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PROGRAMA GENERAL

El programa general cuenta con una selección de galerías españolas, europeas y latinoamericanas que trabajan con creación emergente. Cada una de ellas presenta a tres artistas en stands específicamente diseñados para ello.

 

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GALERIA 6+1. MADRID, ESPAÑA

Director: Beatrice Oppici

http://www.6mas1.es/arte/

 

galeria 6mas1

Fotografía cortesía de Galería 6+1

La galería madrileña 6+1 es un espacio en continuo movimiento donde artistas de diferentes mundos artísticos tienen las posibilidad de expresarse. Esta galería representa a doce artistas propios más otros tantos colaboradores.

Sus artistas son: Ricardo Almendros, Sara Landeta, Vitor Mizael, Raúl Lázaro, Marta Bielsa, Mar Cuervo, Julio Falagán, Fernando Bayona, Elgatoconmoscas, Dave Cushley, Chefer y Carissa Santoso.

Además colaboran con la galería los artistas Alba Rincón Manjón, Guillem Juan, Luis Bertos, Hugo Velasco, Francisco Domínguez, Enrico de Loto, Cristina Barbero, Davide Ridenti, Colectivo Patraña y Ángela Gómez Perea.

 

Artistas en la feria

6+1  presentará a los siguientes artistas: Fernando Bayona, Julio Falagan y Vitor Mizael.

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ADDAYA CENTRE D´ART CONTEMPORANI. ALARÓ, MALLORCA, ESPAÑA

Directores : Nadège You / Tomeu Simonet

www.addaya-art.com

 

Addaya Centre d´Art Contemporani de Alaró, Mallorca, participará por tercera vez consecutiva en la feria JUSTMAD. En esta ocasión presentará a dos artistas que disfrutaron en 2011 de una residencia artística en el centro. Por una parte Ting Ting Cheng (Taiwan, 1985), residente en Londres, y que presentará en la feria el proyecto “I judge a book by its cover”, una serie de 8 fotografías; y por otra a Pablo Fernández Pujol (Cadiz, 1977), artista que vive y trabaja en Sevilla, con obra reciente e inédita de “Metamorfases”, serie con la que empezó a trabajar durante su residencia en Addaya.

Ambos artistas pasaron a formar parte de los artistas representados por la galería. La tercera propuesta de Addaya para esta feria, otra recién incorporación a la lista de artistas representados por la galería, es la pareja artística formada por Patricia Gómez y Maria Jesús González, que presentarán en la feria parte del proyecto “Antigua prisión de Palma”, realizado durante su residencia en la isla, invitadas por la Fundación Pilar y Joan Miró de Mallorca, proyecto que solo ha podido verse con anterioridad en la exposición que presentaron en las salas de esta institución.

Cabe comentar que los artistas presentados en la feria tienen programadas exposiciones en Addaya durante las próximas fechas.

Addaya Centre d´Art Contemporani abrió sus puertas en 2004. Desde entonces dedica sus esfuerzos a la programación de artistas emergentes, tanto españoles como internacionales, haciendo especial énfasis en las propuestas artísticas más actuales. Igualmente, desde prácticamente su apertura, desarrolla un programa de residencia de artistas por el que ya ha pasado un importante número de creadores españoles, así como de países tan diversos como Zimbabwe, Taiwan, Singapur, Alemania, Austria, Suiza, o Argentina.

A principios de este año, Addaya Centre d´Art Contemporani está asociado con la galería Sacma de Manacor, también en Mallorca. Nadege You y Tomeu Simonet, directores de Addaya, son los encargados de la programación de la nueva Addaya-Sala Sacma.

 

Artistas en la feria

Addaya presentará en JUSTMAD4 a los siguientes artistas: Pablo Fernández Pujol, Patricia Gómez y María Jesús González y Ting Ting Cheng.

Pablo Fernández Pujol (Cádiz, 1977)

La línea de investigación que sigue el proyecto “Metamorfases” se articula sobre el tema de la metamorfosis, la mutación y los procesos de transformación. Los proyectos se construyen desde diferentes medios, para obtener las máximas perspectivas posibles. De esta manera, se empieza dibujando o haciendo una escultura, para llevarlas a la animación y se obtiene una obra en movimiento, o viceversa: partiendo del experimento audiovisual como apunte, se extraen los personajes y acontecimientos de la película, para transcribirlos a las dos dimensiones en dibujo o tres dimensiones en escultura e instalación.

El punto de partida se centra en la idea de una “naturaleza alternativa”, donde “criaturas imposibles” activan historias llenas de simbolismos y lecturas. El interés por aquellos personajes que habitan entre lo real y lo fantástico se convierte en hilo conductor para desarrollar el contenido de la obra, que mezcla acontecimientos personales y ficción en cada una de las historias.

Licenciado en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, comenzó a desarrollar la serie “Metamorfases” durante su residencia artística en el Addaya Centre d´Art Contemporani de Alaró (Mallorca) durante los meses de verano de 2011. Esta serie ha ido evolucionando y creciendo; las obras que se presentan en JUSTMAD son acuarelas de gran formato fechadas en 2012, hasta ahora inéditas.

 

gran pigman acuarela 200x150               hombrecabra 2 acuarela 200x150 cmBIS               metamorfase I acuarela 200x150 cmBIS

Pablo Fernández Pujol. “Serie Metamorfases”. Acuarela sobre papel. 200 x 150 cm. 2012. Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

 

Patricia Gómez y María Jesús González

Los proyectos “Habeas Corpus” y “Las 7 puertas” fueron realizados por las artistas durante su residencia en Palma de Mallorca invitadas y becadas por la Fundació Pilar i Joan Miró de Mallorca, institución en cuyo espacio se expuso este proyecto, y que editó un catálogo.

“Habeas Corpus” es un proyecto fotográfico que explora el estado de “tiempo detenido” en que quedaron las celdas de la antigua prisión de Palma de Mallorca el último día antes de ser desalojada. La expresión latina “Habeas Corpus”, que reclama la presencia de la persona detenida, está en consonancia con la idea de un espacio convertido en naturaleza muerta, cuyos elementos evidencian el cuerpo ausente del su antiguo morador.

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Patricia Gómez y María Jesús. “Antigua Prisión de Palma”. Fotografía analógica. Serie de 6 fotografías editada en los Talleres de Obra Grafica de la Fundación Pilar i Joan Miro de Mallorca. Impresiones ink-jet sobre papel Hahnemule Photo Rag 308g. 85 x 107 cm. cada una..Edición: 6 ejemplares + 3PA + 3 HC. 2011 Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

“Las 7 puertas” es una obra de carácter colectivo que toma como punto de partida los innumerables testimonios carcelarios que asocian el tiempo vivido en prisión a la idea de “tiempo muerto”, y pretende abordar el tema desde la visión y experiencia personal de sus protagonistas. Siete internos de la antigua cárcel de Palma acercándose al final de su tiempo de reclusión dejan la huella de su propio testimonio incita sobre el viejo edificio de la prisión, también próximo a su desaparición, grabando sus reflexiones y pensamientos sobre las puertas de hierro de siete celdas contiguas a modo de epitafio, homenaje o recordatorio, para ser luego recuperados por medio del arranque completo de la superficie mural del pasillo de la galería. La huella de este lugar, este tiempo y estas personas quedan de este modo registradas en un archivo físico que puede llegar a contener la memoria de la prisión y de ellos mismos.

La pieza arrancada se acompaña de un grupo de siete fotografías que documentan el estado de cada una de las puertas durante alguna de las fases de la intervención. Las siete fotografías quedan protegidas por cubiertas de encuadernación a modo de libro.
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Patricia Gómez y María Jesús González. “Las 7 puertas”.Incisión sobre puertas de hierro / Arranque de pared sobre tela (2,80 x 16 mt.)Libro de 7 fotografías* (57 x 83 cm. aprox). 2011. Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

Mª Jesús González Fernández (Valencia, 1978) y Patricia Gómez Villaescusa (Valencia, 1978)

Licenciadas en Bellas Artes. Universidad Politécnica de Valencia. 2002
Estudios de Historia del Arte. Universidad de Valencia. 2003-2006
Estudios de Doctorado, especialidad Grabado y Estampación. Universidad Politécnica de Valencia. 2003-2009
Diploma de Estudios Avanzados. Universidad Politécnica de Valencia. 2012

 

Ting Ting Cheng

Indica el artista:

“El proyecto “I judge a book by its cover” (Juzgo un libro por su cubierta) explora las relaciones entre el lenguaje, la identidad y lo relacionado con países extranjeros. En el proyecto he mezclado libros de lenguas extranjeras que escogí en una biblioteca, los he apilado y fotografiado de lado. Los espectadores no pueden adivinar así en qué idioma están escritos los libros. El lenguaje, en nuestra sociedad, funciona como un mecanismo de selección. Selecciona su público, decide quién será capaz de leer los libros.

Eligiendo al azar libros escritos en idiomas que no entendía, me puse en la piel de un “outsider cultural” (persona ajena a la cultura), eso me hizo “juzgar un libro por su cubierta”, hecho que demuestra la distancia entre las diferentes culturas y de qué modo la nacionalidad o la identidad influye en cómo la gente juzga a los demás en nuestra sociedad.

Ocultando de esta manera el idioma y el contenido de los libros, tengo la intención de alejar a los espectadores de lo que está escondido en las diferentes culturas, imitando el proceso de selección del idioma que en nuestra vida cotidiana simboliza las barreras entre las personas de diversos orígenes. Además, la información de los libros permanece desconocida, y aunque en la imagen aparezcan en tamaño ampliado, los libros han perdido aquí su función, y se han convertido en una estatua, una torre, algo similar a una Torre de Babel, simbolizando la divergencia y la barrera creada por los diferentes idiomas”.

Ting-Ting Cheng (Taipei, Taiwan, 1985) es BA Advertisement and Public Relationship, Fujen University, Taipei (2008) y MA  Photographic studies of University of Westminster, London (2009)-

 

T. T. Cheng - Bangali Books

 Ting Ting Cheng. “Bangali Books” (de la serie “I judge a book by its cover”). Fotografía, impresión Lamda enmarcada en madera. 90×90 cm. 10 ejemplares. Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

T.T. Cheng-Hindi Books

Ting Ting Cheng. “Hindi Books” (de la serie “I judge a book by its cover”). Fotografía, impresión Lamda enmarcada en madera. 90×90 cm. 10 ejemplares. Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

Ting Ting Cheng - Russian Books

Ting Ting Cheng. “Russian Books” (de la serie “I judge a book by its cover”). Fotografía, impresión Lamda enmarcada en madera. 90×90 cm. 10 ejemplares. Imagen cortesía de Addaya Centre d´Art Contemporani.

 

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GALERIA ALBA CABRERA. VALENCIA, ESPAÑA.

Directora: Graciela Devincenzi

www.albacabrera.com

La propuesta de la Galería Alba Cabrera para esta edición de JUSTMAD consiste en presentar los trabajos de tres jóvenes artistas de la galería: Gustavo Díaz Sosa, Fabio Camarotta, y Moisés Yagües. Todos ellos reflexionan sobre distintos aspectos de las preocupaciones del hombre en estos días.

Artistas en la feria: Gustavo Díaz Sosa, Fabio Camarotta, y Moisés Yagües

Gustavo Díaz Sosa (Cuba, 1983)

Joven artista cubano, su inspiración casi siempre parte de la literatura, y en este caso, concretamente de Kafka (“El proceso”).

Inmerso en una atmósfera agobiante, el hombre es juzgado, torturado y condenado. El artista plantea escenografías muy teatrales, cargadas de dramatismo, y en su centro sitúa al hombre solo, rodeado de un mundo absurdamente extraño, sillas vacías, escaleras que intentan llegar al cielo sin conseguirlo jamás, buscando certidumbres y salidas a situaciones angustiantes.

Su inconfundible lenguaje plástico está protagonizado por un intenso y magnífico dibujo sobre superficies cargadas de texturas. Así mismo, introduce pequeños textos a modo de autoafirmación y reforzando las cuestiones metafísicas que le preocupan y seducen al mismo tiempo.

Huérfanos de Babel.Gustavo Díaz Sosa. “Huérfanos de Babel”. Imagen cortesía de Galería Alba Cabrera.

Fabio Camarotta (Argentina, 1969)

Joven artista argentino radicado desde hace tres años en España, Fabio Camarotta centra su trabajo en el cuerpo físico, y más concretamente en la necesidad del hombre de individualización. En este caso recurre al tatuaje. El tatuado reafirma su unicidad con dibujos y grafismos exclusivos, con marcas sobre la superficie de su piel, identificándose así con determinadas tribus o grupos humanos, y, aun así, diferenciándose de los otros. Marcando una clara tendencia estética y en todo momento cargado de simbología.

Al ver por primera vez la obra de Fabio Camarotta podemos pensar en una foto pixelada, pero en realidad todo es pintura. Su proceso, al que él llamó “Pressed paints” (pinturas prensadas), consiste en dibujar sobre un tablero la imagen deseada, cuadricular el mismo, y a partir de allí rellenar esa superficie con grandes goterones de pintura en gama de grises (36 tonos). El artista debe tener muy claro lo que busca y saberlo ejecutar con maestría, ya que el tiempo seca la pintura con relativa rapidez; el artista coloca un grueso cristal encima y presiona, con lo cual los goterones se expanden creando ese aspecto pixelado.

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2b. Tatoo you II,  Díptico. 2012. Acrílico sobre tabla, prensado con cristal. 200 x 100 cm.

Fabio Camarotta. “Tatoo you II”, Díptico. 2012. Acrílico sobre tabla, prensado con cristal. 200 x 100 cm. Imagen cortesía de Galería Alba Cabrera.

Moisés Yagües (Murcia, España, 1972)

Este  artista murciano nos presenta parte de la obra de su serie “Don´t Happy, be worry”. En palabras de José Luis Pérez Pont, Yagües “tiene una clara voluntad de violentar, de poner en cuestión, a la vez que elige el lenguaje de la sátira como herramienta jocosa de azote”.

Sus personajes son la representación de la incomodidad y la contradicción que les ha tocado vivir, un símbolo de la desesperanza que se ha instalado en nuestra sociedad y que es tratada por el artista de un modo fresco pero sin concesiones.

Una obra que invita al espectador a la proximidad, que busca su complicidad mediante una representación suave, para desarrollar en paralelo un ejercicio crítico con el que interpela a la conciencia colectiva del presente más inmediato. “Moisés nos muestra personajes solitarios haciendo equilibrios, funambulistas mirando al abismo, riéndose de sí mismos, fondos sutiles y personajes dibujados con sensibilidad; pero estos personajes llevan el peso del mundo en sus espaldas”.

Moisés Yagües_xtrartMoisés Yagües. Imagen cortesía de Galería Alba Cabrera.

 

Pepe Yagües, “La voz del deseo”

Paralelamente a la preparación de la feria, la Galería Alba Cabrera está ultimando la próxima exposición en su espacio, que se inaugurará el jueves 7 de febrero. En esta ocasión se trata de Pepe Yagües con “La voz del deseo”, en la que nos propone un recorrido por las múltiples disciplinas que trabaja: el dibujo, la pintura y, por supuesto, la escultura.

A través de sus múltiples expresiones, Yagües nos propone un paseo por la mitología clásica; los mitos de Ícaro, Dédalo, Pigmalión, el Minotauro cretense, Dánae, el caballo de Troya, Pasifae, utilizando no sólo los recursos plásticos, sino la ironía y el sarcasmo para distanciarse de ellos, a través de títulos, separación de palabras y juegos lingüísticos. Recupera las leyendas no solo para dar testimonio de ellas, sino para producir la empatía con quien las observa. Utiliza diversos materiales y técnicas y hace gala de un virtuosismo desenfadado, laborioso y exigente.

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Pepe Yagües. “Torre de marfil”.Objetos, nogalina y papel. 118x87x 5 cm. Imagen cortesía de Galería Alba Cabrera.

En toda su obra se puede constatar la exigencia  que el artista se plantea, el concepto que trasciende la pura belleza formal, y lo que comunica a su interlocutor; el mensaje o historia que narra la propia obra. El dominio de las distintas técnicas nos procura la visión de una obra refinada y poética.

Como expresa Julián Pérez Páez: “La obra de Yagües es el resultado de su práctica del culto de lo profano. De mirada desacralizada  y  desacralizadora, aunque ensaya con los mitos es desmitificador, la ironía es para él una estrategia. El contemplar la bondad de la naturaleza le lleva a establecer un discurso pagano sobre el cuerpo. Como ocurre en la mitología grecolatina, los dioses poseen atributos humanos, y aún inmortales, sus anhelos se muestran en una dimensión carnal. No encontramos una interpretación trascendente sino una simplificación de nuestros dilemas intelectuales a meras cuestiones elementales, fisiológicas”.

Sus obras se encuentran en la Fundación Pablo Neruda, Chile, Fundación Federico García Lorca, Madrid y Granada, Justerein Bad Salzdetfurth, Bodemburg, Alemania; Universidad de Murcia. Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella, Fundación Cañada Blanch, Valencia, Calcografía Nacional, Madrid; Fundación Michelín, Paris, Fundación Palau i Fabre, Caldes d´Estrac, Barcelona, Fundación Jorge Luis Borges, Buenos Aires.
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GALERIA ÁNGELES BAÑOS. BADAJOZ, ESPAÑA.

Directora: Ángeles Baños

 http://www.galeriaangelesb.com/

 

Artistas en la feria:

Los artistas presentados por la galería pacense en el programa general son: Andrés Pachón, Ignacio Bautista (“Mutiu”) y Manuel Antonio Domínguez.

 

Andrés Pachón (Madrid, 1985)

En sus trabajos trata de escenificar, representar, cómo nuestra realidad social se sustenta sobre un soporte ficticio, conformado por el imaginario mediático y cultural (con sus fantasías y mitos), así como por la ficción simbólica (lenguaje). Para ello se sirve de distintas estrategias, en torno al vídeo y la fotografía, que ayudan a discernir y reconocer estas ficciones.

La obra que el artista lleva a JUSTMAD lleva por título “Dioramas”. Trata de los primeros documentos audiovisuales de tierras lejanas que nunca antes fueron vistas, la posibilidad de contemplar lo inaccesible: el Nepal y el Polo Norte. Deseos de un nuevo “orientalismo” que nos sorprendiera con las maravillas de nuevas etnografías.

El documento del documento que se desvanece, el descrédito del realismo documental y de la existencia de algún otro lugar más allá de sus proyecciones imaginadas. Dioramas paisajísticos, un interfaz de posibilidades infinitas que ya no necesitan del testimonio referencial, siempre y cuando nos empujen a fantasear y a imaginar, pues la imaginación es una impresión de lo otro, de lo diferente, que no consigue ninguna captura concreta.

xtrartAndrés Pachón. “Diorama 03”, 2013 Video digital proyectado en bucle. Duración: 37 seg. Imágenes cortesía de Galería Ángeles Baños.

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Andrés Pachón. “Evidencia 01” y “Evidencia 02”, 2013. Impresión digital 13×20 cm. Imágenes cortesía de Galería Ángeles Baños.

Ignacio Bautista, “Mutiu” (Madrid, 1982)

Bautista es Licenciado en Bellas Artes por la universidad CES Felipe II de Aranjuez, UCM. Además cursó estudios de Diplomatura en Biblioteconomía y Documentación en la Universidad Carlos III Madrid. Dentro de su formación en el arte de la escultura destaca por haber sido el Asistente del escultor Curro Ulzurrum durante los años del 2007 al 2009, además de haber sido asistente del colectivo Los Carpinteros desde el 2011 al 2012.

El artista presenta para JUSTMAD la obra titulada “Civilización”. Una gran parte de las imágenes que se publican hoy en día tienen una naturaleza electrónica, se forman mediante píxeles (acrónimo del inglés “picture element” o “elemento imagen”). El píxel es la menor unidad homogénea de color y la sucesión de estos marca la coherencia de la información presentada.

En ocasiones el autor o editor de estas imágenes las “pixeliza”, realiza en ellas modificaciones en la sucesión de píxeles alterando la coherencia inicial que se le “presupone” a  la imagen en el momento de su captación. La misma materia que forma  la imagen se utiliza para perder parte de su información. Estos píxeles han perdido su naturaleza inicial de mostrar para ocultar. “Civilización” es un intento de un nuevo inicio.

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Ignacio Bautista. Madera de samba con fondo blanco (medidas 29,5cm x 21 cm x 5,5cm) – Papel de periódico. Imagen cortesía de Galería Ángeles Baños.

 

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Ignacio Bautista.Madera de samba con fondo blanco (medidas 29,5cm x 21 cm x 5,5cm) – Papel de periódico. Imagenes cortesía de Galería Ángeles Baños.

 

Manuel Antonio Domínguez  (Huelva, 1976)  

Este artista se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Valencia, además de cursar un Máster en Producción Artística, con especialidad en Arte Público. Sus proyectos figurativos se centran en diversos aspectos del ser humano que plasma en su obra.

En el caso de la presente feria el artista presenta la serie titulada El producto serial”. Se centra en la revisión de los espacios militares y el adiestramiento del cuerpo en estos entornos. Espacios que contribuyen a mantener la existencia y la producción de unas formas rígidas de masculinidad, en las que los jóvenes pueden considerar que tienen que estar a la defensiva y en guardia para probar sus identidades masculinas.

El proyecto se sirve de imágenes de archivo para dar visibilidad de ciertas sexualidades en estos entornos, como por ejemplo, el mito de la homosexualidad imaginada, la sexualidad vuelta palabra o la ilegalidad de una relación.

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Manuel Antonio Domínguez. “Lo que queda atrapado en cemento”. Collage y acuarela.50x65cm. Imagen cortesía de Galería Ángeles Baños.

