representar a artistas extranjeros en Portugal y acoger artistas más conocidos o más emergentes en el arte contemporáneo nacional o internacional. Con regularidad expositiva, intentan mostrar lo mejor que se hace en el arte contemporáneo. La galería mira el futuro con expectativa. Su equipo pertenece a una generación que acredita que lo mejor es aprender con cada pequeño error y no pensar solo en las problemas o en la crítica pero sí en la calidad de cada exposición, en el suceso de cada exposición. La galería comenzó su andadura ya en plena crisis y con un gran empeño personal de su director. “En el arte, en la mayoría de las veces tenemos que estar por gusto sin centrarse únicamente en la perspectiva consumista”, dice João Miguel Santos Azinheiro.

En este momento cuentan con el artista Rui Algarvio, cuyo trabajo es reconocido y conocido aquí en España -hace poco tiempo participó en una colectiva de la IV Bienal Fundación Once (Madrid) y en la Mustang Art Gallery (Alicante)-. En marzo de 2012 presentaron a Luís Nobre en la que fue su primera exposición en Kubikgallery. También al artista Rui Valério, en el mes de mayo,  un artista que trabaja con instalaciones y que tuvo en esta galería su primera exposición. En el año 2013 contarán con la presentación de dos artistas jóvenes, Raquel Moreira y Hernâni Reis Baptista, dos nuevas promesas del arte contemporáneo portugués. En la etapa final del año contarán con la obra de Maria Corejova, una artista eslovaca que cerrará el ciclo de exposiciones de este año de muy buena forma.

 

Artistas en la feria

Para su primera participación en JUSTMAD4 la galería ha escogido a dos artistas que, a pesar de tener distinta nacionalidad y trabajos muy distintos, presentan una postura idéntica en lo esencial de su trabajo artístico.

 

Martin Derner (1973, Košice, Eslovaquia)

Derner trabaja con Kubikgallery desde 2009, y forma parte de una prometedora generación de artistas eslovacos que Kubikgallery tiene el honor de representar. Martin Derner asume como soporte principal de su trabajo algo que forma parte de nuestra vida cotidiana, algo que tenga una gran carga de historia detrás o que sea común a un grupo de personas. Su obra “After Koller” es un ejemplo, en este caso la apropiación de un libro.

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Martin Derner. “After Koller III”, 2010.  Cortesía del artista y Kubikgallery.

 

Carlos Azeredo Mesquita (Oporto, Portugal, 1988)

Es un artista de Oporto que, con un amplio registro cotidiano en su obra, sugiere estimulantes repeticiones de existencias vividas pero difícilmente perceptibles en nuestra vida diaria. Algunas de las obras que estarán destacada en JUSTMAD4 son “The Radiant City”, “The Others” y “Brussels”, la visión repetitiva del día a día de un grupo de personas. Se trata de mostrar existencias reales en las que muchas veces no reparamos. La imagen sugerida por el trabajo de Carlos Azeredo Mesquita gana un sentido nuevo, coherente, estéticamente perfecto en escenarios reales que parecen manipulados y simulados, escenarios que no son más  que repeticiones de nuestra vivencia cotidiana.

 

Sin títuloCarlos Azeredo Mesquita, “Brussels”. Fotografía. Cortesía del artista y Kubikgallery.

Así mismo, Kubikgallery llevará a JUSTMAD4 amplia información sobre todos los artistas que representa: Ana Linhares, Carlos Azeredo Mesquita, Christophe Malfliet, Hernâni Reis Baptista, Jana Farmanova, Lucia Stranaiova, Luís Nobre, Maria Corejova, Martin Derner, Matej Lacko, Raquel Azevedo Moreira, Rastislav Podoba, Rui Algarvio y Rui Valério.

 

24(1)Rui Algarvio. “24”. Cortesía del artista y Kubikgallery.

27Rui Algarvio. “27”. Cortesía del artista y Kubikgallery.

Luís Nobre - Sector III

Luís Nobre. “Sector III”. Cortesía del artista y Kubikgallery.

rastislav podobaRastislav Podoba.  Cortesía del artista y Kubikgallery.

rui valerio 120 min detail-1Rui Valério. “120 min.” (Detalle). Cortesía del artista y Kubikgallery.