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ASM28. España

Directores: Antonio González y Alex Tejido

www.asm28.com

 

La galería Asm28 está centrada, comprometida e implicada con una arte que aborda las cuestiones de la sociedad actual, teniendo un claro interés por los nuevos formatos y apostando por un trato directo y cercano con los agentes culturales en un ámbito “glocal”. Tienen una constante y permanente curiosidad por conocer qué se está haciendo en este momento y quieren difundirlo para generar pensamiento.

Después de dos temporadas con espacio fijo tradicional ésta se ha transformado en galería nómada, realizando exposiciones de 2-3 días cada 2 meses en distintos locales de Madrid.

Artistas en la feria

Diana Larrea, Félix Fernández y Mauro Fariñas

Mauro Fariñas (Madrid, 1982)

“House Taken Over” es una serie de una veintena de fotografías, realizada en Berlín a lo largo del pasado año. En ella se hace uso de una iluminación saturada, de filtros que desvirtúan la imagen, y de una omnipresente nube de humo de densidad variable, para quebrar el espacio doméstico. Este espacio y esta atmósfera funcionan como elemento unificador de la serie, a lo largo de la cual juegos formales de variaciones y repeticiones apuntan al tedio del “esto ya lo he visto”, para abrirse a ulteriores temas e interpretaciones –predominantemente, la jaula de oro y el fin de fiesta-. El reposo confundido con la tensión, o viceversa.

House_ Taken_ Over_xtrart_asm28Mauro Fariñas. “House Taken Over (Hands)”. 2012. Fotografía color digital enmarcada. 50 x 60 cm. Edición de 5. Imagen cortesía de ASM28.

Félix Fernández (Lugo, 1977)

Se trata de un proyecto en proceso en el que vídeo, performance, fotografía y comunicación son los principales soportes. Este aborda la construcción artificial de un ídolo por parte de la industria musical. Jëan Fixx, que así se llama el personaje de dicho proyecto- relato, nos remite directamente a las características comunes de otros personajes icónicos, como son: la documentación exacerbada de su imagen y su permanencia en el tiempo, la motivación de trascender más allá de su vida y la necesidad de dar un sentido elevado a su existencia a través de su imagen y sus actos. Se realizará una presentación pública de Jëan Fixx el viernes 15 en el stand nº 5 de ASM28 en JUSTMAD.

Félix_ Fernández_xtrart_asm28Félix Fernández. “Materialización para la eternidad I”. 2013. Fotografía montada en cajas de CD y soporte rígido. 45 x 40 cm. Edición de 3. Imagen cortesía de ASM28.

Diana Larrea (Madrid, 1972)

La serie presentada en JUSTMAD se titula “Colección de estampas históricas” y está inspirada en los grabados de Goya de los “Desastres”, haciendo una reflexión sobre la violencia desatada durante los estados de guerra. En los dibujos se aprecian imágenes procedentes de algunos de los más significativos conflictos que ha sufrido el mundo contemporáneo, desde la Guerra Civil española, la II Guerra Mundial, hasta la reciente Guerra de Irak. Todas las imágenes están basadas en escenas auténticas procedentes de la propia historia, y en ellas se mezclan diversos acontecimientos reales pertenecientes a distintos momentos temporales.

Ya es tarde

Diana Larrea. “Ya es tarde (Colección de estampas históricas)”. 2004. Dibujo a grafito. 30 x 40 cm. Edición: única. Imagen cortesía de ASM28.

 

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CASA CUADRADA. BOGOTÁ. COLOMBIA

Directores: Luis Octavio Almansa

www.casacuadrada.com

 

La Galería Casa Cuadrada tiene por objeto proporcionar un espacio nuevo para el arte contemporáneo, un espacio abierto a nuevas propuestas, comprometido con los nacientes talentos, presentando los trabajos de jóvenes artistas emergentes o de artistas internacionales cuya labor logra ser relevante.

La audiencia de sus exposiciones de arte contemporáneo ha aumentado considerablemente durante los últimos años, las cuales han sido percibidas como generadoras de conciencia y han incrementado el interés extranjero en el arte contemporáneo de Colombia.

Desde que la Galería Casa Cuadrada abrió sus puertas por primera vez en el año 1998, se ha dedicado en incrementar en el público su interés en el arte contemporáneo, siendo eje de nuevos procesos, movimientos y planteamientos que vienen renovando el acontecer del arte colombiano.

De los muchos artistas que han expuesto en la Galería Casa Cuadrada, varios de ellos han proyectado sus carreras y han convertido este espacio cultural en un trampolín para los artistas jóvenes.

A partir del 2002 inicia gestiones de promoción y divulgación en arte a nivel nacional e internacional, creando el Salón Nacional de Arte – DIVERSIDAD, organizando exposiciones fuera de Bogotá con el patrocinio de entidades privadas y participando en ferias internacionales. En el transcurso de sus más de catorce años, se han generado procesos donde han participado artistas extranjeros en formación, dentro de un programa de intercambio de exposiciones entre galerías e instituciones que apoyan proyectos a nivel mundial; en la actualidad, se vienen desarrollando convenios con instituciones en Europa, para poder trabajar en conjunto proyectos en el área de las artes plásticas, siendo su objetivo principal las residencias artísticas para colombianos en diversos lugares.

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Imagen cortesía de Galería Casa Cuadrada.

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CASA FALCONIERI. CERDEÑA, ITALIA

Directora: Gabriella Locci

http://www.casafalconieri.it/

 

Artistas en la feria

Rafa Angulo, Gabriella Locci y Veronica Gambula

 

Rafa Angulo

Indica Manuela Sevilla en un fragmento de “Rafa Angulo,  Realidad  – Ficción”:

“La luz es un elemento que está presente en todo proceso de comunicación visual;  contiene denotaciones y connotaciones que se integran en el mensaje y las valoraciones que se pueden hacer de la misma son múltiples. Reflejarse, ser reflejado, mezclarse y fundirse con el otro, incluso hacerse paisaje.

Toda imagen es solo un conjunto de reflejos que no controlamos, y de lo que no controlamos es desde donde a veces aflora la verdad o las preguntas sin respuesta; el proceso de trabajo de Rafa Angulo es intuitivo, surge de la natural experimentación con los materiales, formas  e imágenes que plasma en la atmósfera de reflejos de sus experiencias personales.

Su obra mantiene un proceso inconcluso en el que el propio espectador debe involucrarse accediendo a poner un final al film. Un final libre y abierto a la imaginación de cada uno pero que hace plantearse los reflejos que van del blanco al negro, de la imaginación utópica a la experiencia real, de los límites de la ingenuidad que debemos aprender a perder para poder llegar a visualizar el acercamiento a los demás de una forma objetiva propia, alejada de ese pre-elaborado subconsciente  colectivo”.

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Rafa Angulo. “Isla de la memoria”. 2012. Tinta UVI sobre tabla. 40×40 cm. Imagen cortesía de Casa Falconieri.

 

Gabriella Locci

Escribe Ivo Serafino Fenu:

“Desde hace unos años dirige una rigurosa investigación artística caracterizada por un fuerte impacto visual y por una penetrante carga dramática. El suyo es un universo visual, que fácilmente se enmarca en un ámbito del arte informal, y que se puede reconducir a una abstracción lírico/expresionista que investiga las posibilidades más íntimas de la materia, del color, del signo y del gesto, en lugar de definir formas y objetos, que están generalmente ausentes o  son apenas perceptibles.

Sin embargo, la artista cagliaritana, en su producción más reciente, que siempre es apoyada por una violenta gestualidad de raíz pictórica, crea una poética del “mapa” no exento de elementos figurativos: son mapas interiores, que señalan caminos obscuros de la mente y zonas del espíritu difícilmente transitables. Por tanto, mapas y caminos originados por un flujo que desde el inconsciente parecen surgir en la dimensión de la consciencia, quedándose, sin embargo, resbaladizos y cenagosos, viviendo en esa zona de sombra, en los confines que separan los dos mundos, y que señalan la ruptura entre razón e irracionalidad para, finalmente, distinguir la forma de lo amorfo.

En la última producción de Gabriella Locci, aparece, como ya he mencionado con anterioridad y cada vez con más frecuencia, – junto a las habituales y ambiguas formas figurativas que eluden a partes anatómicas laceradas, a heridas bañadas en sangre o eróticamente mostradas, con antros y refugios uterinos, o incluso, con extraños autorretratos que evidencian una continua y sufrida excavación interior-, insertos fotográficos, visiones de una infancia lejana en apariencia feliz. Lo que evoca en una especie de “léxico familiar”, fragmentos de un pasado que aflora de los meandros oscuros de la memoria, interrogando y observando, destinados a permanecer sin resolver y ocultos”.

gabriella locciGabriella Locci.  “Memorie di un guardafili”. 2013. Óxido, fotografía, pan de oro y pintura sobre hierro. 250×200 cm. Imagen cortesía de Casa Falconieri.

Veronica Gambula

La investigación artística de Veronica Gambula refleja la sensibilidad y la fragilidad del alma humana. La melancolía es la constante de su obra. Describe hombres con grandes ojos oscurecidos, cuerpos esqueléticos y débiles, a veces asexuales, otra veces sexualmente definidos con pequeños tratos.

Hombres que, solos o en multitud, se desvanecen entre luces y sombras en una atmósfera velada y brumosa. El trabajo se desarrolla entre grabado, dibujo e instalación.

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Veronica Gambula. Imagen cortesía de Casa Falconieri.

 

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GALERIA EL MUSEO. BOGOTÁ, COLOMBIA.

Director: Luis Fernando Pradilla

 www.galeriaelmuseo.com

 

Artistas en la feria

Javier Vanegas, Sebastián Camacho y Manuel Calderón.

 

Javier Venegas (Bogotá, 1984)

Escribe Juan Gabriel Zorrilla (2012):

“Con su obra “VIP”, Javier Vanegas recontextualiza y explora la naturaleza indómita de las historias personales, sexuales y socia­les, al mismo tiempo que cuestiona la estabilidad de nuestras nociones socialmente instauradas, mediante el empleo de ico­nografía pictórica; imágenes en flux y permutaciones de ensam­blaje. Recopilar, retener y reencausar. Vanegas crea un univer­so nuevo de prosa “erótica” e imágenes pixeladas que ha sido construido a partir de más de siete años recolectando tarjetas promocionales de servicios sexuales y entretenimiento para adul­tos en la ciudad de Bogotá.

La obra sugiere un intercambio dinámico con una tendencia revisionista de orden más alto; es el marcador del lugar para nuestras experiencias e implica confianza activa en la mutabi­lidad del universo, del cuerpo, la sexualidad y la imagen; un or­den en el caos y la voluntad de predicar con el ejemplo de los pioneros que exploran géneros fronterizos”.

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Javier Venegas. “VIP Gustave Klimt, Retrato de Mada Primavesi”. Fotografía. 150×120 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería El Museo.

Manuel Calderón (Bogotá, 1987)

 ‘‘Dibujo sin límite’’

El dibujo como una acción es planteado repetidamente en la obra de Manuel Calderón, quien a través de complejos y monótonos procesos da cuenta del tiempo y el espacio en el que se desarrolla la vida del hombre contemporáneo. El cuerpo, siempre presente en sus obras, sirve de herramienta; es productor y receptor de sensaciones propias de la cotidianidad, las cuales exalta a través del manejo de las escalas, la serialidad y la repetición, así como el uso de los tiempos cíclicos.

Monotonía, constricción, limitación, rutina, frecuencia, horario, ha­bitar, repetición, orden y caos son términos que hacen parte de un tramado tan fino como simple de conceptos sobre los que se despla­za el trabajo del artista.

En su dibujar minucioso y obsesivo, Manuel Calderón utiliza siempre técnicas tan académicas y ancestrales como lo son el lápiz, carboncillo, pastel o tinta, siempre sobre papel. No obstante, su investigación se centra en abarcar distintos medios y lenguajes propios de un artista con­temporáneo. Es así como a través de estas técnicas tradicionales e imponiéndose a la preconcepción bidimensional del dibujo crea ob­jetos, instalaciones, animaciones, videos y acciones. De esta manera, desplaza al dibujo de su campo bidimensional, para aliarlo con el espacio y el tiempo.

La fotografía y el vídeo son recursos importantes en su producción, al igual que sus lápices y borradores. Continuamente realiza compo­siciones fotográficas apropiándose de la luz para señalar posturas, gestos, texturas y acciones de un cuerpo que después reproducirá con fidelidad en un gesto intenso mediado por su propio cuerpo.

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 Manuel Calderón.  Detalle del proyecto” Mecánicamente”, 2012. Dibujo en tinta sobre papel y animación. 10x7x10 cm. Imagen cortesía de Galería El Museo

 

Sebastián Camacho

Indica el propio artista:

“Las imágenes de las cuales yo parto son habitualmente fotografías obtenidas de Internet que no tienen ninguna pretensión estética anunciada. En la acción de seleccionarlas como posibles referencias actúa una intención plástica al pensarlas como potenciales pinturas, convirtiendo esa imagen, que originalmente funcionó como testimonio, en un esquema de experimentación sensible de ser variado y trastocado en beneficio de la pintura que se va construyendo. Este proceso se encamina bajo la ilusión de poder retener ese tiempo que se escapa en el acto de pintar, retardando esas fuerzas que se hacen latentes en la imagen y que esperan ser sentidas en el cuerpo de quien las mira”.

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Sebastián Camacho. “Action painted III (Después)”, Óleo sobre papel, 130 cm x 130 cm (variables). 2011. Imagen cortesía de Galería El Museo

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GALERÍA ESPACIO VALVERDE. MADRID, ESPAÑA.

Directores: Asela Pérez Becerril y Jacobo Fitz-James Stuart

www.espaciovalverde.com 

Escriben sus fundadores:

“Fundada en 2009, Espacio Valverde ha jugado un papel importante en la introducción y promoción de artistas emergentes a través de la elaboración de proyectos que los apoyan. Al margen de las exposiciones, la galería tiene un montón de actividades multidisciplinarias con escritores, músicos e intelectuales, que hacen del espacio un lugar de encuentro para todo tipo de iniciativas y actividades.

Espacio Valverde apoya a artistas que crean obras coherentes, que contribuyen a mejorar el mundo en que vivimos, que llevan al público a reflexionar. Creemos que la importancia de lo visual es tan importante o incluso más que lo conceptual. Apoyamos el talento de los nuevos artistas, su inteligencia y sensibilidad poética, buscando aquellos trabajos que producen un rápido impacto visual.

Los movimientos de masas colectivas que comenzaron el 15 de marzo en Madrid y que han inspirado movimientos internacionales como Occupy Wall Street, nos han demostrado que a pesar del cambio del sistema político, nuestra generación ha perdido la capacidad de definir una agenda política clara.

Creemos que el primer paso en el cambio de nuestra actitud es tomar el control de nuestro espacio privado, y su relación con nuestras realidades cotidianas. Esta es una de las razones de la presentación de un proyecto en solitario con Elena Alonso, que representa a todos los que defendemos el Espacio Valverde. Ella refleja el trabajo duro y la capacidad de construir un mundo inteligente, coherente que puede transformar nuestra experiencia diaria. Elena Alonso nos desafía a encontrar nuestro propio uso de las cosas”.

 

Artistas en la feria

Elena Alonso, Hugo Bruce y Juan Chillida

 

Elena Alonso (Madrid, 1981)

Se licenció en Bella Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2006, completando su formación académica en otras ciudades como Estocolmo (Kungliga Konsthögskolan, 2004),  Pontevedra (Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, 2005-2006) y Helsinki (Kuvataide Akatemia, 2007). En 2010 finalizó el Máster en Arte, Creación e Investigación de la UCM y actualmente vive y trabaja en Madrid, donde trabaja en la investigación de su Doctorado.

Además de desarrollar sus proyectos personales, principalmente mediante el dibujo, es “cabecilla” del proyecto colectivo de arte público “Comiendo Terreno”. Todo su trabajo se desarrolla bajo el interés por establecer y propiciar relaciones de afecto y proximidad, aplicado tanto a los modos de hacer como a las herramientas y conceptos que maneja. Partiendo de esta actitud, termina conjugando acontecimientos de pequeña y gran escala mediante objetos y relaciones que son a su vez concretas e imprecisas, sencillas y trascendentes, táctiles y enigmáticas, comunes y extrañas… buscando elementos que aporten conflicto al consumo pasivo de objetos y experiencias. A esto se ha unido en los últimos años una importante vinculación con lo lúdico como contexto que posibilita la alteración de las normas y la creación de entornos propios.

Desarrollo su trabajo principalmente mediante el dibujo, un medio que le sirve para pensar y conjugar los distintos aspectos que trata en su obra. Como práctica y como método de construcción y representación, suele estar presente en todos sus trabajos, independientemente del formato que utiliza.

Este proceso está vinculado a problemáticas que encuentra en su entorno más próximo. Piensa en la progresiva desafección con el mundo que nos rodea y trata de aportar elementos o situaciones de conflicto para su normalización. Valora lo artesanal y lo lúdico en contraposición a la producción y el consumo pasivo de objetos y experiencias, algo que caracteriza tanto su modo de proceder como los resultados. Por otro lado, trata de generar espacios de indeterminación, jugando con lo concreto y lo impreciso, para buscar y propiciar formas propias de interiorización y transformación de lo que nos es dado. En los últimos años ha acentuado un acercamiento a métodos y formas propias de la arquitectura o el diseño.

 

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Elena Alonso. Sin título. [01#OD-Patrón III].Tinta sobre papel. 18 x 27 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

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Elena Alonso. Sin título. [01#OD-Patrón V].Técnica mixta sobre papel. 18 x 27 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

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Elena Alonso. Sin título. [01#OD-Satélite VIII]. Técnica mixta sobre papel. 27 x 18 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

 

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Elena Alonso. “OD#01”. Técnica mixta. 115 cm. ø x 90 cm. 2012 (En proceso de producción). Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

 

Hugo Bruce (Berkshire, Inglaterra, 1969)

Escultor desde el año 2005 y pintor desde 1993. Vive entre Londres y Barcelona. Sus esculturas representan los ciclos naturales de la vida y la muerte, y la capacidad de la naturaleza para metamorfosearse y evolucionar de manera inesperada. Las obras son alegorías en las que la vida parece seguir milagrosamente a la muerte, en forma de ramas frágiles y flores que brotan de los cráneos. Las plantas y las flores que crecen de las espinas de las figuras dan la idea de que estamos asistiendo a un extraño renacimiento de la vida. Hugo Bruce ha sido seleccionado y expuesto recientemente en “The Future can wait” de la Saatchi Gallery&Channel 4.

Su trabajo se basa en calaveras con cuerpos filiformes que copulan. Calaveras que se miran en el espejo que le ofrecen otras calaveras, y se disponen a besarse en su reflejo. Calaveras cuyo cuerpo es una rama florida que anuncia el renacimiento por venir. El arte de Hugo Bruce es un arte para la meditación. Para la meditación sobre la muerte y sobre la vida, sobre la muerte que es toda vida, desde el momento en que nacemos, y sobre la vida que es toda muerte, desde el momento en que el alma remonta el vuelo para emprender esa nueva jornada. Una meditación, en fin, sobre ese cruce de vida y muerte que es el enigma de la Cruz.

Presentes sucesiones de difunto que surgen de la semilla de un cuerpo fatigado como si fuese el dichoso parto de un amor tan alto que atenta incluso contra la vida. Presentes sucesiones de difunto que Hugo Bruce realiza como exquisito orfebre, orfebre del Ser y del No-Ser, y que presenta en la clausura de fanales como aquellos que protegen preciosos relojes o frágiles jarrones sobre las marmóreas chimeneas de los palacios, o como aquellos destinados a exhibir las raras y frágiles reliquias reunidas por Felipe II en El Escorial, si es que no están destinados a mostrar raros y frágiles artefactos, aquellas maravillas que guardaba en su “wunderkammer” Rodolfo II, el sobrino alquimista del Rey Prudente. Son tan raros y frágiles los inquietantes artefactos de Hugo Bruce como sólo puede serlo el abrazo del amor y la muerte.

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Hugo Bruce. “Otoño/Instinctos básicos I “(2012). Latón, plástico, tierra y fibras.Imagenes cortesía de Galería Espacio Valverde.

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Hugo Bruce. “Summer Loving” (2012) Latón, tierra, flores secas, etc. Imagenes cortesía de Galería Espacio Valverde.

 

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Hugo Bruce. “El luto” (2012) Latón, tierras, plástico, fibras. Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

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Hugo Bruce. “The Rites of Spring”. (2012) Latón, hierro, plástico, tierra y fibras. Imagen cortesía de Galería Espacio Valverde.

 

Juan Chillida

La obra de Juan Chillida puede entenderse de muchas maneras, como construcciones livianas, espacios mentales, o estructuras imaginarias, pero, de entre todas las metáforas que Juan emplea quizá la más precisa sea la de constelaciones.

Constelar es lo contrario a analizar; cuando uno analiza algo lo divide en partes o elementos simples con la esperanza de comprender algo nuevo tras el despiece. Constelar por el contrario es proyectar líneas sobre puntos aparentemente separados, construir una geometría emocional que nos permite reconocernos en el firmamento. El poeta constela y Juan Chillida es claramente un poeta. Uno no puede coger un poema y explicarlo a partir de sus versos, ocurre aquí el misterio de que en un poema “el todo” nunca es igual a “la suma de sus partes”. Por este motivo sería absurdo tratar de desmontar la obra de Juan Chillida o interrogar sus engranajes de manera desconsiderada. Lo único que podemos hacer es conectarla, constelarla como el hombre primitivo hacía con las estrellas.

Las obras de Juan Chillida inspiran muchas cosas, la casa, la selva, el ojo, la estación, la cabeza, el camino… comparten con el cielo nocturno, la poesía y la música su cualidad evocadora.

No muy lejos (ni muy cerca) de Urnieta, el pueblo donde vive Juan, se extienden a lo largo de la montaña una serie de círculos de piedras primitivos conocidos como los “Cronlech Pirenaicos”. Se sabe poco de la cultura que los edificó, pero al parecer proceden de una arcaica religión astral mesopotámica. Los  círculos de piedra representan estrellas y su diámetro y posición reflejan la posición y el brillo de los astros. ¿Para qué…? Esta gente trató de bajar trozos de cielo al suelo. Juan Chillida, con la misma perplejidad que ellos, recoge fragmentos estelares, los constela y fabrica seres, seres que nos hacen vibrar y nos sumergen en la inmensidad.

 

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Juan Chillida. Sin Título. Esculturas de alambre. 2011. Imágenes cortesía de Galería Espacio Valverde

 

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EVA RUIZ GALERIA. MADRID, ESPAÑA

Directora: Eva F. Ruiz

www.evaruizgaleria.com

 

Artistas en la feria

Rafa Munárriz y Luis Úrculo

 

Rafa Munárriz (Tudela, 1990)

“Cmyk no info” es un proyecto artístico que propone una campaña publicitaria sin información. La idea en sí se divide en dos formatos: intervención urbana, en la cual se desarrolla completamente el concepto; y exposición, donde se muestra la campaña a modo de propuesta. Esta división del proyecto queda conceptualizada en las ideas de propuesta y acción. Se propone el diálogo como intervención, el proyecto formaliza una respuesta complementaria a la información publicitaria recibida. La cual es interpretada por Rafael como un medio de comunicación en el que el receptor precisa de voz convirtiéndose así en objetivo de un exceso de información no requerida.

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Rafa Munárriz. Imagen cortesía de Eva Ruiz Galería.

El proyecto se basa concretamente en el método de impresión utilizado comúnmente en la edición de carteles publicitarios a través de la impresión Offset denominado impresión en cuatricromía a través del modelo CMYK. Sintetizando este modelo, la campaña publicitaria que propone consiste en la divulgación de carteles y flyers impresos en uno sólo de estos cuatro colores (Cyan, Magenta, Yellow, Key/Black), quedando como resultado una campaña publicitaria sin información consistente en un análisis de la cuatricromía y de la publicidad en sí.

 

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Rafa Munárriz. Imagen cortesía de Eva Ruiz Galería.

 

Luis Úrculo (Madrid, 1978)

“Ensayo sobre la ruina”, por Iván López Munuera:

“Construcciones en madera que, en cuestión de segundos, se autodestruyen ante la mirada del espectador; telas que se desenrollan para dejar ver sus estructuras y caer en extrañas coreografías; minuciosos atlas de detritus, astillas y materiales de desecho; arcos de triunfo y podios elaborados con restos de otras arquitecturas… Estas son algunas de las imágenes que ha generado Luis Úrculo en su “Ensayo sobre la ruina”. Una serie de reflexiones diferenciadas que han ido más allá del encanto por un tema determinado para convertirse en objeto de una intensa fascinación. Un culto a la ruina que, como señala Andreas Huyssen, ha devenido en una de las mayores obsesiones contemporáneas”.

Luis Úrculo_xtrart_1Luis Úrculo. Imagen cortesía de Eva Ruiz Galería.

“Porque la ruina solicita un posicionamiento cargado de nostalgia, es un llamamiento a un pasado que ya no existe, algo que, lejos de resultar conservador, cuestiona el estado actual de las cosas desde una posición reflexiva: elimina las nociones lineales de progreso, la confianza en el presente y, por tanto, esa posibilidad de esperar e imaginar otros futuros mejores. Al ser conscientes de otros mundos, de otros momentos y lugares que poco a poco se fueron derrumbando dejando insólitos testimonios, las ruinas no sólo permiten reflexionar sobre el pasado, sino sobre los inciertos tiempos por venir. Y, sin embargo, las piezas de Luis Úrculo no invocan lugares precisos, más bien señalan sensaciones; no generan un deseo de volver a otros tiempos, pero los recuerdan; no buscan un espacio puro, incontaminado y original, sino que tratan de celebrar lo diverso, lo ensamblado, lo aparentemente inútil”.

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Luis Úrculo. Imagen cortesía de Eva Ruiz Galería.

“A través de sus piezas establece un lugar desde el cual poder concebir y moldear futuros deseados, reparar en instantes inadvertidos del presente y, quién sabe, incluso inventar nuevos y excitantes pasados”.

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Luis Úrculo. Imagen cortesía de Eva Ruiz Galería.

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GALERIA FERNANDO PRADILLA. MADRID, ESPAÑA.

Directores: Fernando Pradilla y Marielo Góngora

 www.galeriafernandopradilla.com

Artistas en la feria

Starsky Brines, Diego Vallejo y Carlos Salazar Arenas

Carlos Salazar Arenas  (Colombia, 1973)

La obra de Carlos Salazar Arenas está fuertemente influida por el contexto histórico contemporáneo y en ese sentido funciona, en primera instancia, como una denuncia de las problemáticas mundiales, y en segunda, como un documento histórico que podría ser revisado en la posteridad. Fotografías que por el modo de circular pasan desapercibidas después de un tiempo, se traducen en pinturas que buscan dar mayor visibilidad a eventos históricos relacionados principalmente con impactantes acontecimientos políticos y sociales. Dice el artista: “Ante la inminencia del desastre, la impotencia de muchos de nosotros no nos permite otra cosa que ser espectadores y a medida que nos vemos afectados, nos tenemos que acomodar y  dejar que el temporal cese.”

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Carlos Salazar Arenas. “La letra con sangre entra”. Acrilico sobre MDF. 35×35 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Fernando Pradilla.

Starsky Brines (Venezuela, 1977)

Para Starsky Brines su pintura expresa imágenes de varios universos infantiles que desea conciliar con el adulto que existe en sus nociones del arte.  Su lenguaje pictórico está marcado por  determinadas claves emanadas de los movimientos artísticos de los años ochenta como son la violencia del neoexpresionismo europeo, el grafiti newyorkino o los murales urbanos de las grandes ciudades. También advertimos en sus obras  los signos de la nueva figuración latinoamericana. Brines crea un sujeto que parece haber sido extraído del cómic y de ciertas imágenes emblemáticas de la llamada cultura de masas. Su obra podemos identificarla por los grandes formatos y las largas secuencias de muy pequeñas series. Su color tiende a lo primario y con el mismo fundamenta el sentido del dibujo.

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Starsky Brines. “Brillo sin luz y sin arder”.Oleo, acuarela y esmalte industrial sobre papel.70×50 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Fernando Pradilla.

Diego Vallejo (España, 1986)

La obra que se presenta forma parten del proyecto “From a tree-house”. Ana Pol Colmenares afirma que “en él aparece de nuevo el paisaje como protagonista frente a un ser humano desplazado de la imagen, al que sólo se le intuye a través de ciertos rastros de luz. A partir de la idea de esa casa encaramada en el árbol, constitutiva de toda ensoñación infantil y que resulta a su vez ese espacio tan idóneo para la fabulación como para la vigilancia, Diego plantea una serie de pinturas que justamente participan de esta doble mirada inocente e inquisidora. En ellas se nos muestran casas, refugios, fragmentos de naturaleza, en los que siempre parece que “algo” está por pasar. Estos lugares donde lo humano ha sido borrado […], provienen aquí de pantallazos robados de escenas de películas y series de ciencia ficción. En este sentido, la exploración de “otros” lugares, que es una constante en la obra de Diego, recae sobre una ciencia ficción concreta: la que arrastra lo paranormal de lo extraño a lo cotidiano. No son los topos deslocalizados y ahistóricos presentes en otras películas del género; el germen de esta topografía arranca de una mirada que justamente la operación que articula es la de siniestralizar lo cotidiano…”.

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Diego Vallejo. “Ruin”. Oleo sobre tela. 180×195 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Fernando Pradilla.

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GALERÍA FRAN REUS. PALMA DE MALLORCA, ESPAÑA.

Director: Fran Reus

 www.galeriafranreus.com

 

La Galería Fran Reus nace el año 2003 en un enclave privilegiado del centro de Palma de Mallorca y tiene como principal objetivo la promoción del arte contemporáneo. Trabajando fundamentalmente con artistas vinculados a la isla, todas las manifestaciones artísticas actuales tienen cabida en el espacio expositivo, especialmente  vídeo, instalación, pintura y fotografía. La galería participa en las grandes citas culturales de la ciudad como la Nit de l´Art, Palma Photo y Palma Brunch.

Artistas en la feria

David Martín, Pejac y Julià Panadès

 

David Martín (Palma, 1978)

El artista mallorquín presenta para JUSTMAD la colección de viejos tapices reciclados con imágenes icónicas  que el autor ha trabajado para llevarlos a su terreno conceptual y estético.

 

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David Martín, “Kenedys”. Imagen cortesía de Galería Fran Reus.

Pejac (Santander, 1977)

Artista urbano,  invade el espacio expositivo con sus ya conocidos  murales y los collages de pequeño formato.  Presenta el proyecto “Esparcepájaros”, con sentido de crítica del mundo actual con dosis de humor negro.

Pejac es un artista inscrito en el mundo del “street art”, en sus obras utiliza el “stencil” o plantilla que utilizan algunos post-grafiteros globales. En estos dibujos refleja un sentido irónico de la realidad utilizando imágenes reconocidas mundialmente (como en este caso el espantapájaros) y a partir de estas establece un discurso en el que cuestiona el panorama mundial actual.

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Pejac, “Esparcepájaros”. Imagen cortesía de Galería Fran Reus.

 

Julià Panadès  (1980)

Después de una fructífera estancia en Shangái regresa para mostrarnos sus collages sobre papel  en los que los símbolos religiosos, iconos actuales y signos son protagonistas. La espiritualidad, la identidad personal y el humor se reflejan en sus trabajos.

El trabajo de Julià Panadès es el reflejo de la herencia ideológica de sus padres; de la generación de los 60, que han alcanzado el éxito profesional en disciplinas transpersonales, como son la de un psicólogo-psicoterapeuta y la de una profesora de yoga respectivamente, y seguidores de la práctica y filosofía meditativa.

En el trabajo de J.Panadès constantemente aparece la identidad y la espiritualidad. Es un constante juego de ambivalencias. Y en muchos de ellos queda patente la influencia de haber nacido en la isla de Mallorca. El humor es otro de los ingredientes esenciales a la hora de entender su trabajo, su presencia suele estar de manera más o menos camuflada en la mayoría de ellos. J.Panadès encuentra siempre inspiración en la física cuántica, en imágenes del pasado, en hipotéticos futuros o la moda.

Julià Panadès combina con desinhibición diferentes medios y soportes, como el collage, la ilustración, el video, la escultura o la instalación. Y una constante en su proceso de trabajo es la utilización de materiales reciclados o pobres, en consonancia con su conciencia social y ecológica.

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Julià Panadès, “New era Cool”. Imagen cortesía de Galería Fran Reus.

 

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HANS ALF GALLERY. DINAMARCA

Director: Hans Alf

www.hansalf.com

La galería Hans Alf  representa a un grupo de artistas contemporáneos que trabajan con diferentes medios y formas de expresión. La galería busca promocionar el arte danés contemporáneo y sacar adelante la próxima generación de artistas daneses e internacionales.

El perfil de esta galería de amplia visión se refleja en la manera que  le facilita a los artistas expresarse y que por esta razón encontrará en esta galería exhibiciones que son orientadas hacia proyectos que requieren tiempo y espacio para que los artistas experimenten con trabajos de desarrollo extendido en el tiempo.

Artistas en la feria

Maria Rubinke,  René Holm, y Anders Moseholm

Maria Rubinke (Dinamarca, 1985)

Sus pequeñas figuras de porcelana son reminiscentes de las composiciones ilógicas del surrealismo, transformando el carácter de lo que tradicionalmente se consideran objetos agradables y pasivos a expresiones de sentimientos considerados tabúes, que oscilan entre el deseo y el sadismo.

maria rubinkeMaria Rubinke. Imagen cortesía de Hans Alf Gallery.

René Holm (Dinamarca)

Es conocido por sus fuertes representaciones ambientales, que sientan las bases para la acción humana. Encontrarse cara a cara con obras de René Holm es como ver el mundo desde la perspectiva del “antihéroe”, donde todos los días problemas y cuestiones importantes se ocultan detrás de imágenes o planos, de obstáculos conceptuales ante los que nos despertamos para buscar en la parte posterior de los mismos.

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René Holm. “Outcast”. Óleo sobre lienzo. 150×140. Imagen cortesía de Hans Alf Gallery.

Anders Moseholm (Dinamarca, 1959)

Interpreta las construcciones arquitectónicas haciendo frente a paisajes y espacios urbanos con resultados de una modernidad vibrante y dinámica.

Se interesa por la estructura de los enormes edificios que simbolizan los fuertes valores humanos y ayuda a mantener las nociones absolutas de la naturaleza romántica o de la obra de arte divina.

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Anders Moseholm. “Hall of Red reflection”. Oilpainting. 150×200 cm. Imagen cortesía de Hans Alf Gallery.

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GALERIA JAVIER SILVA. VALLADOLID, ESPAÑA.

Director: Javier Silva

www.galeriajaviersilva.com

 

Indica su director:

“La Galería Javier Silva es un espacio joven, que nace con un proyecto esencialmente abierto, en el que la galería se concibe como un espacio dinámico cuyas fronteras trascienden las paredes de la sala. Pero sí tenemos claras algunas claves, entre las que está la de desarrollar una programación exigente y representar o colaborar con artistas reconocidos o emergentes de proyección nacional e internacional.

La idea es convertirnos lo antes posible en un espacio de referencia que acoja y aglutine a los creadores más relevantes de nuestro entorno y, al mismo tiempo, atraer a artistas que nos aporten una nueva mirada o nuevos lenguajes. Además, queremos convertirnos en un espacio abierto a diferentes iniciativas culturales y artísticas, un punto de encuentro de proyectos, reflexiones y experiencias en los que la creatividad, el intercambio, la innovación y la diversidad se configuren como conceptos clave.

En este sentido, la galería está abierta a la colaboración con operadores y gestores culturales, instituciones, comisarios, artistas, comunicadores y coleccionistas para aprovechar sinergias, concebir nuevas ideas y explorar y desarrollar proyectos conjuntos.

Incluso en un escenario tan complejo como el que presenta actualmente el arte contemporáneo en España, para nosotros es muy importante estar presente en ferias como JUSTMAD 2013, ya que las vemos como los instrumentos más eficaces que existen para impulsar el arte contemporáneo, compartir miradas, generar proyectos y crear redes”.

 

Artistas en la feria

Amélie Bouvier, Saelia Apario y Eduardo Alonso Rico

Amélie Bouvier (Paris, 1982)

Es licenciada en comunicación visual por la Universidad de Bellas Artes de Toulouse en 2008. Actualmente vive y trabaja entre Lisboa y Bruselas, donde desarrolla su trabajo como artista visual. Esta es la primera vez que su obra será presentada en España. Fue becaria de la segunda edición del programa Inov-art en 2010 y colaboró con el Centre d’édition contemporaine en Ginebra. Fue elegida por el público en el premio Jeunes Création del Centro de Arte Le Moulin des Artes de Saint-Remy (2011) y finalista del Premio CIC’Art (2011), ambos en Francia. Fue seleccionada para participar en el proyecto Rooms-Junho das Artes en Óbidos (2011), Portugal. En 2012 fue seleccionada para formar parte del Viewing Program-The drawing center en Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectiva internacionales como “Final Fight” (2008) y “L’Atélier des Ouragants” (2009) en el Centro de Arte Lieu-Commun de Toulouse, en el proyecto Correspondencia, en México (2011 e 2012) y más recientemente en “Snapshots” (2012) y “End of the World Party” en la galería Nadine Feront de Bruselas. Fue invitada a participar en la 16ª Bienal de Cerveira con el trabajo “Envelopper II” y en la 6ª Bienal de Arte e Cultura de Santo Tomé y Príncipe con el trabajo “Reseau(x)”.

“Um continuum em três tempos”, realizado para el 11º programa del Carpe Diem Arte y Investigación en Lisboa y “Pingue-Pongue: instante-intra-lugar” son sus trabajos individuales más recientes, realizados en 2012 en Portugal.

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Amélie Bouvier. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

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Amélie Bouvier. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

 

Saelia Aparicio (Ávila, 1982)

Una joven artista española que reside en Londres , a quien le gusta comparar, a través de su trabajo, planos del absurdo: el real en el que vivimos con las ficciones que crea. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Cuenca, desde 2006 está exponiendo su obra en instituciones, galerías y ferias como ARCO, Arte Santander, Arte Lisboa o JustMad Miami.

En sus propias palabras, “me obsesionan los sistemas, los convencionalismos que tenemos asumidos y que pueden ser considerados igual de arbitrarios que las ficciones que estoy construyendo, sólo que por costumbre y por la educación los aceptamos como razonables. Me gustaría que mi trabajo indujese a la reflexión. No a dirigirla, sino a propiciarla. Mis medios de trabajo son el dibujo, la escritura, las instalaciones con objetos encontrados, la animación y la combinación entre estos medios. Aunque siempre parto del dibujo no por ello me considero fiel a ninguna disciplina: Lo que persigo es crear un tipo de situaciones que no se podrían dar de otra manera que no fuese a través de esas imágenes creadas. Con ello construyo posibilidades y la propia obra queda convertida en una experiencia”.

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Saelia Aparicio. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

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Saelia Aparicio. Imagen cortesía Galería de Javier Silva.

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Saelia Aparicio. Imagen cortesía Galería de Javier Silva.

 

Eduardo Alonso Rico (Santander, 1972)

Se mueve en un contexto de multidisciplinariedad que bebe de las artes narrativas, la arquitectura y la tradición minimalista. En su proyecto “Días futuros” muestra un paisaje urbano en el que la  soledad, la incomunicación y el aislamiento son las características dominantes de un futuro posible que, sin lugar a dudas, funciona como una pesadilla, una distopía que encuentra sus correspondencias literarias en obras como “Un mundo feliz”  de Aldous Huxley o “1984”  de George Orwell.

En palabras de Javier Pérez Buján, Eduardo Alonso “recrea un espacio blanco, sin referencias geográficas, una cartografía imposible que es intervenida con sus maquetas, blancas y rojas, de una factura limpia que sugiere un silencio, no solo visual, sino también vivencial. Un espacio habitado por seres solitarios, perfectamente integrados en ese mundo distópico, ese no lugar que conforma una ciudad del futuro perfectamente funcional pero despojada del ruido, entendido este como la infinidad de elementos contingentes de la cotidianidad humana, provocados por la convivencia y la comunicación interpersonal, elementos definitorios de la polis que Eduardo Alonso elimina, para recrear un mundo en el que el azar no tiene cabida.

Sus personajes, habitantes de esos “Días futuros” que él bautiza como el extraño, encarna al hombre alienado (Marx) y unidimensional (Marcuse) que para Eduardo Alonso sería el habitante perfecto de esa distopía, auténtico futuro posible hacia el que puede estar caminando nuestra sociedad, inmersa en una espiral de productividad económica en la que la condición humana del individuo tiene cada vez menos importancia”.

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Eduardo Alonso Rico. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

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Eduardo Alonso Rico. Imagen cortesía de Galería Javier Silva.

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Eduardo Alonso Rico. Imagen cortesía Galería Javier Silva

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GALERIA KIR ROYAL. VALENCIA, ESPAÑA

Director: Juan Cárdenas y Jorge López

Web: www.kirroyal.es

Indican sus directores:

“Kir Royal Gallery nace con la idea de irrumpir hacia una nueva escena contemporánea como una galería de arte contemporáneo especializada en fotografía, un entorno contemporáneo coherente con el tiempo en el que esta se encuentra, un espacio donde se darán cita artistas de reconocido prestigio, nacionales e internacionales, junto con artistas emergentes. Kir Royal Gallery nace en octubre de 2011 como un espacio que nunca dejará de mutar, de cambiar y modificarse, un punto de encuentro, de discusión, un espacio generador y difusor de ideas, un medio con esperanzas renovadas.

La Propuesta para JUSTMAD es un conjunto de artistas jóvenes con una obra coherente y crítica que revisa el contexto del que son parte, desde las propias problemáticas del arte y los modelos de legitimación por Mariela Apollonio, pasando por Keke Vilabelda reinterpretando el paisaje desde las visiones de una cámara de vigilancia de tráfico a Cristina Otero autorretratando a modo de “Diario de adolescente” su mundo y los cambios que sufre una adolescente hoy en una era hipermediatizada”.

Artistas en la feria

Mariela Apollonio, Keke Vilabelda y Cristina Otero.

 

Mariela Apollonio (Argentina, 1979)

Es una artista residente enValencia. Su proyecto artístico para JUSTMAD 2013 es “El círculo del arte”. El proyecto, iniciado en 2008, es una reflexión sobre el mundo del arte, sobre los diferentes ámbitos que lo componen y sobre la relación que se establece entre ellos. Lo que ahora se muestra es una primera serie de fotografías representando a directores de museo, que tienen en común estar retratados de manera individual, sobre un pedestal blanco y ubicados dentro de un contexto arquitectónico preciso. En series posteriores de este proyecto se mostrará a otros estamentos que conforman lo que ha venido a denominarse el sistema del arte.

En estas fotografías vemos la personalización de una política artística o de una tendencia expositiva en la presencia cosificada de los protagonistas. Con su acción fotográfica la artista convierte a los expertos, aquellos que deciden qué mostrar y el modo como el público debe mirarlo dentro de las respectivas instituciones que dirigen o dirigieron, en objeto de mirada. Así pues, existe una inversión de roles en el hecho de que, quien determina qué es o no es obra de arte, deviene en sí mismo obra artística, a su vez representante última y significante máximo del entramado que conforma “El círculo del arte”.