 

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PANAL 361. BUENOS AIRES, ARGENTINA.

http://idea.me/panal361

 

PANAL 361 es un espacio de 1500m2 que cuenta con 30 talleres donde trabajan diariamente artistas, diseñadores y creativos de diferentes disciplinas (fotografía, artes visuales, escultura, diseño, arquitectura y escenografía, entre otras). Para generar situaciones de intercambio permanentes entre todos los miembros que trabajan en PANAL, desde los espacios comunes, puede verse el interior del taller de cada artista. Se genera así una situación de estudio/galería y fábrica de arte a la vista que enriquece tanto a los colegas como a los visitantes. Además se comparten baños, comedor, sala de reunión, patios, piletas para lavar pinceles o materiales, laboratorio experimental de fotografía y un recinto de separación de residuos creado con el concepto de que el descarte de uno puede ser materia prima para otro; y así generar una comunidad de trabajo basada en el intercambio.

Dos veces al año abren los talleres al público con la intención de mostrar como se produce, y también que el espectador pueda conocer al artista en su hábitat natural. Cada dos meses realizan muestras donde alguno de los artistas residentes, para lo que cuentan con un enorme espacio de exhibición de 70 m2 que además es utilizado para dictar talleres, mesas redondas, debates y workshops que acompañan cada muestra. PANAL 361 es una institución dinámica y proactiva que trabaja estableciendo un nuevo parámetro en el concepto de galería de arte.

Los artistas residentes de PANAL 361 tienen entre 25 y 45 años. Algunos están dando los primeros pasos en la profesionalización y otros participan de la escena local hace varios años. El coleccionista que visita PANAL encontrará propuestas de diferentes disciplinas como el diseño, videoarte, instalación, pintura, escultura, grabado y fotografía.

El perfil de su coleccionista o comprador es el de alguien que no se deja llevar por las modas y la tendencia. Busca obras que lo atraviesen, que tengan contenido y reflexionen sobre su tiempo. Se trata de alguien que se caracteriza por su personalidad, estilo único e intuición. Para comprar arte se rige por su gusto y corazón. Es apasionado y, a través de las obras, lo experimenta a diario.

Las próximas muestras que podrán visitarse en PANAL 361: Pablo Calmet (marzo–mayo 2013), Mariano Giraud (mayo 2013–junio 2013), Alejo Schatzky (junio 2013–agosto 2013), Ana Clara Soler (septiembre 2013–noviembre 2013), Colectiva artistas residentes en Panal (noviembre 2013–febrero 2014).

 

PANAL 361

Artistas residentes en PANAL 361.

Artistas en la feria

Los dos artistas que PANAL 361 presentará en JUST MAD son: Martín Calcagno y Julián Prebisch.

 

Martín Calcagno (Buenos Aires, 1976)

Se licenció en el Instituto Universitario Nacional de Arte, recibiendo una mención en escultura. Esta serie de obras son declaraciones sentimentales, las cuales usan el cliché y el humor como punto de partida. Es muy fácil enamorarse de una obra de Calcagno: son perfectas, milimétricamente pensadas y cuidadas hasta en su último detalle. Tiene 36 años y acaba de ser papá de Dante. Para JUSTMAD presenta “Putita mía”, obra del 2010.

 

putita“Putita mía”, 2010. Madera de Cedro y bronce. 180 x 90 x 10 cm. Cortesía de PANAL 361.

 

Julián Prebisch (Buenos Aires,1978)

Cada obra que produce Julián Prebisch es el resultado de un largo proceso de investigación. En las piezas exhibidas en JUSTMAD4, el artista entrelaza un imaginario muy interesante de objetos que convierten las pinturas en una mini-instalación, utilizando una paleta oscura similar a los mundos góticos, elementos de santería e imaginería de mitos populares (muy afamados en Argentina), espejos y una gran variedad de materiales que combina en la superficie de la tela. Un dato curioso: los colores los obtuvo mezclando los pigmentos con Coca-cola para que lograr texturas plásticas más fluidas.

 

can i play with magic-Julián Prebisch, “Can I play with magic?”. Cortesía de PANAL.

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SAYHI! GALLERY. AMBERES, BÉLGICA.

 

Say Hi! se presenta como un proyecto de creación contemporánea que impulsa la difusión y promoción de encuentros artísticos y fórmulas transdisciplinares. Es un lugar de encuentro donde las interrelaciones e inquietudes de diferentes profesionales dan forma a proyectos expositivos, curatoriales y editoriales. A través de la conjunción y el mestizaje de diferentes influencias y trayectorias, Say Hi! ofrece su visión creativa y autonomía estética. De esta iniciativa artística nace un contacto efectivo y nuevos vínculos entre artistas y coleccionistas activos, fomentando el acercamiento y siempre abiertos a propuestas de colaboración. La proyección del talento emergente, el diálogo creativo entre los diferentes sectores del arte y un tráfico de ideas libre y dinámico, son valores esenciales por los que apuestan como fuerza reactivadora de la escena cultural.