Directores Miguel Zugaza 100x100 Mariela Apollonio Kir Royal Gallery

 Mariela Apollonio. “Miguel Zugaza. Director del Museo del Prado. Madrid 2002”.
Proyecto “El círculo del arte”, iniciado en el 2008. Fotografía. 100×100 cm.Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

El pedestal, como objeto pleno de simbología dentro del contexto de la historia del arte, actúa en este caso como la fisura que se interpone entre la persona y la arquitectura, escogida y tratada con detalle y minuciosidad. Existen tres elementos que intervienen y se entrelazan entre sí: arquitectura, pedestal y personaje. El personaje ocupa el espacio para mostrarse según las condiciones establecidas por la artista; el pedestal es el elemento que construye pensamiento y resignifica toda la escena, trastocando un significado (el de ser directores) para generar otro (convertirse en objeto de mirada).  Por su lado, la arquitectura es el marco donde la escena ocurre y es el escenario que dignifica al retratado, igualándose en importancia al personaje; representa también el contexto que envuelve las obras de arte y que otorga jerarquía y estatus, tanto de manera real como simbólica, a la escena. Los espacios elegidos, no necesariamente distintivos o identificables, simbolizan la institución, y devienen consistentes y creíbles a través de la arquitectura. La institución museo emplea la arquitectura para mostrar su significado, su rol, dentro de la ciudad y la sociedad donde acontece, así como su evolución en el tiempo.

Directores Vicente Todoli 100x100 Mariela Apollonio Kir Royal Gallery

Mariela Apollonio. “Vicente Todolí. Director de la Tate Modern de Londres. 2003-2010”.
Proyecto “El círculo del arte”, iniciado en el 2008. Fotografía. 100×100 cm. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Esta serie se inscribe en lo que ha venido a denominarse “fotografía escenificada”, donde todo lo mostrado recrea una situación e interviene en su contexto inmediato, alterándolo siquiera sutilmente. A su vez, existe una suerte de contradicción entre la aparente naturalidad de lo representado (aquello que es) y su cuidada planificación, aquello que parece o pretende ser, avivando el debate a propósito de la fotografía manipulada versus la fotografía documental.

El título de cada fotografía ofrece información suficiente como para que el espectador se sitúe, presentándose como una leyenda en su margen inferior que incluye el nombre del director, cargo, nombre de la institución y fecha de principio y final de su gestión. En los casos en que la persona mostrada aún se encuentre ejerciendo su cargo, sólo figura la fecha de inicio de su proyecto, reservándose para copias futuras la de conclusión, siempre que estas se produzcan posteriormente a esa fecha. La leyenda responde a la cualidad tipológica de la serie, la cual en tanto que serie, nos permite tomar distancia de un tema particular y concreto para acercarnos a otro de carácter más universal. Sospechamos que aquí no se habla de directores de museo de un país, ni se retrata un perfil determinado de gestión o institución, sino que más bien se representa una reflexión que los engloba e implica a todos.

 DirectoresThomas Campbell 100x100 Mariela Apollonio Kir Royal Gallery

Mariela Apollonio. “Thomas Campbell. Director del Museo Metropolitano de Nueva York. 2008”.
Proyecto “El círculo del arte” iniciado en el 2008. Fotografía. 100×100 cm. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

El título del proyecto, “El círculo del arte”, está tomado del libro de Georges Dickie, donde se plantea una revisión de la acuñada “teoría institucional” ya desarrollada por él en ensayos anteriores. Para él, el círculo, como figura que engloba todo y relaciona sus partes entre sí, es el símbolo de la relación de interdependencia que se establece entre los diferentes agentes del ámbito artístico. En este sentido, este proyecto posee varios niveles de interpretación, a modo de capas, y es pertinente, porque tiene una vinculación directa con las problemáticas del arte actual, reflexionando sobre el contexto donde se ubica. Asimismo, se posiciona en la historia del arte porque, si bien está armado desde la fotografía, es relevante dentro del ámbito artístico por varias razones, pero especialmente por dirigir la mirada, en un sentido amplio, hacia la institución: el espacio vital de las obras de arte.

 

Keke Vilabelda (Valencia, 1986)

Con un trabajo depurado y contemporáneo ha conseguido trasladar el lenguaje del paisaje al “metapaisaje” de la comunicación. Una obra con gran intensidad que deviene de la mirada fotográfica absorbida por la potencia geométrica encarnada en la descripción de sus formas ambientales. Un ascetismo vigilante que provoca en el espectador el sentido de documento y de información graduada un documento que participa en la crónica de una sociedad contemporánea vigilada por ojos vigías, cámaras y satélites. Keke, en su corta edad, ha logrado prestigiosos premios nacionales como el BMW de pintura y reconocimientos internacionales como la incorporación en NEW SENSATIONs en la prestigiosa Saatchi Gallery de Londres. Para la feria JUSTMAD presenta dos proyectos: “The Long Voyage” y “Acid-Houses”.

“The Long Voyage” es un proyecto donde el artista, trabajando a partir de imágenes apropiadas de cámaras de tráfico, nos propone un viaje imaginario a través distintos paisajes donde la ilusión y la realidad quedan superpuestas. Estos espacios capturados en movimiento dan paso a una imagen plana e intensa  donde se caracteriza e identifica la simplificación de detalles, la incorporación de mínimos elementos geométricos a modo de compases entre la superficie y el interior de la obra.

Los recorridos sugeridos existen en algún punto entre lo mental y lo físico, una realidad difusa, subrayando la experiencia de habitar el espacio evocado, generando, sin embargo, nuevas percepciones entre espacio y tiempo.

Por su parte, “Acid-Houses” muestra la fría y racional arquitectura de los bloques de viviendas, que se convierten en pretexto para establecer un juego visual y formal sobre la superficie de sus fachadas. Dos lenguajes complementarios se contraponen: por un lado la dureza del cemento, el estatismo de la objetividad fotográfica. Por otro lado los colores ácidos, el dinamismo del gesto y la flexibilidad de la pintura plástica.

Podemos hablar, en este caso, de hibridación, repetición y síntesis. Entornos de simulación construidos por capas que nos remiten a imágenes infográficas que nos hablan de sociedad, política, construcción, cemento, acción y reacción en una obra en continuo movimiento.

keke vilabelda AcidHouse III 195x144 cm  mixed media sobre cemento cortesia Kir Royal Gallery

Keke Vilabelda. “AcidHouse III”. Técnica mixta sobre cemento. 195×144 cm. 2012. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

keke vilabelda Mountain Pass I Acrilico y oleo sobre policarbonato 2012 cortesia kirroyal gallery

Keke Vilabelda. “Mountain Pass I”. Acrílico y óleo sobre policarbonato. 2012. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Keke Vilabelda Windscreen I  60x90 cm mixed media sobre metacrilato cortesia Kir Royal Gallery

Keke Vilabelda.”Windscreen I”. Técnica mixta sobre metacrilato. 60×90 cm. 2012. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Cristina Otero (Cadiz, 1995)

Con tan solo 15 años esta fotógrafa autodidacta ya ha revolucionado las redes y parte de su mundo. A los 13 años descubrió la fotografía y en sólo dos aporta una frescura y novedad indiscutible en cada uno de los autorretratos que nos muestra.  Expresividad, iluminación, metamorfosis… Una gran madurez puebla sus imágenes, aunque en ellas veamos las dudas y cambios que experimenta cada día una niña que se convierte en mujer. Fotos bellas, oscuras, alegres o muy tristes pero, sin duda, con una gran fuerza visual. Para JUSTMAD presenta El otro el mismo: otra para sí misma”.

“El otro el mismo: otra para sí misma” es una exploración de la adolescencia. El Otro, del lenguaje para hablar de lo que se implica y no se dice, lo implícito.  Los retratos como reafirmación de sí mismo y en ello la presencia del otro, de la complicidad y la colaboración del espectador para alcanzar cierto grado de semejanza y universalidad con el otro.

Mientras la identidad puede ser vista a través de diferentes supuestos del yo, no se puede pasar por alto la representación del otro para comprender la identidad del retratado, el disfraz que descubre en vez de tapar. Todo y nada. Claramente se trata de una construcción. Una pose materializada para un Otro. Una visión de la adolescencia desde el propio sentimiento, desde su interior. Como una representación de papeles derivados de la imaginación y la fantasía.

haunted1 100x100cm  Cristina Otero cortesia Kir Royal Gallery

 Cristina Otero . “Haunted1”. 2011. Fotografía 100×100 cm. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

black widow 90x110cm  Cristina Otero cortesia Kir Royal Gallery

Cristina Otero .”Black widow”. 2011. Fotografía. 90×110 cm. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

trauma 110x100 Cristina Otero cortesia Kir Royal Gallery

Cristina Otero . “Trauma”. 2011. Fotografía. 110×100 cm. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

 

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GALERÍA LA CAJA BLANCA. PALMA DE MALLORCA, ESPAÑA.

www.lacajablanca.com

 

La Caja Blanca es una galería de arte independiente, especializada en producir proyectos de artistas contemporáneos y emergentes.
Los proyectos de La Caja Blanca se llevan a cabo en su sala de exposiciones, así como en otros espacios públicos y privados.

galeria caja blanca

Imagen cortesía de La Caja Blanca.

 

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GALERÍA LIEBRE. MADRID, ESPAÑA.

Directores: Isabel Gómez y Kike Luengo

www.galerialiebre.es

Dicen sus directores:

“La Galería Liebre abre sus puertas en octubre de 2011 con el propósito de apoyar el arte joven, apostando por los artistas emergentes. Además de exponer y comercializar la obra de estos artistas, Liebre se propone ser una plataforma de difusión del arte en todas sus vertientes, organizando charlas, cursos, presentación de proyectos, etc. No nos dirigimos sólo a un público experto, sino también a un colectivo más amplio, como los nuevos coleccionistas y todo aquel que se quiera iniciar en el arte contemporáneo. Una de las formas en que puedes apoyar la creación contemporánea desde nuestra galería es haciéndote “Amigo de Liebre” o abriendo una “Cuenta de arte”.

Artistas en la feria

Jesús Moreno, YES, Guillermo Peñalver y Bonus-extra

 

Jesús Moreno, YES (Madrid, 1991)

De forma autodidacta se inicia pronto en el mundo del graffiti y la personalización de productos, adquiriendo el apodo de YES. En 2009 se matricula en la Facultad de Bellas Artes de la UCM. El rasgo principal que caracteriza su obra reside en las formas de color plano que se corresponden entre sí; que conducen y conectan caminos para hacer posibles múltiples lecturas desde diferentes miradas. A través de una simbología inocente y muy personal hace al espectador dueño de toda interpretación. El libre pensamiento y la creencia aleatoria son fundamentales en la observación de sus imágenes. Las superficies planas le permiten entender el color en sí mismo, su funcionamiento depende directamente de los que se sitúan a su alrededor y así, mediante la simplicidad pictórica, con formas frías y estáticas trabaja también el aspecto sublime de  los colores y su capacidad para trasladarnos a otras dimensiones magníficas. Actualmente compagina producción y estudios con su actividad en la Galería Liebre (Madrid), días de graffiti y otros eventos.

 

“Gusanoides” es el título del trabajo que Jesús Moreno, YES

 Jesús Moreno.“Gusanoides” .Técnica mixta. Medidas variables. 2012. Imagen cortesía de Galería Liebre.

Guillermo Peñalver (Tarragona, 1982).

Actualmente vive y trabaja en Madrid.

Escribe sobre Peñalver Andrés Pachón en “Un eterno durante (Madrid, 20  de noviembre de 2011):

“Las imágenes que se encuadran en el proyecto “Un eterno durante”plantean una lucha entre naturaleza y arquitectura. Estos cuadros instauran un momento decisivo en la escisión que surge entre lo natural y lo artificial, el momento justo en el que las cosas comienzan a surgir, el momento en el que todo estalla. Una ruptura, una explosión que hace que el mundo se tambalee y salte por los aires, partiéndose en dos.

Esta arquitectura atacada y ultrajada es femenina, tiene piernas, tiene tacones, nos recuerda a la “Femme Maison” de Louise Bourgeois. Tras adentrarnos en el interior de la casa-mujer podemos atisbar una segunda naturaleza, una segunda vida. Esta va apoderándose de la economía del hogar dando lugar a un nuevo paisaje. La vegetación se expande y nos damos cuenta que estamos presenciando el extraño momento en el que la arquitectura desplomada aún no tiene el carácter mágico de la ruina, ni la naturaleza ha cubierto del todo a su yugo de piedra. Ese momento en el que todavía no hay un antes y un después, sino un eterno durante.

La naturaleza de estos cuadros regresa de manera traumática para acabar con el paisaje artificial que hemos ido construyendo sobre ella. El sueño, la felicidad y tranquilidad del hogar, se ve trastocado por una naturaleza salvaje que quedó sepultada por su representación idealizada.

“Pilar” se contradice y se complementa, y es que, en estas imágenes, encontramos otra batalla, una lucha entre dos conceptos de naturaleza. Por un lado encontramos un espíritu romántico, una búsqueda espiritual que se revive en esa idea de belleza y paz que durante siglos se ha asociado a la naturaleza; pero a la vez, este preciosísimo de formas y colores imposibles está atacando, demoliendo, ocupando un cuerpo. Es ahí donde encontramos ese otro concepto de naturaleza, la que se revela y destruye, la salvaje y peligrosa. No se sabe si es más real que la anterior, o simplemente una representación más que lucha con violencia por seguir ocupando un espacio en nuestro imaginario, en nuestro hogar.

“Pilar” es un homenaje a los dos elementos que conviven en sus cuadros: a la naturaleza, con todas sus acepciones, y a nuestras madres, que nos tienen a buen recaudo hasta cuando no pueden”.

 

GUILLERMO PEÑALVER

  Guillermo Peñalver. “Pilar-es” . Acrílico sobre lienzo. Medidas 200×200 cm. 2011. Imagen cortesía de Galería Liebre.

 

Bonus-extra

Colectivo de artistas creado en 2006 que viven y trabajan entre Madrid y Berlín. En la actualidad está formado por cinco miembros que trabajan individual y colectivamente.

Lo más representativo de su producción es el uso integrado de tecnología y medios de expresión plástica tradicionales y analógicos; así como la inquietud de crear vínculos creativos con otros grupos e individuos y la búsqueda de metodologías de trabajo lúdicas que fomenten la creatividad, la improvisación y la adaptación al contexto. Su eventos tienen lugar en galerías, pero también como parte de una obra teatral, en clubs, cines; también colaboraciones con otros artistas o grupos de música. El proyecto que presentan en la feria es multidisciplinar, constando de dibujos, esculturas, vídeos, etc. que componen una instalación muy barroca, que llena toda una pared del stand.

 

BonusExtra-TableauVivant

Bonus-extra. “Tableau Vivant 4.0”. Técnica: Mixta, instalación. Medidas Variables. 2012. Imagen cortesía de Galería Liebre.

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LOUIS 21 “THE GALLERY”. PALMA DE MALLORCA, ESPAÑA.

Director: Oscar Florit

www.louis21.es

Artistas en la feria:

Álvaro Gil, Bel Fullana y Mikeldi Pérez

 

Álvaro Gil (Corella, España, 1986)

Escribe el propio artista:

“El proceso artístico que desarrollo actualmente se articula bajo una actitud “bricolajista”, tosca, barata, desmontable, portable, no menos preciosista y comprometida con lo manufacturado, propia de un garaje rural cochambroso, pero que sueña con baldas repletas de Pinturas Duco. Un quehacer que sintetiza plástica o ideológicamente una línea de investigación en torno al concepto de “customización”; que se define como un tipo de transformación “hecha a medida”.

Interesado por aquellos fenómenos constructivos “situados” en la periferia del arte, comienzo a indagar sobre sucesos plásticos asociados con la “baja cultura”, que finalizan en un goce perceptivo, y que a su vez se muestran fundamentados por un fuerte deseo de llamar la atención bajo cualquier coste; social, formal, cultural o simbólico. Entrando a bocajarro en el amplio territorio de la “Kustom Kulture”… ¡Y es que desde esta posición veo cómodamente! Me resulta gratificante quedarme en la zona superficial de los objetos seriados, manipulando lo epidérmico mediante la incorporación de carcasas transformativas, adoptando una postura de “bricoleur”, utilizando lo que se tiene a mano. (“haciéndoselo uno mismo”) …”.

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Álvaro Gil. “Sandwich rústico de lobo”. 2012. Madera, resina acrílica, silicona, acrílico, tornillería de acero.
64 x 48 x 38 cm. Imagen cortesía de Louis 21.

Bel Fullana (Mallorca, 1985)

El proyecto de Bel Fullana es una continuación del proyecto “STARFUCKERS” que presentó en Miami y que actualmente está desarrollando para JUSTMAD  en obras con mayores dimensiones. En este proyecto la artista adopta un rol de “groupie rockanrollera” y se retrata a sí misma rodeada de sus ídolos y en situaciones con un tono muy sexual. Se entremezclan obras con técnicas mixtas de óleos, acrílicos, bolígrafo, etc. (técnicas habituales de Fullana) encima de fotomontajes con obras que son letras de canciones con una tipografía que refleja bastante la locura, por decirlo de algún modo. En Miami presentó obras de este proyecto en unos formatos más pequeños como DIN A4’s y en papel.

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Bel Fullana. “Turn it on”. 2013. Cera, lápiz, óleo, acrílico, papel vegetal y cinta sobre tela.162 x 130 cm. Imagen cortesía de Louis 21.

 

Mikeldi Pérez (Navarra, 1983)

Trabaja actualmente en Bilbao. Su trabajo se encuentra en un punto intermedio entre la pintura y lo escultórico, y gira en torno a la relación entre la imagen pictórica y su soporte físico. Trata de hacer objetos que no queden sustituidos por su propia imagen, trabajando para ello sus cualidades materiales y espaciales. Encuentra un paralelismo entre la relación existente entre la imagen pictórica y su soporte y la que hay entre las imágenes digitales y los objetos tecnológicos que las median. A través de la representación de estos aparatos mediadores, y de las imágenes que pudieran generar, intenta aproximarse a acotar el concepto contemporáneo de imagen.

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Mikeldi Pérez. Sin título. 2012. Pintura sintética en spray e imprimación sobre tabla. 122 x 69 cm. Imagen cortesía de Louis 21.

 

Exposición actual: “DIN A33”

Fechas: del 24 de enero al 28 de febrero del 2012

Artistas: Abdul Vas, Albert Pinya, Álvaro Gil, Antonio Ballester Moreno, Antonio Ladrillo, Avelino Sala, Bel Fullana, Carles Congost, Carlos Aires, David Méndez Alonso, Fernando Martín Godoy, Françoise Vanneraud, Guillermo Martín Bermejo, Ignacio Uriarte, Jacobo Castellano, Javier Calleja, Javier Pividal,  Joan Morey,  Jordi Ribes,  José Díaz, Joseba Eskubi, Josep Maynou, Juan López, Juliá Panadés, Kepa Garraza, Luis Úrculo, Manuel Antonio Dominguez, Marta López Orosa, Miguel Angel Tornero, Mikeldi Pérez, Nacho Martín Silva, Rosana Antolí y Santiago Morilla.

Colaboran: Galería Alegría, Galería ADN, Galería Ángeles Baños, Galería Arana Poveda, Galería Casado Santapau, Galería Eva Ruiz, Galería Ferran Cano, Galería Fúcares, Galería Horrach Moyá, Galería José Robles, Galería Juan Silió, Galería MaisterraValbuena, Galería Nogueras Blanchard, Ogami Press, Galería Nuble y Galería Raquel Ponce.

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Carlos Aires. “They taught me how to love”. 2005. 1/3. Fotografía. 29,7 x 21 cm
Cortesía de Galería ADN.

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GALERÍA MÓDULO. LISBOA PORTUGAL.

 Director: Mário Teixeira da Silva

Escribe su director:

“Modulo abrió sus puertas en 1975, es una de las más antiguas galerías de arte contemporáneo en Portugal y es conocida por un programa de introducción de nuevos artistas en el medio. La mayor parte de los artistas portugueses se inició en esta galería, como Julião Sarmento, Nozolino Paulo o Helena Almeida. Además de un programa nacional tenemos uno internacional. Últimas exposiciones: Jakob Karwowski (fotógrafo polaco), Aleix Plademunt (fotógrafo catalán) y Tatiana Medal (pintor gallego).

Nuno Henrique y Nuno Gil se encuentran entre los artistas participantes en la exposición del IV Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba (Matadero Madrid), donde Nuno Henrique consiguió el segundo premio y Nuno Gil estaba en la selección final para la exposición de entre 443 candidatos presentados.

“Open Space Office” es el último proyecto de Tito Mouraz que está recibiendo una respuesta muy importante a nivel internacional, siendo publicado y revisado en un buen número de publicaciones de fotos numeradas y fuera de línea”.

 

Artistas en la feria

Nuno Gil, Nuno Henrique y Tito Mouraz.

 

Tito Mouraz

Dice el propio artista :

“La serie que se presenta, “Open Office Space”, se realizó y rodó en Portugal durante un período de dos años y representa un paisaje transformado que retrata la existencia del hombre como un ser constructivo, reconstructivo y contemplativo. El paisaje parece completarse, e irreversiblemente transformarse y fue esta transformación la que me llamó la atención y alimentó mi interés en la realización de este proyecto. Por lo tanto, el trabajo que se presenta tiene como objetivo retratar una realidad que sufre un proceso continuo y diario de rápida transformación. Las imágenes muestran una realidad temporal que se inserta en un paisaje natural que experimenta una transmutación progresiva”.

 

T Mouraz Open Space Office #7

“Open Space Office  #7”, de Tito Mouraz. Cortesía de Galería Módulo.

“Son espacios únicos e imponentes con un innegable impacto visual que otorgan a la imagen un fuerte contenido formal y plástico. Me gustaría hacer hincapié en que los aspectos en los que me concentré e intenté retratar visualmente eran la mejor intervención que podría presentar, tanto en relación con la configuración formal y con la armonía cromática y una iluminación que caracterizan a estos espacios, con el fin de crear un ambiente único. De esta manera, podemos contemplar un diálogo entre la naturaleza y la acción del hombre, entre la armonía en un corte texturizado y lo que se desarrolla en ella, lo que implica y lo que transforma, como es particularmente visible en las primeras imágenes de esta serie, que retratan la idea de un todo orgánico”.

Tito Mouraz Open Space Office #2

“Open Space Office  #2”, de Tito Mouraz. Cortesía de Galería Módulo.

Me resulta difícil transmitir en la película la experiencia personal y todo lo que uno siente y observa en estos lugares inmensos y desgarrados, donde el silencio se hace sentir de una manera artificial e intimidante. Es un hecho bien conocido que una imagen no puede sustituir la realidad. Es por eso que elijo incluir partes de un horizonte oculto o un paisaje incompleto, de esta manera se sugiere una perspectiva diferente, ya que la proximidad de estos sitios que crecen en la dirección opuesta a lo que es normal no son generalmente observados por el espectador”.

Tito Mouraz Open space Office #16

“Open Space Office  #16”, de Tito Mouraz. Cortesía de Galería Módulo.

Nuno Gil

Estos dibujos pertenecen a una nueva serie titulada “Supernova”. En ella se retoman algunas cuestiones fundamentales para Nuno Gil, que se refieren principalmente a la diferencia fundamental que se establece entre la pintura y el dibujo.

xtrr 2Nuno Gil. Cortesía de Galería Módulo.

Una de las líneas principales que recorre a través de toda su obra se refiere además a una voluntad de informe. Frente a una imposibilidad clara de disolución (o superación) de los límites de su propia forma, su esfuerzo ha tomado cada vez más radicalmente la dirección opuesta, es decir, entiende estos límites como cada vez más precisos e inequívocos.

Si hay un lugar en el que el informe – aunque no se esté realizando en la práctica – se puede experimentar, se situaría precisamente en el área que difiere de cualquier otra cosa. La repetición también encontrará aquí una lógica común, diciendo que a su vez se relaciona con todo lo que diferencia una cosa de otras. La consecuencia de esta repetición es excesiva, pero más allá de eso, lo que es más común en todo su trabajo es un tipo de inversión que opera para descubrir todo lo que aparentemente y constantemente se esfuerza por ocultarse.

Nuno Gil

 Nuno Gil. Cortesía de Galería Módulo.

Nuno Henrique

calco 72(1)

“Calco 72”, de Nuno Henrique. Cortesía de Galería Módulo.

 

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GALERÍA MY NAME´S LOLITA. MADRID, ESPAÑA.

Director: Ramón García Alcaraz

www.mynameslolita.com

Indica el director:

“La galería se centra sobre todo en artistas emergentes y en arte español contemporáneo. Hemos participado en las anteriores ediciones de JUSTMAD y en diciembre pasado participamos en la primera edición de la Feria JUSTMAD MIA”.

Artistas en la feria

Paco Pomet, Jöel Mestre y Jorge Hernández

Paco Pomet (Granada, 1970)

Presenta obras que beben de la fotografía, de la fotografía de prensa, pero también de las propias tomadas por el artista o de las encontradas en los distintos mercadillos de ciudades europeas. Influenciado también por los dibujos animados y por pintores como Mark Tansey, la obra de Paco Pomet tiene fuerza por sí misma. Un aspecto a destacar en sus obras es el sentido del humor, en muchas ocasiones de forma velada, y que nos produce otros sentimientos encontrados como la melancolía o el pánico.

Paco Pomet Sin título (Óleo-lienzo. 130 x 150 cms. 2012)

Paco Pomet. Sin título. Óleo-lienzo. 130 x 150 cms. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

 

PP219 Secretari@ (Óleo-lienzo. 60 x 80 cms. 2012)

Paco Pomet. “Secretari@”. Óleo-lienzo. 60 x 80 cms. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

 

PP220 Trinity (Óleo-lienzo. 60 x 70 cms. 2012)

Paco Pomet. “Trinity”. Óleo-lienzo. 60 x 70 cms. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

 

Jöel Mestre (Castellón de la Plana, 1966)

Su pintura explora la relación entre los procedimientos tradicionales, la tecnología y los nuevos medios de comunicación. Sus referencias al “Packaging” o embalaje del producto y a los “mass media” no le hacen renunciar a expresiones de la pintura tradicional, en ocasiones reduce los valores propios de la eficacia publicitaria o comunicativa, las estrategias retóricas, a extremos cromáticos y formas aberrantes, planteando narraciones en sentidos múltiples y abiertos, y desde un estado absolutamente germinal, en alusión al “pecio” como género literario y a uno de sus escritores de referencia, Rafael Sánchez Ferlosio.

 

JM218. TORMENTA SOBRE GIOS EPPO acrílico sobre loneta 130 x 89 cm. (2006-2012)

Jöel Mestre. “Tormenta Sobre Gios Eppo”, acrilico sobre loneta, 130 x 89 cm. 2006-2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

El proyecto pictórico de Joël Mestre se sintió atraído desde un principio por paisajes y datos de distinta naturaleza: desde los más primitivos y rudimentarios hasta los más tecnológicos y virtuales. Igualmente entre sus autores de referencia hay teóricos tan dispares como Marshall McLuhan, Alberto Savinio, Rafael Sánchez Ferlosio, Juan Benet… y pintores o artistas plásticos como Mark Lombardi, Pablo Palazuelo, The Royal Art Lodge, Urbano Lugrís, Edward Ruscha, Carlos Alcolea… quizá por ello ha resultado en ocasiones tan complicado alinearlo con pintores de filiaciones más ortodoxas o en grupos de naturaleza más interdisciplinar.

JM229. VOCES EN EL EMBARCADERO. Pigmento y látex sobre loneta, 38 x 46 cm.  (2012)

Jöel Mestre. “Voces en el embarcadero”. Pigmento y látex sobre loneta, 38 x 46 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

Su pintura practica una suerte de escapismo, una yuxtaposición entre realidad y ficción donde entran en juego: la ironía, la sorpresa, la sinrazón que conduce a cuestionar el mundo en el que nos movemos. Mediante formalismos y habilidades técnicas, el momento pregnante o decisivo que escoge para sus composiciones nos sitúa en un lugar verosímil, de apariencia clásica y hasta cotidiana, pero en el que va a tener lugar una acumulación de sucesos plásticos y conceptuales poco previsibles e inquietantes: un rayo en la tormenta, un plató televisivo, el canto de una mesa, el embalaje de algún electrodoméstico…. Son escenas con una aparente lógica espacial, donde tan pronto estamos en un contexto natural como en una aplicación informática o en una noticia de origen mediático

JM228. VOZ Y PENUMBRA DE UN PAISAJE ALPINO. Pigmento y látex sobre loneta, 38 x 46 cm. (2012)

Jöel Mestre. “Voz y penumbra de un paisaje alpino”. Pigmento y látex sobre loneta, 38 x 46 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

 

Jorge Hernández (Huelva, 1973)

Sus obras destacan por una línea figurativa, narrativa, con algo de surrealismo. Son pequeñas historias.

 

JH037. Esperanza , acrílico sobre tabla, 40x80cm 2012

Jorge Hernández. “Esperanza” , acrílico sobre tabla, 40×80 cm., 2012.Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita.

JH039. Bad times desert, acrílico sobre tabla, 50x70cm. 2012

Jorge Hernández. “Bad times desert”, acrílico sobre tabla, 50x70cm. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

JH035, Faith acrílico sobre tabla, 40x80cm 2012

Jorge Hernández. “Faith”. Acrílico sobre tabla. 40×80 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería My Name´s Lolita Art.

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N2 GALERIA. BARCELONA, ESPAÑA

Director: José Antonio Carulla

www.n2galeria.com

 

N2 Galería abrió sus puertas en Enric Granados 61 el 6 de octubre de 2005, cuando la Galería Ignacio de Lassaletta se asoció con José Antonio Carulla para fundar N2. En líneas generales N2 exhibe artistas emergentes nacionales e internacionales y últimas tendencias; entendiendo el arte desde una perspectiva multidisciplinar que abarca pintura, escultura, collage, instalación, fotografía, video… N2 Galería presenta anualmente seix exposiciones en Barcelona, principalmente individuales. Desde el año 2008, ha comenzado a participar en ferias internacionales de arte, comisionando nuevos trabajos y apoyando a sus artistas en todo el mundo. En 2009, ha ampliado sus instalaciones para abrir un nuevo punto de encuentro en el que poder hablar de arte. Un lugar de reunión que cuenta con mediateca, obra de los artistas más próximos a la línea de la galería, libros, catálogos y demás material de consulta.

Indica su director, José Antonio Carulla: “A veces pensamos que carecemos de una línea de actuación concreta, pero vemos que no es así cuando coincidimos con nuestros “amigos-clientes”. Igual que ellos entendemos que una galería no puede estar limitada ni por espacio, ni por tiempo. Por ello exponemos tanto obra de artistas cuya trayectoria aun es incierta como a grandes artistas ya posicionados. Lo importante para el equipo de N2 Galería es que coincidan en lo esencial: calidad, concepto y belleza, que es para nosotros el Arte en mayúsculas”.

Y añade: “La gran satisfacción dN2 Galería es la de, en estos 5 años, haber posicionado en grandes instituciones tanto nacionales como internacionales a artistas como Amparo Sard (España), Gandalf Gaván (Estados Unidos), Tra Bouscaren (Estados Unidos), Sixeart (España), Liu Guangyun (China), Ken’Ichiro Taniguchi (Japón), Jorge Rodríguez-Gerada (Cuba-Estados Unidos), Javier Marin (México), Héctor Velázquez (México), entre otros… Todos estos artistas colgaron por primera vez su obra en España con nosotros”.

Artistas en la feria

Joan Saló, Juan Manuel Villa-Escribano y Uri

 

Joan Saló (Igualada, 1983)

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Joan Saló. Sin título. Bolígrafo (tinta gel) sobre tela. 100 x 100 cm. 2009. Imagen cortesía de Galería N2.

JoanSalo2

Joan Saló. Sin título. Bolígrafo (tinta gel) sobre tela. 100 x 100 cm. 2009. Imagen cortesía de Galería N2.

Juan Manuel Villa-Escribano

ahora que los niños no son grandes

 Juan Manuel Villa-Escribano. “Ahora que los niños ya son mayores”. Lápiz y vinilo sobre papel. 36,5 x 44,5 cm.2012. Imagen cortesía de Galería N2.

 

coche

Juan Manuel Villa-Escribano. “Coche alemán, compañía francesa, pobre español, lluvia universal”. Lápiz y vinilo sobre papel. 36,5 x 44,5 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería N2.

 

URI

Uri1

Uri. Serie “Guerra y paz”. Acrílico sobre tela. 100 x 81 cm. 2013. Imagen cortesía de Galería N2. 

Uri2

Uri. Serie “Guerra y paz”. Acrílico sobre tela. 100 x 81 cm. 2013. Imagen cortesía de Galería N2.

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GALERIA NoMÍNIMO. GUAYAQUIL, ECUADOR.

Directoras: Eliana Hidalgo V y Pilar Estrada L.

www.no-minimo.com

 

Indican sus directoras:

“El principal cometido de NoMíNIMO es dinamizar la escena, orientando su trabajo hacia la visibilización de artistas emergentes comprometidos con la renovación del campo artístico. A través de la proyección que brinda su plataforma expositiva busca, además, apoyar el desarrollo profesional de los artistas, así como gestionar su participación en residencias y otras actividades de intercambio fuera de Ecuador. NoMíNIMO tiene también como misión la formación de público de artes visuales por medio de cursos, talleres y eventos, con el fin de acercar a los espectadores a propuestas contemporáneas, fomentando además un coleccionismo informado que aporte al crecimiento de la escena. Así mismo gestiona, produce y brinda asesoría para proyectos culturales relacionados con el campo de las artes visuales”.

Artistas en la feria

Anthony Arrobo, Juana Córdova, Roberto Noboa y María José Argenzio.

Anthony Arrobo(Guayaquil, Ecuador, 1988)

Escribe Lupe Álvarez (extracto del texto curatorial de la muestra “Liliput”, julio de 2011)

“Anthony Arrobo, un joven artista que con su corta y prolija trayectoria, se posiciona en la escena guayaquileña con obras de limpieza impactante y escueta economía, las mismas que expresan la voluntad de andar por el camino escabroso de un arte extremadamente objetual, vitalmente cifrado en la materialidad y la presencia.”

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Anthony Arrobo. “Universe”. Escultura de grafito. 21, 6 cm. de diámetro. 2011. Imagen cortesía de NoMÍNIMO.

En “Papers” presenta un nuevo acercamiento para las minas de grafito que, al colocarlas una junto a la otra, imitan los estándares internacionales del cortado del papel (A4, A3, A2, A1, A0) convirtiendo el material/medio en su propio soporte.

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Anthony Arrobo. “Papers”. A4 · A3 · A2 · A1 · A0. Minas de grafito sobre vidrio 2012. Imagen cortesía de NoMÍNIMO.

María José Argenzio (Guayaquil, Ecuador/ Londres , Inglaterra, 1977)

Escribe Pilar Estrada Lecaro en un extracto del texto curatorial de la muestra “Just do it!” de María José Argenzio:

“Cada obra de “Just do it!” se refiere a hechos, materiales y espacios concretos de la historia nacional, pero trascienden el sentido unilateral de esa relación. Podemos, incluso, hacer un paralelo con los colapsos de los grandes sistemas monetarios y de producción, regionales y mundiales, actuales e históricos y los modelos de poder hegemónicos y emergentes. Argenzio utiliza su proceso creativo como un depurador de su memoria histórica, personal y colectiva.

Objetivamente “Just do it!” fue creada como un examen de conciencia personal que puede ser compartido con el espectador que quiera hacerse las mismas u otras preguntas frente a este cuidado templo de contemplaciones.”

 

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María José Argenzio. “1729”. Hilo de bronce bañado en oro y pedestal. 2011. Imagen cortesía de NoMÍNIMO.

Juana Córdova (Cuenca, Ecuador, 1975)

Escribe Pily Estrada Lecaro:

“El alucinante jardín de retrovisores de puntos ciegos plantados sobre hierba artificial se presenta como un arsenal de hongos alucinógenos que endosan las secuelas en el espectador: seres –nosotros- trastocados, seccionados, deformes, alterados en cada reflejo, un estado mental/visual desencadenado en la melodía psicodélica de “Blindspot fields forever”.

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Juana Córdova. “Blindspot fields forever”. Instalación (espejos, mangueras y césped artificial). 2011. Imagen cortesía de NoMÍNIMO.

Roberto Noboa (Guayaquil, Ecuador, 1970)

Escribió el propio artista (Guayaquil, 23 de agosto de 2012):

“Me interesa investigar el proceso y el análisis de la aparente resolución de una obra. Se necesitan minutos, días o años. Hay un impulso que se vuelve obsesivo y que me lleva a repetir imágenes una y otra vez, también a cambiarlas después de años de sentirlas aparentemente resueltas. Los sistemas se han vuelto tan complejos que el trabajar en una obra debe reflejar esa confusión en su proceso. En mi caso, debo pintar todos los días para realmente sentir la dimensión de esa sospecha. A veces pienso que lo ideal sería si ellas no dejaran el estudio nunca, podrían quedarse y acompañar al artista rodeado de pinturas y preguntas, pero sabemos que eso no completaría la obra”.

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Roberto Noboa. “En la casa de G. Richter”. Oleo sobre lienzo. 350 x 150 cm. 2012-2013. Imagen cortesía de NoMÍNIMO.

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Roberto Noboa. “Llegaron los buitres”. 40 x 30 cm. 2012. Imágen cortesía de NoMÍNIMO.

Exposiciones de NoMÍNIMO

2011

The wrong miracle · enero – febrero
Colectiva internacional. Curaduría de Óscar Santillán
Artistas: Signe Schmidt · Leah Beeferman · Matthew Rich · Michael Kennedy Costa · Keith Varadi · Hector
MaderaGonzalez · Karina Skvirsky · Ander Mikalson · Galo Moncayo · Hon Chen · Carlos Castro · Jennifer Lauren
Smith-Jessica Kain · Ashley Lyon · Yi Sheng-Sarah Hotchkiss · Marcos Agudelo · Will Machin · Linda Bernal · Ana
Esteve · Anne Roecklein · SKOTE · Maria Pithara · Claudia Joskowicz · Yui Kugimiya · Alexandra Barao · Lili Chin ·
Santiago Forero · Melanie McLain · Claudia Salamanca · Ximena Diaz · Andrew Brehm · Rosemarie Padovano ·
Jonathan Marshall· Jessi Potts-Hannah Walsh-Jessica Wheelock · Haseeb Ahmed-Hiroshi Mori-Carlos Vela-Laura
Vitale-Tim Bearse-Daniel Beckwith-Austin Lord
Monumento al día · marzo – abril
Juan Carlos León
Afirmaciones de la forma · junio
Colectiva nacional: Aracely Gilbert · Anthony Arrobo · Javier Gavilanes · Chay Velasco · Daniel Alvarado
Perturbadora belleza · julio
Larissa Marangoni
Liliput · agosto
Anthony Arrobo. Curaduría de Lupe Álvarez
Otros paisajes · Septiembre – Octubre
Colectiva nacional: Roberto Noboa · Óscar Santillan · Maria Jose Argenzio · Juan Caguana· Dennys Navas · Jorge Ona ·
LasBrujas (Romina Munoz · Gabriela Cabrera · Gabriela Fabre)
Lo siento, el titulo de la muestra esta en otro idioma · Noviembre – Diciembre
Colectiva nacional: Ilich Castillo · Ricardo Coello · Fernando Falconí · Stéfano Rubira · Óscar Santillán

2012

Composición Diez · junio – julio
Colectiva nacional: Anthony Arrobo · José Hidalgo · Javier Gavilanes · Dennys Navas · Óscar Santillán · Daniel
Alvarado · Jimmy Lara · Las Brujas (Gabriela Cabrera , Gabriela Fabre y Romina Muñoz)
Tramando el azar · agosto
Colectiva internacional: Roberto Noboa · Juana Córdova · Juan Caguana · José Hidalgo · Gabriela Cabrera (Ecuador),
Manuel Ameztoy (Argentina)
Circa 2010 · septiembre
Colectiva de fotografía nacional: Wadih Antón·Bruno Bacigalupo·Susy Baquerizo·Ricardo Bohórquez·Juan Xavier
Borja·Mono Carmigniani·Bruno Carranza·Alejandra Chavarría·Luisa Cuesta·Bolo Franco·César Franco·Vicente
Gaybor·Chema González·María Grazia Goya·Claudia Hidalgo·Romina Icaza·Karin Iturralde·Javier Lazo·George
Marcet·Amaury Martínez·Val Rose·Vicente Muñoz·Carla Navas·Camilo Pareja·Pili Piana·Marcos Pin·Gabriela
Portaluppi·María Susana Rivadeneira·Jaime Saavedra·Xiomara Sáenz·Juan Antonio Serrano Ponce·Omar
Sotomayor·Nessa Terán·Mauricio Torres
Gravity · octubre
Anthony Arrobo
Nada sencillo: Complicar el dibujo · noviembre
Colectiva de dibujo internacional: Stéfano Rubira, Marcos Restrepo, Roberto Noboa, Javier Gavilanes, Jimmy Lara,
Luis Mantilla (Ecuador), Daniel Salamanca (Colombia)

Producciones

Eventos

Encuentro internacional · EL ARTE EN SU LABERINTO · INSTITUCIONES Y ESTRATEGIAS DE
GESTIÓN · Guayaquil 2 y 3 de agosto del 2011
Ponentes: Conrado Uribe (Director de Curaduria del Museo de Antioquia · Medellin-Colombia), Sol Henaro (Museo
Universitario de Ate Contemporneo, MUAC-UNAM · Ciudad de Mexico-Mexico), Rodolfo Kronfle (curador
independiente, critico de arte · Guayaquil – Ecuador), Bernardo Laniado-Romero (Historiador de arte, ex director del
Museo Picasso de Málaga · Guayaquil-Ecuador), Miguel López (Curador independiente · Lima-Peru), Ana Rosa
Valdez (Curadora independiente, profesora · Guayaquil –Ecuador), Lupe Álvarez (Critica de arte, profesora e
investigadora · Habana –Cuba)

Exposiciones

Arcos. Intervenciones artísticas realizadas por el artista argentino Manuel Ameztoy en el espacio público de Plaza
Lagos Town Center. Agosto 2012.
Lucerna. Exposición de Óscar Santillán. Fundación Odeón. Bogotá, Colombia. Mayo 2012
Los matices del porqué. Exposición de video arte internacional curada por Rodolfo Kronfle Chambers. Museo de los
Metales. Muestra paralela a la XI Bienal de Cuenca, Ecuador. Noviembre 2011

Ferias

ODEON feria de arte contemporáneo · Bogotá 21 al 24 de octubre del 2011 Artistas: José Hidalgo, Anthony Arrobo y Óscar Santillán
JUSTMAD3 · Madrid 16 al 19 de febrero del 2012 Artistas: José Hidalgo, Anthony Arrobo y Óscar Santillán
ODEON feria de arte contemporáneo · Bogotá 19 al 23 de octubre del 2012 Artistas: José Hidalgo, Anthony Arrobo, María José Argenzio, Jimmy Lara
JUSTMAD · Miami 6 al 9 de diciembre del 2012 Artista: María José Argenzio

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GALERÍA NUNO SACRAMENTO. ILHAVO, PORTUGAL.