Artistas en la feria

Irene Álvarez

Irene Alvarez (1984) es un artista multimedia con experiencia en escultura. Se inspira en las civilizaciones étnicas y la cultura pop, intentando trabajar en el choque de símbolos que se crean, una ruptura que da un nuevo significado a nuestras referencias occidentales y arquetipos antiguos. Para JUSTMAD4 presenta su serie “Turn Me Op”, una serie destinada a dar al tapiz un toque contemporáneo. Las ilustraciones mezclan op-art con el arte étnico y la cultura pop, buscando traer efectos visuales que tienen su referencia en ilusiones ópticas. Sus dibujos se tejen con hilos eléctricos y sintéticos para dar un efecto de holograma.

 

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Irene Álvarez, “Mickey Four Eyes”, 2011. 1,70 x 2,00 m. Hilos eléctricos y sintéticos y acrílico.

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Irene Álvarez, “OMG!”,2011, 1,70 x 2,00 m. Hilos eléctricos y sintéticos y acrílico.

skull1_zps97acec25Irene Álvarez, “Skull”, 2011. 1,70 x 2,00 m. Hilos de viscosa, acrílico y lurex.

smiley1_zps3ac6cb91Irene Álvarez, “Acid Smiley”, 2011. 1,70 x 2,00 m. Hilos de viscosa, acrílico y lurex.

 

Carlos Arroyo Galaxia (Valencia, 1984)

 

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Carlos Arroyo Galaxia, “Offering”, Serie “Be An Idol”. 2010.

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Carlos Arroyo Galaxia, “Beatification Process III”, Serie “Be An Idol2. 2010.

61_1Carlos Arroyo Galaxia. Serie “Be An Idol”. 2010.

Sin títuloññCarlos Arroyo Galaxia, “R.I.P.R.I.P.HURRAAA”, 2012.

76_mg1122Carlos Arroyo Galaxia, “Temporary Bed Framed”. Serie “Holy Photocopies”, 2011.

78_6Carlos Arroyo Galaxia. Serie “Offering”. 2011.

78_16Carlos Arroyo Galaxia. Serie “Offering”. 2011.

 

Lliure Briz

Es una artista española afincada en Bruselas que trabaja con diversos materiales orgánicos para crear sus obras, muchas de ellas en video, a menudo intervenidas por la artista.

 

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Lliure Briz, “Sin título”, Serie “ATACAMA”. 2012.

Sin títuloññ l jLliure Briz. “Sin título”. Serie “ATACAMA”. 2012.

Marbles_VideoTotem_Lliurebriz_2012_zps54b55c6aLliurbe Briz.”Sin título” Serie “TOTEM”. 2012.

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STUDIO GUERRERO. MADRID, ESPAÑA.

Web: www.galeriaguerrero.com

 

Nace con la idea de ser un espacio diferente. Una alternativa al concepto actual de galería, más cercano y creativo, hecho a la manera de un artista. Es un espacio joven en el que se puede palpar la ilusión, ver el proceso de las obras y discutir sobre arte. Al ser el estudio de los artistas, el ambiente que se respira es acogedor, especial, atrayente y vivido. Invita a establecer un contacto más personal, casi íntimo con las obras.

 

SONY DSCImagen cortesía de Studio Guerrero.

El objetivo del estudio es dar a conocer el proceso de la obra de principio a fin de los artistas que lo componen y a su vez dar la oportunidad a otros jóvenes artistas de poder hacer más visible su trabajo.

 

Artistas en la feria

Javier de Benito

Escultor. Da rienda suelta a sus inquietudes trabajando con todo tipo de materiales, entre los que destaca el acero, el hormigón y poco a poco el bronce. La potencia visual, la materia y el volumen de sus esculturas reflejan una serie de geometrías y metáforas de la forma imperecedera. Busca realizar todas sus obras de principio a fin para tener el control de la evolución de cada pieza y así poder investigar, deleitarse con el proceso y trasladar esa visión al espacio.

 

SONY DSCImagen cortesía de Javier de Benito.

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Imagen cortesía de Javier de Benito.

Rocío Guerrero

Pintora. El medio con el que trabaja es el óleo, apoyándose incondicionalmente en la sutileza que ofrece el dibujo. Las obras recrean la luz siendo testigo de todo lo que percibimos. Sus manos plasman el tacto de sus ojos definiendo la forma de mirar y captando el silencio del espacio. La figura humana, la composición y el ambiente forman parte de toda su obra, sin importarle, en ocasiones, acudir a una deformación de éstos creando nuevas sensaciones y puntos de vista que ofrecer al espectador. Se expresa apoyándose en los clásicos sin dejar de lado una mirada actual.

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Imagen cortesía de Rocío Guerrero.

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Imagen cortesía de Rocío Guerrero.