DirectorNuno Sacramento

ns@nunosacramento.com

 

Nuno Sacramento es el fundador y director de Nuno Sacramento, Arte Contemporáneo. Adquirió su formación profesional e institucional durante trece años de observación en la Galería de Sacramento Aveiro, en colaboración con su padre José Sacramento, marchante de arte desde hace 34 años.

Le da vida a este proyecto en 2005, cuyo principio es gobernado por una búsqueda activa entre los graduados en artes de FBAUP, ARCA CAUE, ESAP, y, en consecuencia, promover jóvenes artistas emergentes, talentosos y creativos en el campo del arte contemporáneo, tanto nacional como internacional.

La galería ha editado catálogos de algunos artistas que exhiben en su espacio, entre ellos: André Capote, Branislav Mihajlovic, Carla Faro Barros, Duma, Duarte Vitória, Elizabeth Leite, Joana Rêgo, João Noutel, Mário Vitória, Mónica Oliveira, Nuno Raminhos, Sobral Centeno y Wlodek Warulik. Paralelamente a estas cuestiones, también se ha desarrollado la producción de obras gráficas de algunos de estos artistas.

 

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Imagen cortesía de Galería Nuno Sacramento.

 Artistas en la feria

Joao Noutel, Pedro Figueiredo y Teresa Carneiro.

 

 Joao Noutel (Portugal, 1971)

 

JOÃO NOUTEL

Joao Noutel. “Just Doing”.  (JET-LEG series). Técnica mixta sobre MDF y espejo. 140×194 cm. 2013. Imagen cortesía de la galería Nuno Sacramento.

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Joao Noutel. “Waiting for the Boss”.(JET-LEG series). Técnica mixta sobre MDF y espejo. 140×194 cm. 2013. Imagen cortesía de galería Nuno Sacramento.

 

Pedro Figueiredo (Guarda, 1974)

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Pedro Figueiredo. “Héstia”. Resina de Poliéster. 185x55x58 cm. 2012. Imagen cortesía de galería Nuno Sacramento.

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 Pedro Figueiredo. Resina de Poliéster. 2012. Imagen cortesía galería de Nuno Sacramento.

 

Teresa Carneiro (Portugal)

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Teresa Carneiro.”Dual1″. Técnia mixta s/ madera, 150x180cm. 2012. Imagen cortesía de galería Nuno Sacramento.

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  Teresa Carneiro. Imagen cortesía de galería Nuno Sacramento.

 

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GALERIA PAULA ALONSO. MADRID, ESPAÑA.

Directores: Paula Alonso Simón  y Juan Pablo Alonso Simón

galeriapaulaalonso.com

 
Artista en la feria

Ángel Masip

 

Ángel Masip (Alicante, 1977)

Ángel Masip es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Madrid. En 2006 participó como docente en “El amor es una cuestión de vida o muerte”, un taller de orientación pictórica (MUSAC, León), y en septiembre de 2009 en el taller “Siempre he pensado que miro el mundo como si fuera un paisaje”, impartido por Gonzalo Punch (Murcia). En ese mismo año recibió el Premio Pilar Juncosa a la Innovación de la Fundación Pilar y Joan Miró (Palma de Mallorca). Entre las múltiples exposiciones colectivas e individuales en las que ha participado destacan Feria de arte ARCO y “Der Waldgang” en la Sede Fundación Caixa Galicia (A Coruña) y en el Centro de Congresos de Elche (Alicante) como las más recientes (2010). Instituciones como el MUSAC, la Fundación SANOSTRA (Caixa Baleares), MACUF (A Coruña) y el Diario ABC (Madrid), entre otros, tienen su obra entre su colección.

Masip trabaja sobre los códigos del diseño trasladados a la pintura. La utilización del óleo y de luminosos son algunos de los elementos presentes en su obra. El artista utiliza la pintura como medio que se resiste a la inmediatez y lo efímero, rasgos característicos de la sociedad contemporánea. En sus obras a menudo aparecen  paisajes y elementos vegetales que se convierten en motivos pictóricos y que, a su vez, quedan contaminados por elementos característicos del diseño gráfico, contraponiendo así el lenguaje supuestamente clásico de la pintura con aplicaciones de un lenguaje más avanzado como el del diseño.

Ángel Masip ha creado, para participar en la feria JUSTMAD 2013, una instalación bajo el título “La filología para más tarde”, una pieza que forma parte de un proyecto más amplio con el mismo título. El artista pone de manifiesto su preocupación por la distorsión de la percepción y el cuestionamiento de nuestros referentes proyectados en el medio.

El artista ha explicado sobre la presente obra: “La estructura bajo la que se edifica el entramado artístico a menudo obliga a tener un discurso bien labrado y aprendido, sin fisuras, permeable a la vez que sólido y defendible. Circunstancias que responden a las más altas exigencias del mercado en el que se asientan los circuitos artísticos. En la vida real, en nuestra experiencia como individuos -indiscernible de la experiencia artística- toman partido infinidad de condicionantes que derivan a esta hacia un lugar u otro, en ocasiones emplazamientos poco apropiados dada su naturaleza (experiencia virtual).

“La filología para más tarde” continúa con el desarrollo discursivo que hasta ahora he mantenido pero sin dar demasiada importancia a aquellos contenidos que suponen un resorte especulativo, liberando de carga existencial a la reflexión con el fin de hacerla más etérea, más ligera. Procurando dejar a un lado todo aquello que el “establishment” refleja como necesario y que a menudo refuerza los márgenes de la creatividad, convirtiendo la reflexión en estereotipo frágil y perecedero. Como digo, todos esos agentes que condicionan nuestras prácticas también lo hacen en origen con nuestra percepción y el conocimiento que de la realidad tenemos. El trabajo que se presenta en la feria JUSTMAD 2013, tan sólo es la primera fase de una investigación que plantea este cuestionamiento proyectado en el medio y en la distorsión que sufren nuestros referentes -en términos simbólicos-, y que a menudo debilitan nuestro conocimiento del mundo. En este caso, sin prescindir del maquillaje que toda puesta en escena requiere, se recurre a elementos que banalizan esos estándares y evidencian -a través de una estética de escaparatismo- la emergencia bajo la que se nutre la experiencia; todos los elementos que entran en escena cumplen las reglas que dicta el juego pero no de una forma armónica o consensuada, sino bajo la inherente estructura del propio discurso, bajo los dictados que marca el desarrollo del mismo.

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Ángel Masip. “ST”. Perteneciente a la serie “La Filología para más tarde”. Grafito sobre papel entintado, collage. 2012. Imagen cortesía de la galería Paula Alonso.

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Ángel Masip. “Wildfire”. Perteneciente a la serie “La Filología para más tarde”. Mediadas variables.
Madera, fluorescentes, dibujos (grafito sobre papel entintado). 2012. Imagen cortesía de galería Paula Alonso.

 

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GALERIA PAZ Y COMEDIAS. VALENCIA, ESPAÑA.

 www.pazycomedias.com

 

Abierta desde el año 2004, Galería pazYcomedias mantiene una línea de exposiciones monográficas destacando la promoción y difusión de artistas que desarrollan su obra dentro de todas las disciplinas y las nuevas tendencias artísticas. Galería pazYcomedias promociona además a los artistas de la galería mediante la participación en ferias internacionales de arte e intercambios con otros espacios nacionales o internacionales de arte contemporáneo.

La galería cuenta con los siguientes artistas: Agustín Serisuelo, Albert Corbí, Anna Talens, David Jiménez, Diego Opazo, Eduardo Nave, Ernesto Casero, José Guerrero, Judas Arrieta, María Ortega, Nuno Nunes-Ferreira, Pepe Talavera, Raúl Belinchón, Ruth Morán, Sergio Luna y Zoé T. Vizcaino.

 

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Fotografía cortesía de Galería pazYcomedias.

 

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GALERIA PM8. VIGO, ESPAÑA.

 www.pm8galeria.com

Artistas en la feria

Jesús Pedraza Villalba y Carlos Fernandez Pello

 

Jesús Pedraza Villalba

El artista elimina mediante el proceso de lijar elementos de distintas obras que recoge, como en este caso de grandes pintores de la historia del arte. Suprime dichos elementos y la eliminación se convierte en el elemento central de su obra, reordenando los elementos que conforman su material de trabajo.

Su obra conecta los conceptos de ausencia y la abstracción. También hace alusión al mundo del arte y su comercialización, en esta serie sobre las obras del Museo del Prado las láminas son lijadas aunque se reserva la zona de la mirada de los personajes casi como una especie de antifaz. Son obras en las que lo táctil juega un papel que convierte los cuadros finales en obras sinestésicas.

 

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Jesús Pedraza Villalba. “Serie Pósters Museo del Prado”. 42×32 cm. Póster lijado. Cortesía de la Galería PM8.

 

Carlos Fernandez Pello

Su obra surge a través de un proceso de investigación que articula reflexiones y produce dudas. No gira en torno a una temática concreta, aunque, por lo general se centra en casos concretos y amplía su significado. Los recursos que utiliza son muy variados, lo que no quiere decir que no les dé importancia; en su caso, lo que le interesa es la confusión que se crea entre cosmética y estética hoy día.

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Cárlos Fernandez Pello.”During the day the earth seems to move gently back and forth as if floating over magma”.
Papel estucado doblado, 29x42cm. 2012. Imagen cortesía de Galería PM8.

 

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GALERÍA PUNTO. VALENCIA, ESPAÑA.

Directora: Amparo Agrait Zaragozá

 www.galeriapunto.com

 

Galería Punto trabaja por la renovación constante de las propuestas artísticas mediante la promoción de creadores emergentes y la consolidación de los artistas por los que apuesta, en estrecha colaboración con museos, galerías, instituciones públicas y privadas.

Pionera en España, Galería Punto, fue fundada en 1972 por Miguel Agraït y Amparo Zaragozá, quienes traen por primera vez a España grandes creadores del panorama cultural internacional. En el 2006 Galería Punto recibe la Medalla de la Ville de Paris (Echelon vermeil) y en 1997 el Premio José Mateu a la “Trayectoria de la Galería por la labor de difusión del Arte Contemporáneo”.

Actualmente Galería Punto prima su enfoque internacional y su apuesta por jóvenes valores, organiza exposiciones comisariadas y utiliza su Espacio B como plataforma de encuentro e investigación intra e intercultural, mediante proyectos que exploran la convivencia de las artes plásticas con las artes escénicas, la literatura, la tecnología y la música.

La trayectoria de la galería está íntimamente ligada a la participación en numerosas ediciones de las principales ferias internacionales y nacionales, y en el comité directivo de tres de ellas.

Artistas de renombre mundial han expuesto en la galería como: Adami, Alechinsky, Appel, Clavé, Dubuffet, Julio González, Grupo “El Paso”, Hartung, Donald Judd, Kenenth Noland, Matta, Joan Miró, Picasso, Tàpies, Chillida, Allen Jones, Peter Phillips, Richard Hamilton, Antonio Seguí, Vostell, y un largo etcétera.

Entre sus últimas propuestas figuran Tania Blanco, Loidys Carnero, Alicia Moneva, Neuraska, Niño Viejo, David Pellicer, Rebeca Plana y Suso 33.

Artistas en la feria

Tania Blanco, Alicia Moneva y Pedro Peña Gil

 

Tania Blanco (Valencia, 1978)

En la obra reciente de Tania Blanco destaca la preocupación por el clima sociopolítico más reciente, las relaciones entre individuo, tecnología y naturaleza, y la búsqueda de códigos personales de expresión, todo ello formando un conjunto interdisciplinar, fuertemente marcado por la presencia de la pintura.

tania blanco 2Tania Blanco. Imagen cortesía de Galería Punto.

“Clear Transparent Poison” es el sugerente título bajo el que la artista presenta en formato predominantemente tondo (circular) una poliédrica muestra de algunos de los temas que vertebran su discurso: desde el pulido firmamento donde se leen los nombres de las veinticinco empresas más contaminantes del aire de Estados Unidos (“25 air polluters”), pasando por piezas donde la extrañeza visual arrastra al espectador a un inquietante universo, hasta una serie de “libros”, en realidad esculturas cerámicas pintadas por la artista.

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Tania Blanco. Imagen cortesía de Galería Punto.

Tania Blanco ha sido becada por la Cité International des Arts (París), la Pollock-Krasner Foundation (Nueva York), la Beca de artes plásticas del Colegio de España en París (Ministerio de Cultura), la Fundación Caixagalicia y la Beca Alfons Roig de creación  artística de la Diputación de Valencia.

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Tania Blanco. Imagen cortesía de Galería Punto.

 

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Tania Blanco. Imagen cortesía de Galería Punto.

Alicia Moneva

Utilizando cajas y más tarde bañeras, Alicia Moneva explora las enfermedades, las exclusivamente humanas, con la serie “sobre la enfermedad en nuestra cultura”, que también pretende ser un pequeño homenaje a todos los enfermos crónicos, héroes anónimos de nuestro tiempo. Uno se pregunta, como en una cultura del éxito y la buena imagen, una “sociedad del espectáculo”, en la que se nos presenta como real un imaginario de deseos de perfección inalcanzables, cuál sería el estatus que tendría la enfermedad. Existe un interés social real o es un simple juego de efecto (“Luz de gas”), un buen negocio.  Las fotografías, “el dolor ajeno”, tratan de ahondar en este tema. En la fotografía y vídeo “on/off” se aborda el tema del espacio y el tiempo en la enfermedad de Párkinson, por ser el símil “caja-cuerpo” muy adecuado para explorar la ausencia de movimiento en los estados “OFF” de estos enfermos. También porque es una enfermedad exclusivamente humana. La enfermedad de Alzheimer  ha inspirado también las obras “Prisioneras del olvido”, “Réquiem por una identidad” y “En un mar de dudas”, en las que la artista cuestiona el papel que juega la memoria en la identidad personal. Las fotografías hablan de individuos encerrados en espacios vitales que se tornan imposibles, de tenues luces imaginadas como recuerdos que se extinguen lentamente y del dolor de no reconocerse. Platón decía que “conocemos cuando recordamos” y podríamos añadir que “nos reconocemos cuando recordamos”.

 

alicia monevaAlicia Moneva. “Cautivas de la memoria”. Imagen cortesía de Galería Punto.

Alicia Moneva ha recibido el Primer Premio Internacional (ex aequo) “Photographer of the Year 2011” en los Pollux Awards 2011 (Gala Awards UK, “Professional Section”), el Primer Premio en el concurso internacional de fotografía “Interregional Competition (WPGA)” (UK), Primer Premio “The Eros Awards 2011”  TZIPAC Nueva Zelanda, Tercer Premio en la categoría Abstract / Illustrative “Loupe Awards International” (Australia) 2012, y el primer premio en el “IV J M Cameron Award” (WPGA) (Reino Unido). También ha sido seleccionada en descubrimientos PHE 2010 y PHE 2011, en el WPGA Portrait Award 2012 por el Jurado Steve McCurry (Magnum Photos) (Reino Unido), en la ”International Fine Arts Photography Awards 2012” (París) y en “PWP 37 Th Anniversary International Open Call” (Nueva York).

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Alicia Moneva. “Prisioneras del olvido-I”. Imagen cortesía de Galería Punto.

 

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Alicia Moneva. “Réquiem por una identidad II”. Imagen cortesía de Galería Punto.

__CONFLICTOdePERSONALIDAD_alicia-moneva_80x58Alicia Moneva. “Conflicto de personalidad”. Imagen cortesía de Galería Punto.

Pedro Peña Gil (Jaén 1979)

En su obra se cristaliza mediante un transparente material de efecto marmóreo la idea de contradicción entre la suavidad y lo arañado (“scrach”). El artista propone una reflexión sobre la pura naturaleza de la relación entre lo visual y lo táctil, enfrentándolo a una situación que invita a probar antes de componer. Un desconcierto de líneas cristalizadas dejan adivinar el movimiento que se interrumpió, manteniéndose estáticas en ninguna parte. El tiempo ha transcurrido y las masas de colores que brillaron en búsqueda, descansan ahora en una escultura de dos dimensiones que no quiere ser más que una superposición de planos. La contradicción persiste entre lo que nace y lo que va a desaparecer, pues ha propuesto el momento preciso donde lo arañado esta vaciando un pasado para, en un futuro crear otra composición desprovista de color, o viceversa.

Pedro Peña ha sido galardonado en certámenes organizados por Ibercaja, Caja de Extremadura, Casimiro Baragaña, Emilio Ollero, Focus-Abengoa y ha recibido dos medallas de honor consecutivas por BMW.

 

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Pedro Peña Gil. “Yellow chaos”. Imagen cortesía de Galería Punto.

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Pedro Peña Gil. “White & Red Scratch”. Imagen cortesía de Galería Punto.

Blue & Black Scratch

Pedro Peña Gil. “Blue & Black Scratch”. Imagen cortesía de Galería Punto.

Red Lines on black

Pedro Peña Gil. “Red Lines on black”. Imagen cortesía de Galería Punto.

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RDV GALERIE. NANTES, FRANCIA.

Director: Jean-François Courtilat

http://galerierdv.com

Desde 2007, la galería RDV está dedicada a la producción de arte contemporáneo, ofreciendo descubrimientos y diálogo, no sólo para los artistas sino también para los públicos.

Cada año, RDV acoge aproximadamente ocho exposiciones innovadoras en la galería y también fuera.

Debido a las diversas formas de producción de arte contemporáneo (fotografía, pintura, escultura, video, o performance…), RDV ofrece una programa abierto a todo tipo de arte contemporáneo sin distinción.

Artistas en la feria

Clara-Juliane Glauert, Jean-François Courtilat, Guillaume Krick y Mathieu Valade

Clara-Juliane Glauert

¿Cómo logramos entender los símbolos? ¿Cómo funciona el proceso de conexión de sentido con una obra-icono y cómo cambia la significación de esta con el tiempo?

La serie “Media Apocalypse” conecta la imaginería tradicional cristiana con una cuestión muy actual: la crisis económica y la forma en que los medios de comunicación hablan de ella; esta ha tomado el lugar que tenía la Iglesia, que trataba de controlar a la población a través del miedo.

“Fractal cartography” es una serie de dibujos digitales, que combinan imágenes y mapas de las zonas donde la familia de la artista ha vivido: Polonia, Rusia, Alemania, eEE.UU. … Siempre recombinar las mismas imágenes, las siluetas, el proyecto está hablando sobre la dificultad de encontrar una narrativa coherente a traves de la historia.

“Plastic preludes” y otras ediciones juegan con los modos de representación, subvirtiendo los conceptos del original y de la reproducción. Las bolsas de plástico y papel de cuaderno llegan a ser materiales nobles porque están imprimadas en papel hecho a mano.

“The crane project” es un trabajo en proceso, con un multitud de capas y dimensiones. La grúa de origami, símbolo de esperanza y de vida larga, se hizo famosa después de las catástrofes atómicas que han afectado a Japón: Hiroshima y Fukushima. El proyecto cuestiona la conexión entre la creación y la destrucción, plegando grúas y destruyéndolas, y explora diferentes medios de presentación (performance, fotografía, instalación).

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Clara-Juliane Glauert. “Media Apocalypse”. Acuarela, punta fina, oro. 158 x 110 cm. 2011. Imagen cortesía de RDV Nantes.

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Clara-Juliane Glauert. “Franctal cartography”. Serie “Family portraits”. Dibujos digitales, inkjet “on parchment”
30 x 40 cm. 2011- 2012. Imagen cortesía de RDV Nantes.

Jean-François Courtilat

Nacido en el 1964 en Túnez, Jean-François Courtilat vive y trabaja en Nanes. Es también el fundador de dos galerías de arte en Nantes (Francia): Ipso facto (1997-2007) y RDV (2007-…).

Utilizando modos de expresión tan variados como el vídeo, la instalación o el dibujo, Jean-François Courtilat crea escenarios con una estética vulgar e impactante, pero siempre con una doble lectura: este aspecto ligero en apariencia cuestiona, con humor, el cuerpo y el tiempo que pasa. Los dibujos de Jean-François Courtilat están realizados por ordenador, lo cual le permite crear una distancia entre él y su trabajo, pero paradójicamente crea igualmente una convivencia entre su pensamiento y su grafismo gracias a las posibilidades inherentes a estos nuevos instrumentos (memoria del gesto, comparación simultánea, visibildad a escalas variadas, transcripción en soportes diferentes: papel de dibujo, papel fotográfico, cubierta de lona, cinta adhesiva, etc.).

Su iconografía se compone de imágenes encontradas en Internet, de la comunicación publicitaria, o de huellas fotográficas de eventos que ha provocado él mismo (veladas temáticas entre amigos, por ejemplo).

Estas bases iconográficas se transcriben graficamente en universos y preocupaciones propias a la obra de Jean-François Courtilat: dualidades, heridas personales físicas o mentales, la complejidad de las relaciones humanas, las dudas, a menudo baladronadas patéticas.

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 Jean-François Courtilat.”Pistolets”.  Imagen cortesía de RDV Nantes.

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 Jean-François Courtilat. “Miroir”. Imagen cortesía de RDV Nantes.

Guillaume Krick

Nació en Montreal en 1981.
Nacionalidad: francés y canadiense.
Vive y trabaja en Nantes.

Formación:

2004-2006 DNSEP con felicitaciones, ESBA-Nantes Métropole
Estancia de intercambio de 5 meses, en 2005, en Kunst Hochschule de Berlín-Weissensee, Alemania
2004-2005 Estancia cambio 5 meses, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, Alemania
2002-2004 DNAP con felicitaciones, ESBA-Nantes Métropole
2001-2002 Estudio de Arte, Universidad de Concordia, Montreal, Quebec

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Guillaume Krick. “Detroit, border of Grosse Pointe Park”. 54 x 54 cm.Fotografía y tratamiento numérico. Lambda sobre dibond 2mm ed. 5. 2008-2009. Imagen cortesía de RDV Nantes.

Mathieu Valade

Mathieu Valade nació en Salaberry-de-Valleyfield Montérégie. Concluyó artes visuales de la UQAM en 2003 y la Universidad de Laval en la misma disciplina en 2005. Cuenta con varias exposiciones individuales, incluyendo en el Centro de Exposición Circa en Montreal, Lieu en Quebec y el Espace virtuel en Chicoutimi. También ha participado en varias exposiciones colectivas, incluyendo la Cuarta Manifestación Internacional de Arte de Québec y “C’est arrivé près de chez vous” en el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec.

Mathieu Valade es uno de los miembros fundadores del grupo Picnic, una organización dedicada a la intrusión espontánea de arte en el contexto público desde 2001. Picnic tiene una docena de eventos artísticos. Mathieu Valade también enseña como profesor en la Université de Québec en Chicoutimi.

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 Mathieu Valade. “Miroir”. Poliuretano. Imagen cortesía de RDV Nantes.

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RED PENGUIN ART GALLERY. MARBELLA, ESPAÑA.

Directores: Loni Olfers y Joris Marjot

www.redpenguinartgallery.com

Escribe la dirección de la galería:

“Queremos presentar en JUSTMAD 2013 las obras de tres artistas extranjeros que trabajan en exclusiva en España con Red Penguin Art Gallery. Las increíbles imágenes urbanas de asombrosos colores de Joseph Klibansky realizadas con las técnicas más novedosas. Las rompedoras obras de Isabell Beyel que son de una gran destreza técnica pero que a la vez son un homenaje a los objetos cotidianos, ya que hace una tarea de arqueología contemporánea muy interesante. Y las aplicaciones de smartphone aliadas con las artes más tradicionales que de mano de Liesje Reyskens nos llevan a las más novedosas maneras de crear objetos artísticos.

Nos caracteriza la innovación. Queremos traer a Marbella, y a JUSTMAD en este caso, el arte más diferente y novedoso. Todo ello reforzado con un programa de actividades culturales y asistencia a ferias de arte internacionales para poder poner a la ciudad de Marbella en el mapa del arte contemporáneo más rompedor pero riguroso”.

Artistas en la feria

Isabell Beyel, Joseph Klibansky y Liesje Reyskens

Joseph Klibansky

Los principales puntos de partida de Klibansky son la arquitectura y la ciudad, en particular los entornos urbanos acelerados, comprimidos y densamente poblados del siglo XXI, que él, sutilmente, clasifica en lo que parece ser una posible visión del futuro. La suave hermosura a menudo percibida en el trabajo Klibansky puede ser experimentada como un positivo adormecimiento de los sentidos. Una imagen que en primera instancia parece inocua y simple, y que es en realidad una cortina de humo para el problema real que nos ocupa. SOlo una mente abierta puede intentar retirar  las capas multicolor y destilar la esencia del mensaje.

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Joseph Klibansky. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

Joseph Klibansky hace pinturas digitales idealizadas a gran escala. Construidas a través de cientos de capas de fotografías enriquecidas con pintura acrílica sobre papel de algodón cubierto con una resina líquida. Su obra transmite una estratificación y compresión del tiempo, espacio y lugar creando nuevas narrativas mediante la creación de imágenes de ensueño de las ciudades, la combinación de pasado y futuro. Su método de trabajo es muy intenso y fácilmente puede llevarle entre 100 y 150 horas para crear una obra. “Veo mi arte como una forma de retratar el siglo XXI pero acompañado por una sutil visión del futuro”, dice el artista.

Parade_of_change by Joseph KlibanskyJoseph Klibansky. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

 

Liesje Reyskens

Liesje Reyskens, joven artista y fotógrafa de gran talento, nos presenta una instalación fotográfica multimedia. Su trabajo, caracterizado por el vibrante cruce entre realismo y fantasía, utiliza la realidad aumentada para expandirse a nuevas dimensiones. Con ello, crea un experiencia completamente nueva que deja el aspecto típico de la fotografía atrás.

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Liesje Reyskens. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

La “Realidad Aumenta”, una superposición virtual en nuestra realidad física que se consigue a través de un hardware y un software especializado, bien podría ser la próxima gran tendencia moderna en el arte. El reto es añadir valor a esta novedad en forma de una aplicación concreta, así como solo la visualización del contenido. Dentro del entorno de los dispositivos móviles como tablets y smartphones, Liesje aumenta el espectro de la fotografía y le da al mundo del arte y la fotografía un dimensión visual extra. Para poder disfrutar de esta instalación experimental, el espectador tiene que bajarse la aplicación “Liesje Reyskens” disponible en AppStore. Cuando se utilice esta app por primera vez, debemos estar seguros de que tenemos conexión a Internet. Se cargará el contenido en ese momento; sin este contenido la aplicación no servirá para nada. A continuación coloque su dispositivo móvil frente a la fotografía y podrá disfrutar de una increíble animación en la capa virtual de la realidad ampliada.

liesje ReyskensLiesje Reyskens. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

Isabell Beyel

Isabell Beyel, nació Monchengladbach, Alemania, pero creció en el sur de Limburgo (Países Bajos). Estudió derecho y en 2003 fue cuando Beyel decidió perseguir su verdadera pasión y comenzó a trabajar como artista plástica. Su interés por la fotografía era visible en sus pinturas, ya que era y sigue siendo una importante fuente de inspiración en toda su obra. Beyel dejó el trabajo con óleo y acrílicos, y comenzó a utilizar la técnica mixta, los objetos encontrados y los elementos multimedia. Es con este estilo y con esas técnicas 4D con las consigue cosechar el éxito. En 2011 comenzó a participar en prestigiosas ferias de arte como la TEFAF de Maastricht. En 2012 exhibió sus seductoras obras en PAN AMSTERDAM y la galería Red Penguin Art Gallery.

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Isabell Beyel. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

Como artista Beyel desarrolla el realismo, pero de una manera más esteta. Los temas principales en su trabajo suelen ser las mujeres y los dilemas personales de sus vidas. Las obras que ella crea dejan fuertes dimensiones mediante la utilización de retratos, situaciones e historias a través del uso de las poderosas técnicas 4D de imagen y tiempo.

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Isabell Beyel. Imagen cortesía de Red Penguin Art Gallery.

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 GALERIA SARO LEÓN. LAS PALMAS DE GRAN CANARIAS, ESPAÑA

Directora: Saro León

www.galeriasaroleon.com

Artistasen la feria

Michèle Magema, Abdoulaye Konaté y Paco Guillén

La Galería de arte contemporáneo Saro León, fundada en 1988, nació con la intención de servir de punto de encuentro y plataforma a los artistas de las Islas Canarias junto a otros de origen latinoamericano, africano y europeo, atendiendo a la realidad geográfica-cultural de las Islas Canarias.

Durante los casi 25 años de trayectoria ha trabajado con numerosos artistas, realizando importantes apuestas que posteriormente se han visto refrendadas con una amplia proyección nacional e internacional. Ha trabajado en diferentes proyectos con  un importante número de artistas africanos contemporáneos como  Barthélemy Toguo, Abdoulaye Konaté, Malick Sidibé y Owusu Ankomah entre otros, así como con los diferentes agentes y especialistas africanos.  En este sentido es destacable su papel de pionera en la incorporación y normalización de la presencia de artistas contemporáneos de origen africano, junto a otros artistas internacionales y nacionales.

Entre los artistas europeos con los que ha trabajado se encuentran artistas de la talla de  Marcus y Albert Ohelen,  Christoph Steinmeyer, Mikel Navarro, Blanca Muñoz, Juan Hidalgo, etc. También es destacable los proyectos que ha llevado a cabo con  artistas latinoamericanos como Guillermo Gómez-Peña, Marcos Lora Read, César Martínez, Eduard Duval Carrier, Santiago Rodíguez Olázabal, etc. Asimismo, en los último años, tras su asistencia a la feria Seoul Photo  en el año 2010 ha comenzado a trabajar con artistas del continente asiático, concretamente con los artistas coreanos Lee Gap Chul, Lim Soosik y Kim Joowon.

Ha participado en ferias como ARCOmadrid, en numerosas ocasiones, en la FIAC de París, Feria de Colonia, Artissima-Torino, DFOTO en San Sebastián, España, Edges Art Zone-Miami, Miart-Milán, SeoulPhoto, Corea, Art Madrid, JUSTMAD, KIAF (Korea International Art Fair), Bienal de la Habana (Cuba) y en la Bienal de fotografía de Bamako (Malí).

 

Artistas en la feria

Abdoulaye Konaté, Michèle Magema

 

Abdoulaye Konaté( 1953, Diré, Malí)

Residente en Bamako, Malí, Abdoulaye Konaté es el artista plástico de mayor proyección internacional de Malí. Formado en su país de origen en la Academia de Bellas Artes de Bamako y posteriormente en La Habana, mantuvo desde joven una estrecha relación con los tejedores para los que dibujaba y diseñaba nuevos motivos. A su condición de artista se le une su papel fundamental como activista y gestor cultural ocupando puestos de responsabilidad en instituciones culturales de su país como la dirección del Palacio de la Cultura, de los primeros Reencontres de la Photographie Africaine de Bamako y su actual dirección de la Universidad de Artes Plásticas, conocida como el Conservatoire des Arts et Métiers Multimédia Balla Fasséké de Bamako. Sin lugar a dudas un espacio modélico de aprendizaje multidisciplinar de las artes y punto de encuentro de los jóvenes estudiantes del continente con artistas y docentes de los más variados contextos internacionales.

El trabajo artístico de Abdoulaye Konaté ha transitado desde la pintura y la instalación a sus increíbles trabajos textiles de los últimos años, uniendo tradición y  modernidad, estableciendo un discurso y proyecto artístico absolutamente contemporáneo, tan sutil y estético, como social y político. Sus trabajos en tela abren un espacio de enorme singularidad creativa y fuerza poética, y han tenido y tienen una gran difusión y proyección internacional. Abdoulaye Konaté es un artista referente ineludible de la escena internacional del arte actual habiendo sido uno de los creadores más destacados de la Documenta de Kassel en Alemania de 2007.

 

 

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Abdoulaye Konaté. “Les offrandes de couleurs”. Textil. 229cm x 144cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Saro León.

 

Michèle Magema. (1977, Kinshasa, República Democrática del Congo)

A caballo entre entre París y Kinshaha, Magema es una joven artista congoleña de proyección internacional que se traslada a Francia en 1984, graduándose en la Escuela de Artes de Cergy en 2002 y licenciándose posteriormente en Bellas Artes en la Universidad de París 8. Michéle Magema desarrolla su trabajo principalmente en los ámbitos de la fotografía, la instalación  y el video, encontrado en este último un espacio idóneo de libre expresión poética, social y política. Ella misma es el personaje central de las acciones que transcurren en sus vídeos en un campo de acción muy cercano a lo que podríamos denominar como vídeoperformance. Su condición y perspectiva femenina es fundamental en el conjunto de su trabajo que pulsa entre las realidades de su país natal, y el país de acogida, dándole a los espacios de la cotidianidad e intimidad, y de la historia, un papel relevante en su obra. Su trabajo se aleja de todo exotismo explorando y mostrando la identidad de una nueva mujer contemporánea que ella misma concibe como metáfora de la Humanidad.

La obtención del Gran Premio Leopold Sedar Senghor de la Bienal de Dakar de 2004 con su video de doble proyección simultánea “Oyé-Oyé” la proyectó internacionalmente. Hoy día sus trabajos se exhiben en múltiples espacios y contextos internacionales.

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Michèle Magema. “The Kiss of Narcisse(e)”,Vídeo monocanal blanco y negro 2010. Duración: 2,30 minutos. Edición 1/5. Imagen cortesía de Galería Saro León.

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 Michèle Magema. “Goddbye Rosa”. Díptico fotográfico. 170x130cm.  2006. Imagen cortesía de Galería Saro León.

 

Paco Guillén (Las Palmas de Gran Canaria, 1974)

Paco Guillén elige el dibujo como campo de experimentación, crea un particular universo influido por su entorno cultural y social más inmediato. La ironía o la amargura son algunos de los recursos utilizados en los dibujos de este artista para aludir a la existencia cotidiana. Sus dibujos son directos, sin concesiones y nos plantean preguntas acerca de la naturaleza del ser humano y su papel como animal social, su obra evidencia  comportamientos extraños en un espacio indefinido que representa la contemporaneidad.

Los dibujos de Guillén son concisos y sintéticos sin amaneramientos técnicos, con una estética personal que cuestiona el virtuosismo técnico como requisito fundamental para hacer arte. Su trabajo está centrado en el campo del dibujo y para ello se vale de todos los recursos que este le brinda (dibujos sobre papel, sobre pared, vídeo-animación, etc.) para retratar “el sentido trágico de la vida”.

Una curiosa especificidad de su obra se halla relacionado con las palabras, estas ocupan un papel importante en la forma definitiva y es que el uso que hace de la palabras no es uniforme, es un recurso que le permite estirar el dibujo hacia lugares interesantes, unas veces se vale de las imágenes que éstas proyectan desde nuestra experiencia para completar dibujos, otras componen de manera netamente plástica, otras más atienden a otros significados a los que no llega la imagen, y otras aún aluden a cierta indefinición gráfica, manchas indefinidas, borrones que nos aproximan conceptualmente a otras cualidades del dibujo.

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Paco Guillén. “Ruido en Blanco”. Instalación. Videoanimación  sin sonido, 50 segundos en loop
7 dibujos grafito sobre papel de 21 x 29,7 cm cada uno. 2011. Imagen cortesía de Galería Saro León.

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GALERÍA SET ESPAI D´ART. VALENCIA, ESPAÑA.

Directores: Joan Montagud/ Reyes Martinez

 www.setespaidart.com

Indican sus directores:

“Tras nueve años en Jávea (Alicante), la apertura de Set Espai d´Art en Valencia supone aumentar su compromiso con el arte contemporáneo mediante una programación anual. Buscamos definir el proyecto de la galería mostrando especial atención a las últimas tendencias y a los jóvenes artistas. Artistas que se mueven desde el campo de la pintura, la escultura o el dibujo hasta la fotografía, el video o la instalación”.

 

Artistas en la feria

Javi Moreno, Rubén Tortosa y Sara Sanz

 

Javi Moreno (Sant Joan d’ Alacant, Valencia, 1982)

Apropiándose de autorretratos colgados en la red, reivindica la adolescencia como formación del individuo desde la más absoluta libertad, abordando temas como la sexualidad, la masculinidad, Internet como espacio de relación del yo más íntimo y la sociedad.

 

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Javi Moreno.“L^tumblr_m28dq9YDmA1rt23xmo1_1280”, Técnica mixta. Medidas 120 x 60 cm. 2012. Cortesía de Galería Set Espai d´Art.

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Javi Moreno. “L^58304_264863266949342_308220667_n”. Técnica mixta. Medidas 120 x 60 cm.2012. Cortesía de Galería Set Espai d´Art.

 

Rubén Tortosa (Moixent, Valencia, 1964)

Presenta su último trabajo bajo el título “Levedad”, donde captura la imagen de un paisaje mediante un dispositivo de registro digital, cambia el tiempo de la espera por tiempo simultáneo, convirtiéndonos en espectadores del proceso, en el que la realidad se transforma en representación.

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Rubén Tortosa. “Levedad I” y “Levedad II”. Técnica registro digital transferido sobre poliuretano acrílico. Medidas 70×50 cm. 2012. Cortesía de Galería Set Espai d´Art.

 

Sara Sanz (Zaragoza, 1980)

Presenta su último trabajo bajo el título de “Sin Sentidos”, donde plasma la contradicción de los cinco sentidos naturales y a la vez muy artificiales. En su obra se columpia entre los bucles de esta dicotomía que ella conoce tan bien el surrealismo pop.

 

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 Sara Sanz. “Iwazaru”. Técnica acrílico sobre tela. 60×60 cm. 2012. Cortesía de Galería Set Espai d´Art.

 

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Sara Sanz. “Sin sentir tu veneno”. Técnica acrílico sobre tela.50×50 cm. 2012. Cortesía de Galería Set Espai d´Art.

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GALERÍA TRAMA. BARCELONA, ESPAÑA.

Director: Joan Anton Maragall Garriga

www.galeriatrama.com

 

Galería Trama, creada en 1991, se dedica a la promoción del arte contemporáneo y se define por reunir diferentes estilos e ideas. Expone un grupo estable de artistas de sólida trayectoria, trabajando asimismo con artistas emergentes de diversas procedencias nacionales e internacionales. Trama ha visto reconocida su labor y actualmente ocupa un lugar consolidado en el mundo del arte. Organiza regularmente exposiciones en colaboración con galerías españolas y del extranjero, así como con instituciones, museos y participa en ferias internacionales. Trama es miembro de l’Associació de Galeries d’Art Contemporani ART BARCELONA (ABE) desde su fundación y del Consorcio de Galerías españolas de arte contemporáneo (CG).

 

Artistas en la feria

Javier Vázquez y Gonzalo Sicre

 

Javier Vázquez

La pintura de Javier Vázquez parte de la fotografía con la intención de dotar de veracidad a sus obras, además el título se integra en algunas mediante vinilos transparentes sobrepuestos. El tema que rodea las obras gira alrededor de la juventud actual y de cómo afectan los medios de masas a sus vidas. Una sociedad cada vez mas estereotipada, amoldable y superficial son algunos de los ejemplos de las características que nos manifiestan sus pinturas. En trabajos anteriores nos mostraba una sociedad con una aceptación de una violencia palpable; sin embargo, ahora se centra en una mirada hacia la sociedad más joven y de su particular visión del mundo, de la música, series, películas…que estimulan la figura adoradora del dinero, consumismo, desenfreno, lujo y sexo. Aunque no se trata de una crítica, Javier Vázquez afirma que estas pinturas son un reflejo de la sociedad, de la vida y lo que nos rodea.

 

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Javier Vázquez. “Cris”. Mixta sobre madera, 64 x 80 cm. Imagen cortesía de Galería Trama.

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Javier Vazquez. “All included”. Mixta, acrílico en tabla. 115 x 150 cm. Imagen cortesía de Galería Trama.

 

Gonzalo Sicre

En la feria JUSTMAD4 Gonzalo Sicre presentará su trabajo más reciente titulado: “DAAR AAN HET EIND OOSTENDE” (Allá, al final, Ostende), obras realizadas en óleo sobre tela, tabla, papel y la videoinstalación titulada “El sonido de Ostende”.

Como comenta Sicre: “El viaje es el germen de esta exposición. Un pintor Leon Spiliaert y un territorio pintado en Ostende, la pequeña ciudad de Flandes donde nació, son el faro de este trabajo que para mí, conforme transcurre el tiempo, tiene algo de memoria fragmentada”.

La obra de Gonzalo Sicre se define por su carácter poético y por el contenido conceptual de sus imágenes, de alto poder evocador. Su figuración se centra en paisajes, personajes y objetos que se funden, plasmados en un tono onírico, en una atmósfera azul, silenciosa, solitaria y reflexiva.

En esta ocasión, Sicre se centra, sin concesiones, en su propia investigación pictórica que le conduce a nuevas formas de trabajar con la pintura al óleo. Parte de imágenes captadas pero usándolas sólo como un recurso iconográfico, ya que su verdadero interés radica en la consecución de nuevos tratamientos de la materia de la que están formados sus cuadros, es decir, del óleo, que en algunas obras se convierte en el único referente. Se trata de un homenaje a la pintura misma, a través de obras en las que la forma de aplicar la trementina decide el espesor, la textura, la transparencia o las gamas cromáticas que envuelven las figuras y los espacios interiores. El artista ha conseguido una interrelación entre factores físicos y químicos que, sabiamente elaborados e incluso “cocinados”,  dan como resultado un festín puramente estético.

La trayectoria de este artista gaditano establecido en Cartagena se desarrolla a partir de la década de los años noventa, cuando expone en diferentes ciudades del levante: Valencia, Alicante, Murcia, Cartagena y Cádiz, así como en casi toda la geografía española, tanto en muestras individuales como en colectivas. En el 2001, el Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid, le dedica una individual en el Espacio Uno titulada “Continental”. Desde 1995 participa regularmente en la feria ARCO de Madrid y en otros certámenes internacionales, tales como: Art Chicago (USA), ArtBrussels’07 (Bélgica), Scope Basel 2008 (Suiza) y Artesantander’09, este último en colaboración con la Galería Trama. Ha recibido diferentes premios, entre ellos: en el 2001 el Primer Premio Todisa de Pintura (Madrid) y en el 2003 fue becado en la VIII edición de la Beca Endesa para Artes Plásticas (Teruel). En el 2004 le conceden el Premio Caja Castilla la Mancha (Toledo) y en el 2006 el Premio de la Diputación XVIII Bienal de Pintura Ciudad de Zamora. Tiene obra en numerosas colecciones privadas  de prestigio y museos como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid, el IVAM de Valencia, el ARTIUM de Vitoria, el CAAM de las Palmas de Gran Canaria, y en diversas  fundaciones como Coca-Cola, Unión FENOSA, Argentaria, Bancaixa, CajaMadrid, Banc de Sabadell, Caja de Ahorros del Mediterráneo, así como de diferentes ayuntamientos como el de Cartagena, Valdepeñas y Cádiz, entre otras.

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Gonzalo Sicre . “im salem hemelin”. Óleo sobre tela 130 x 195 cm. 2011. Imagen cortesía de Galería Trama.

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GALERIA TREMA.  LISBOA, PORTUGAL.

Director: Pedro Loureiro

 www.trema-arte.pt

Trema Arte Contemporánea fue fundada en 1992 en Lisboa con el objeto de promover el trabajo de artistas emergentes y establecidos en los medios de la pintura, escultura, dibujo, técnica mixta e instalación.

La galería sigue desarrollando su programa y está abierta a nuevas ideas en arte que reflejen el eclecticismo del arte portugués actual.
Trabajan en colaboración con los artistas que presentan su obra en exposiciones individuales y colectivas en su galería. También están implicados en otros proyectos a través de intercambios con otras galerías y asociaciones culturales y participan en ferias de arte.

 

Artistas en la feria

Ana Sofía Gonçalves, Brígida Machado y João Castro Silva

 

Brígida Machado (Évora, 1980)

Licenciada en Pintura Faculdad de Bellas Artes de Lisboa. Frecuencia del Master de Dibujo, Faculdad de Bellas Artes de Lisboa en 2008. Beca/Erasmus Faculdad de Bellas Artes de Lisboa en intercambio con Accademia di Belli Arti di Brera, Milan, Italy. Reside y trabaja en Évora, Portugal.

Brígida Machado muestra en JUSTMAD una serie de obras basadas en la fábula. Desarrolla su estilo pictórico, con un énfasis especial en las formas fuertes y claramente establecidas, con su pincelada vigorosa, muy colorida. Las fábulas son “mentiras que dicen verdades”.

Escribe sobre ella Richard Zimler en “The Mystery in Brígida Machado´s Work”:

“… En ella, los que miran podrán reconocer muchas de las características comunes a la mayor parte de su pintura: las viñetas aisladas o narrativas, los hombres y mujeres con cabezas de animales (esfinges), el posicionamiento cómico o satírico de las figuras, y lo perverso, la confusión difícil de distinguir entre el juego – juegos para niños – y la tortura. Aquí y en otras partes de su trabajo, parece que ha creado un “rebús” (un rompecabezas en el que los distintos elementos visuales forman una palabra o frase) destinado a conducir al espectador al significado global que reunirá todos los elementos localizados en la pintura. A veces pienso que lo que hace es pintar un texto de una forma muy personal, el lenguaje pictográfico con una forma individualizada de los jeroglíficos a la que sólo ella tiene acceso completo. ¿Por qué, después de todo, está sucediendo realmente? Al final, eso es lo que me gusta de la obra de Machado – que el misterio, la perversidad, la comedia y el horror de sus pinturas me hacen pensar y sentir-“.
 

Exposiciones individuales y colectivas (selección)

2013 Justmad4 Fair, Stand Trema Arte Contemporânea, Madrid
2012 Filete, Galeria Trema Arte Contemporânea, Lisboa. Filete, Galería da Câmara Municipal de Estremoz. 2011 Selección JCE – Jeune Création Européenne 2011, Paris, Hambourg, Bratislava, Pecs, Salzburg, Génova, Hospitalet de Llobregat e Museu Amadeo de Souza-Cardozo, Amarante;
ArteLisboa. Stand Galería Trema Arte Contemporânea, Fil, Lisboa (2002 to 2011)(colectivas).
2010 Podengo, GaleríaTrema Arte Contemporânea, Lisboa; 2009 Pantera, Galería Trema Arte Contemporânea, Lisboa. 2008 Famílias e Corações, Museu Prof. Joaquim Vermelho, Estremoz; 2007 Ai Criaturas e Corações, Galería Trema Arte Contemporânea, Lisboa. Cabinet d’Amateur – Exposición colectiva 20 anos da Sala do Veado, Faculdade de Ciências UL, Lisboa.
2006 Instalación 10 anni di stile na Triennale di Milano (colectiva), organizado por Edizioni Zer0;
2005 Associazione Rossela Quaranta – San Donato Milanese; Associação cultural Lato B (circolo Arci), Milano (colectiva); Associação cultural Sagapó (circolo Arci), Milano (colectiva).
2002 La Gioconda – Galería Trema Arte Contemporânea, Lisboa (colectiva);
Papéis II – Galería Trema – Galería da Secretaria Regional de Turismo e Cultura – Funchal (colectiva).

Premios 

2010 1º Premio de pintura – 4ª edición JABA, Ayuntamiento de Badajoz. 2006 1º premio Concorso di Arti Visive Interpretarti. Associazione Rossela Quaranta – San Donato Milanese; 2001 Premio exposición y fotografia premio en Cámara Municipal de Évora, Portugal.
Exposición Rothschild´s Bank Premio de Pintura, en el Palácio do Correio Velho, Lisboa;

Obra gráfica

2012 Portada de la revista «Psicologia»ISCTE, Universidade de Lisboa.2006 Pinturas in Stile italian magazine Zer0, Itália.
2005 Ilustraciones en “Atlântico” revista Luso-Brasileira (1º edicción);

Colecciones

Fundação Champalimaud, Col. Dr. Miguel Champalimaud, exposición en Hotel «The Oitavos» Cascais. Colección de la Facultad de Bellas Artes de Lisboa (dibujo, el grabado: litografía y calcografía, pintura).

 

 

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         Brígida Machado. “Bodico”. 150 x 150 cm., 2012. Imagen cortesía de Galeria Trema.

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Brígida Machado. Lambeta, 100 x 70 cm. Imagen cortesía de Galeria Trema.

 

João Castro Silva. (Lisboa, Portugal, 1966)

Escribe el artista:

“La escultura es materia, es el espacio real, tridimensional, visible, palpable, sin igual, existencial. Es el concepto y el propósito, la comprensión y la concreción; de la relación entre estas dos dualidades surge la obra. De esta manera, podríamos referirnos a ella en términos procedimentales o de ejecución y hablar, entonces, de pensamiento escultórico como concretización de ideas. La escultura es el resultado de la relación entre el hombre y la materia. Esta permanece tal cual es, más allá de los conceptos y los mecanismos de actuación que subyacen en el proceso creativo de una obra escultórica.

Uno de los factores que me condujo hacia esta área fue, sin duda, la atracción por la materia, la tecnología, la mecánica y la herramienta. De esta fascinación pareció emerger una esencia casi mágica que me ha permitido tomar consciencia sobre el sentido material de cualquier objeto, haciéndolo más tangible y facilitándome su percepción.

Desarrollé diferentes trabajos comenzando por el campo de la investigación formal. Posteriormente, he intentado domar” la materia forzándola hasta su límite, sobrepasando la visibilidad del peso y engañando a la física a través de la ilusión de ligereza. Mis pretensiones eran, por encima de todo, ahondar en la compleja noción de movimiento y hallar el equilibrio entre la verticalidad y la caída.

He elegido siempre la materia en función de los valores intrínsecos que encierra, pero por encima de todo, ha prevalecido inalterable mi voluntad y el deseo de la forma que pensé esculpir en ella. El respeto que tengo hacia los materiales de trabajo ha impedido que alguna vez me haya sentido seducido ni impresionado por lo decorativo. Pienso que el aspecto físico de la materia, por más noble y bella que sea, nunca tendrá mayor interés que la propia forma en sí”.

Biografía

Nacido en Lisboa, Portugal, en 1966. Licenciado en Escultura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa, tuvo una beca de la Fundación Gulbenkian, entre 1991 y 1992. En 1994 frecuentó el curso de fundición de bronce en el Royal College of Arts de Londres. Él es un maestro en Historia del Arte desde 2001 y Doctor en Escultura en la Universidad de Lisboa desde 2010. Trabaja como profesor en el curso de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa, desde 1995.

Trabajando principalmente en piedra, madera y hierro, su trabajo es un acercamiento a la figura humana de una manera a la vez muy personal y muy universal. Formalmente se trata de la representación de la figura humana, la conciencia de sí mismo como el camino a la conciencia de la alteridad, del mundo. Sus obras son una representación de los vivos, o, en otras palabras, una interpretación de la vida a través de los sentidos de los hombres, lo que incluye las emociones y creencias y la cercanía de la muerte. En este sentido, es un tipo de obra muy religioso, no es que sugiere una explicación ni que induzca la apropiación de una religión, sino en el sentido de que hay una inmanencia del ser, una cierta actitud dicha, que va más allá de la rugosidad de las formas y los materiales. Los formularios que se interponen en los límites de la vida, desafiando los saldos y exponer sus propias debilidades, y así inducir la reacción, ya sea interior como relacional, en los observadores. En su obra, como en la vida, la muerte es siempre una presencia prevista, que está en contradicción con los materiales que elige – materias primas o finales – y con las dimensiones que prefiera – cifras exageradas, de gran tamaño o partes de los miembros – que produce un fuerza inevitable, la singularidad de su expresión.

Exposiciones individuales

1996 • “Tentações Temptations” [] Miron Trema Gallery, Lisboa, Portugal 1997 • Dr. Santos Rocha Museo Municipal, Figueira da Foz, Portugal • Galería de Desenho / Empate Gallery, Museo Municipal de Estremoz, Estremoz, Portugal • Casa da Companhia / Empresa Casa, Youth Foundation, Porto, Portugal • Casa Municipal de Cultura, Coimbra, Portugal 1999 • “Encenações Sobre a Morte” [Staging sobre la muerte], Trema Gallery, Lisboa, Portugal 2000 • “Abandono” [Abandonar], Trema Gallery, Lisboa , Portugal 2002 • “Relações” [Conexiones], Museo Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro, Brasil • Instituto de Arquitectos de Brasil, Rio de Janeiro, Brasil • “Homens brancos k ñ Andam” [los hombres blancos que no caminan] , Trema Gallery, Lisboa, Portugal 2003 • O Galpão das Artes Recicladas / El Galpão de Arte Reciclado, Rio de Janeiro, Brasil 2004 • MUMA – Metropolitan Museum of Art, Curitiba, Brasil. • “Relações” (Conexiones) MASC • Santa Catarina Art Museum, Florianópolis, Brasil. • “Espaço Afastamento Passo, Passo Espaço compreendido Entre Afastamento esse” (Espaciado Paso espacial, Espacio Paso entre el Espacio), Trema Contemporary Art, Lisboa. 2006 • “Relações” (Conexiones), Trema Contemporary Art, Lisboa. • “Eu Sei Tudo” (I Know it All), TMG Gallery, de Guarda. 2007 • “Eu Sei Tudo” (I Know it All), Escudeiros Gallery, Beja. 2008 • “Eu Sei Tudo” (I Know it All), Torres Vedras Galería Municipal. • “Eu Sei Tudo” (I Know it All) Trema Contemporary Art, Lisboa. PREMIOS / simposios / CONCURSOS 1990 • Mención de Honor en el concurso para la concepción del símbolo de la Facultad de Motricidad Humana. 1992 • Mención de Honor de Escultura trabaja en la sala de Primavera VII, Casino de Estoril 1993 • Primer Premio en el Concurso “Jóvenes y el Arte”, Amadora Town Hall • Mención de Honor en el concurso “Más allá del Espacio Urbano” – Escultura, Alverca 1996 • ” III Simposio Internacional de Escultura en hierro “, Amadora 1998 • Segundo Premio en el” Simposio Internacional de Escultura ll de Hierro “, Abrantes 1999 • Mención de Honor – Premio de la Fundación Calouste Gulbenkian – en” Juventud Concurso III de las Artes – Francisco Wandscheider “Culturgest , Lisboa 2005 • Doutor Cordeiro Gustavo Ramos Premio de la Academia Nacional de la Academia de Bellas Artes.

João Castro Silva

João Castro Silva . Imagen cortesía de galería Trema.

 

Ana Sofía Gonçalves  

La Exposición de Ana Sofía Gonçalves “Todos los días” es una instalación que combina dibujo, pintura, escultura y collage. En esta obra la artista se inspira en los animales y explora muchos aspectos de sus vidas, que son comparadas con la experiencia humana: la diversión, el amor, la búsqueda de la comodidad, los sentimientos, el humor e incluso el trabajo que, en las granjas y en las zonas rurales, los animales comparten cada día con sus propietarios.

En esta instalación las ilustraciones, las “magic boxes” y los objetos recrean un espacio escénico, un microcosmos pequeño, donde todo puede suceder.

Estas obras contienen elementos simbólicos que son una referencia al universo de la artista. El bosque es el lugar mágico donde la artista se siente bien y da alas a su fantasía, la escalera nos invita a levantarnos para encontrar el lugar de acogida, los paseos en globo entre las nubes invitan a soñar y te llevan hacia la libertad. Entramos en un mundo fantástico, en un lugar íntimo y en un universo soñador, donde es agradable permanecer y soñar.

En las obras “D. Olivia”, “Mr. Onofre” y “Mr. Domingues”, la artista experimenta la ilustración. Estas obras son traducciones simples que son fáciles de entender. “Mr. Domingues”, el gallo, representado con el perfil hierático, domina la pintura. Es un animal realista y colorido, que tiene como atributos el reloj y el cuerno, y su hábitat es la finca. Las inscripciones de la pintura sugieren: “¿es hora?”, “seis de la tarde”, en las nubes aparece “¿es ahora?”. El gallo exuberante marca la hora y el tema.

En este trabajo hay una amplia variedad de técnicas y materiales. El cuerpo del gallo está cubierto por plumas, el reloj es uno de verdad con una cadena de metal. Las perlas que rodean el cuerno sugieren el sonido. En la cuerda está ropa, con hermosos diseños, que se está secando. El paisaje es hermoso. La hierba y las flores surgen en materiales blandos. El día es claro y azul, con nubes talladas en papel, el día es perfecto. En este microcosmos animales viven en paz y armonía.

Ana Sofía Gonçalves trabaja en diversos medios para compartir mejor su proyecto. Los materiales, maquinaria, ropa, plumas, cuerdas, juguetes, ilustran la realidad y despiertan los sentidos. Los objetos que Ana elige tienen que ser estéticamente atractivos y se han aproximado con el objeto real que están representando. La técnica es la pasión de esta artista. El color es un elemento clave en este universo y rellena los objetos con las nociones de “claroscuro”.

En la obra de Ana todos los pequeños detalles y las intervenciones tienen una finalidad estética o simbólica. No hay espacios vacíos en su trabajo, el espacio se llena completamente. Ana tiene que decir y crearlo todo.

 

Ana Sofía Gonçalves (Lisboa, 1979)

Docente de Artes Visuais desde 2004. 2003 – Licenciatura en Artes Plásticas – Pintura, Faculdade de Belas Artes, Universidade Lisboa. 2005 – Curso de Ilustración Infantil, AR.CO – Centro de Arte e Comunicação Visual, Lisboa.

Exposiciones Individuales

2005 – Privacidades, Galeria Trema, Lisboa. 2006 – Privacidades, Galeria Municipal Paços do Concelho, Câmara Municipal de Torres Vedras. Privacidades, Galeria Municipal D. Dinis, Museu Municipal Prof. Joaquim Vermelho, Estremoz. 2007 – Contar histórias, Galeria Trema, Lisboa. 2008 – Histórias de animais e outras tantas mais, Galeria Trema, Lisboa. 2009 – Memórias Arquivadas, Galeria Trindade, Porto. 2010 – O porquinho que queria ser rei, Galeria Trema, Lisboa.

Exposiciones  Colectivas

1998  –  Um olhar português sobre a Arábia Saudita –  Exposicióne coletiva de Pintura, realizada por el Pavilhão da Arábia Saudita,  Expo 98, en el Hotel Meridien, Lisboa. 2003  –  VII Edicióne del Prémio de Pintura e Escultura D. Fernando II, Câmara Municipal de Sintra.  2004  –  Andar Modelo, Galeria Parthenon, Lisboa. VIII Edicióne del Prémio de Pintura e Escultura D. Fernando II, Câmara Municipal de Sintra. Exposicióne del finalistas de la Faculdade de Belas Artes de Lisboa, Centro Cultural de Cascais. 2005  –  IX Edicióne del Prémio de Pintura e Escultura D. Fernando II, Câmara Municipal de Sintra. Artelisboa,  FIL, Lisboa. 2006  – Artelisboa, FIL, Lisboa. 2007  – 13º Exposição Internacional de Artes Plásticas de Vendas Novas, Câmara Municipal de Vendas Novas.2007  – Artelisboa, FIL, Lisboa. 2008  – Artelisboa, FIL, Lisboa. 2009  – Cães,  Galeria Trema, Lisboa. Exposicióne de subasta Ikea/Solidariedade, com la personalizacióne de una estante Billy, Palácio Braamcamp, Lisboa. Artelisboa, FIL, Lisboa. 2010 – Ilustrarte, Bienal internacional de ilustracióne para la infancia, Museu da Electricidade, Lisboa. Artelisboa, FIL, Lisboa. 2011  – Amoreiras Art,  Lisboa. 2010/2011 – Spongebob como nunca antes visto,exposição itenerante no Museu da Água, Oeiras Parque, Braga Parque y SMAS de Oeiras y Amadora.2011 – Snoopy Parade, Lisboa. A sardinha é minha, exposicióne del concurso de sardinas de las Festas de Lisboa, Fundação Millennium Bcp, Lisboa. 2012 – JustMad3, Madrid. JustMad4, Madrid.

Proyectos

2006  – Concepcióne y execucióne de la  decoracióne del Atl Riscos e Rabiscos, Mafra. 2008  – Ilustracióne del libro infantil A princesa que veio da lua, Maria João Carvalho, Everest. 2009 – Concepcióne y execucióne de escenarios para el canal de televisión online Speaky TV, Lisboa. Ilustracióne para la publicacióne Noesis, Ministério da Educação, Lisboa. Participacióne en el proyecto Ikea/Solidariedade, com a personalizacióne de una estante Billy, Lisboa. 2010 – Concepcióne y execucióne de la decoracióne del bar Inferno, Galerias Lumiére, Porto. 2010, 2011 – Ilustracióne y design de los cartazes para o 8º e 9º encuentro Eterna Biblioteca, de professores y educadores del concelho de Sintra sobre bibliotecas escolares.  Ilustracióne y design da la capa del libro Não atires pedras a estranhos porque pode ser o teu pai, de Fernando Alvim. Concepcióne y execucióne del escenario para la apresentacióne del libro Não atires pedras a estranhos porque pode ser o teu pai, de Fernando Alvim, Hospital Júlio de Matos, Lisboa.

Premios 

1998  –  3º Premio de Pintura en el concurso Um olhar português sobre a Arábia Saudita, Lisboa. 2003  –  Mencione de Honor em Escultura, VII Edição do Prémio de Pintura e Escultura D. Fernando II, C. M. Sintra.

Aquisiciones 

Câmara Municipal de Torres Vedras. Câmara Municipal de SintraInstituto Português do Livro e das Bibliotecas

 Dona Olivia, técnica mista sobre papel, 50x31cm,2009

Ana Sofía Gonçalves. “Dona Olivia”. Técnica mixta sobre papel, 50x31cm. 2009. Imagen cortesía de Galeria Trema.

 

Sr. Domingues, técnica mista sobre papel,50x31cm,2009

Ana Sofía Gonçalves. “Sr. Domingues”. Técnica mixta sobre papel, 50×31 cm. 2009. Imagen cortesía de Galeria Trema.

 

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GALERIA YUSTO GINER. MARBELLA, ESPAÑA

Directoras: Graciela Giner y Sara Martin Blanco

http://yusto-giner.com/

 

Artistas en la feria

Tom Betthauser, Steve Chapman y Alex Luke

 Tom Betthauser (San Francisco, California, Estados Unidos, 1987) 

Vive y trabaja en California City. Indica Betthauser: “Para un pintor dibujar es, a menudo, una forma de enfocar, reducir y simplificar. Llevo años centrándome únicamente en dibujar, y mientras dibujo he intentado estudiarme a mí mismo a través de mi trabajo. Mi mente siempre está ansiosa, poniendo orden a una realidad compleja y caótica; partiendo de relatos, lenguajes y estructuras mis manos daban servicio a esta necesidad. Una y otra vez he visto cómo la pintura (y el dibujo) han negado este proceso. El arte parece siempre insistir en el presente, descartando el pasado y el futuro como ficciones. Ahora mientras comienzo a pintar, intento ver mi mundo de forma diferente, yendo más allá de la narrativa, y plasmando el presente a través de mi trabajo.”

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Tom Betthauser. “Inn”. Óleo sobre tela. 10 x 13 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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         Tom Betthauser. “Inn”. Óleo sobre tela. 10 x 13 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Tom Betthauser. “Town”. Grafito sobre papel. 38 x 56 cm. 2011. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Tom Betthauser. “Sin título”. Óleo sobre tela. 124 x 86 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

Steve Chapman (Beaufort, South Carolina, 1976)

Vive y trabaja en Nueva York. Indica Chapman: Estudio las relaciones que las personas tienen con la imagen de sí mismos dentro del amplio contexto de la cultura mediática. Utilizando una forma visual de editar imágenes muy similar a la empleada en composiciones cinematográficas, Photoshop, el networking social y otros clichés, mi obra refleja la influencia conformista que dicta la vida cotidiana.”

 

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Steve Chapman. “Sittin and Pretty”. Oleo sobre tela. 76 x 132 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Steve Chapman. “Jill”. Óleo sobre tela. 89 x 101.5 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Steve Chapman.“Jojo”. Óleo sobre tela. 101.5 x 178 cm. 2008. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

 

Alex Luke (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1984) 

Alex Luke nació en Los Ángeles,  y se graduó en el San Francisco Art Institute en el año 2009, recibiendo su Bachelor of Fine Arts en pintura. Su obra cobra sentido a través de varias disciplinas artísticas que van desde la escultura hasta el diseño de vestuario. Recientemente ha estado explorando los residuos emocionales y psicológicos de su infancia y adolescencia a través de un lenguaje narrativo. Después de viajar y exponer su obra en Londres y Los Ángeles, en la actualidad vive y trabaja en San Francisco.

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Alex Luke. “Sin título”, 2012. Gouche y tinta sumi sobre papel. 28 x 35 cm. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Alex Luke. “Sin título”. Gouche, grafito y tinta sumi sobre papel. 51 x 40 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.

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Alex Luke. “Sin título”. Gouche y tinta sumi sobre papel. 140 x 106 cm. 2012. Imagen cortesía de Galería Yusto Giner.