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Entrevistas

GIULIETTA SPERANZA

Giulietta Speranza, Directora de MADRIDFOTO 2012: “Existe en España un coleccionismo de fotografía de muy alto nivel pero no muy numeroso”

Por Alma Ramas López.

Giulietta Speranza (1969) es Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Roma. En 1998 es becada para estudiar en los cursos de Sotheby’s en Londres. En 1992 obtiene la beca de estudios para trabajar en el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, donde realiza su tesis sobre la política de adquisiciones en los museos de arte contemporáneo. En1996 através de la beca Europea Leonardo comienza a trabajar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), donde desarrolla en un primer momento trabajos de registro, coordinación y finalmente de gestión en la subdirección del museo. En 2003 comisaría la exposición de Per Barclay en el Palacio de Cristal. Posteriormente se incorpora como Subdirectora Artística de PHotoEspaña en la octava y novena edición del festival (2005-06) trabajando en contacto con algunos de los principales fotógrafos internacionales como Joel Sternfeld, Burtinsky, Bertin Van Manen o Guy Tillims. Desde el año 2000 es parte del colectivo “Doméstico”, que organiza diversos eventos culturales en la ciudad de Madrid.

Durante los últimos cuatro años ha ejercido de Directora Artística de ArtFairs S.L., empresa dedicada a crear y desarrollar eventos culturales y para la que ha dirigido la Feria Internacional de Arte Contemporáneo JUSTMAD (www.justmad.es) y la Feria Internacional de Fotografía MADRIDFOTO (www.madridfoto.es), cuya última edición se celebrará del 7 al 10 de junio en la Nave 16 de Matadero Madrid.

Hoy en día, sacar adelante una feria internacional como MADRIDFOTO, es tarea de titanes. ¿Cumple con sus expectativas?

MADRIDFOTO es un proyecto por el que seguimos apostando porque creemos en él.

No puedo hacer balance hasta el final de la feria pero sí podemos afirmar que en esta cuarta edición hemos cambiado las fechas para que coincida con la apertura del Festival PHotoEspaña, que es muy importante a nivel nacional e internacional y poder aprovechar entonces la mayor afluencia de un público especializado.

Quisiera hacer hincapié en el hecho de que todavía hay entre el gran público una confusión entre el concepto de feria y el de festival, que son como dos motores diferentes que siguen su andadura paralelamente. Podemos afirmar que el motor de las exposiciones y muestras está bastante desarrollado y con un gran nivel. En cambio, el motor del mercado lo está menos y eso es lo que queremos desarrollar y para eso estamos nosotros.

Estamos muy orgullosos de los avances de estos cuatro años, pequeños pero avances al fin y al cabo en el terreno del mercado.

Además me gustaría agregar que la distribución de las galerías en la Nave 16 de Matadero no está solucionada con pasillos, sino que la presentamos en cuatro plazas, una de ellas dedicada al Arte Latinoamericano. De esta manera los visitantes se sentirán mucho más cómodos y se evitarán también las aglomeraciones. Además, las obras respiran mejor.

¿Con qué calificativos definirías el arranque de esta edición?

SELECTA Y DE ALTÍSIMA CALIDAD.

MADRIDFOTO mantiene una apuesta firme por el Arte Latinoamericano. ¿Podría abundar sobre el tema?

Este año ha colaborado con nosotros el escritor y crítico Andrés Isaac Santana (Cuba, 1973), y hemos creado dentro de la feria un pabellón con fotografía latina. Lo que pretendemos es crear relaciones con todos los agentes del continente latinoamericano, como ferias especializadas y otros eventos, ayudando así al aumento del coleccionismo.

El coleccionismo en España es un tema muy debatido. ¿Cree que existe un coleccionismo de fotografía fuerte en nuestro país?

Fuerte no. Existe en España un coleccionismo de fotografía de muy alto nivel pero no muy numeroso y luego está naciendo otro tipo de coleccionista más joven, atrevido y muy preparado.

En MADRIDFOTO tenemos preparado un programa para coleccionistas de fuera. Se trata de unas 40 parejas que vendrán y participarán en los distintos programas que ofrecemos y que esperamos que compren. Sin detrimento por supuesto del público en general que, sin ser coleccionista, se entusiasme con alguna o algunas obras de la feria y las adquieran.

¿Piensa que en España hay una buena cantera de fotógrafos emergentes? ¿Su proyección internacional es suficiente?

Sí, hay muy buena cantera ahora mismo acompañada de alguna buena escuela. Con respecto a su promoción, es todavía muy escasa tanto desde el punto de vista institucional como privado. Por otra parte tengo la sensación que los fotógrafos mismos tienden a organizarse en colectivos para promoverse con más facilidad en el extranjero.

¿Es MADRIDFOTO la oportunidad de adquirir obras de arte por precios accesibles?

No me gusta nada plantear la compra de fotografía en estos términos. La fotografía tiene los precios que rige el mercado y son muy variables dependiendo de la edición, la calidad y el tipo de artista. Sí es verdad que en general la fotografía tiene precios más accesibles por cuanto  no son obra única, pero insisto que se puede encontrar un abanico amplio para que los amantes del arte puedan adquirir obras muy buenas sin que signifique un gran desembolso.

¿Tiene preferencia alguna entre la fotografía digital y la analógica?

En general tiendo a apreciar más las analógicas pero ya me ha pasado más de una vez que la foto tenía “trampa” y yo no lo he visto…En general miro la calidad artística de la fotografía.

La fotografía es ya todo un fenómeno de masas. ¿Es peligroso para el panorama artístico?

Ahora hay mucho de TODO, no solo fotógrafos.

Siendo un fenómeno de masas, lo que se está produciendo es un mayor conocimiento de los básicos de la fotografía y por ende cada vez mayor cantidad de personas experimentan con la cámara , o el teléfono.

Yo no lo veo como un problema…Más aún, hay fotógrafos muy conocidos que ya han realizado alguna exposición de fotografías tomadas con el teléfono móvil. Si se es artista de verdad y se conoce el oficio, la diferencia se suele notar enseguida.

Con el actual contexto económico, ¿cómo mirar hacia adelante para seguir creciendo?

La única manera de poder seguir haciendo un proyecto es colaborando entre todos los agentes que implican, en nuestro caso,  una feria: organización, galeristas, sponsors, prensa, etc.

Hay que tener muy claro el objetivo que se quiere alcanzar y ponerse todos en armonía para lograrlo.

¿Cuál es la esencia de la fotografía?

Para mí la fotografía es magia: ¡es como el ojo de un mago!

¿Está ya pensando en MADRIDFOTO 2013?

Pensando sí, pero no puedo adelantar nada.

 

ENRIQUE DE POLANCO

Enrique de Polanco, Presidente de ArtFairs: “El gran mercado del arte hoy en día está en Miami, y desde JUSTMAD lo que queremos es llevar las galerías a ese gran mercado”

Por Alma Ramas López.

Enrique de Polanco es Presidente de ArtFairs S.L., la empresa que desde el 2008 organiza  las ferias JUSTMAD y MADRIDFOTO, feria esta última cuya última edición se presentó ayer en una rueda de prensa celebrada en Las Naves del Español, en Matadero Madrid. Después de la rueda de prensa, en la que participaron Giulietta Speranza, Directora de la feria, Pablo Berástegui, Coordinador General de Matadero, Andrés Isaac Santana, Coordinador del Foro de Expertos de la feria y Gestor del Espacio Latinoamericano y Adriana Cantis, responsable del Primer concurso de arquitectura social Konecta, Enrique de Polanco tuvo la amabilidad de responder a XTRart algunas preguntas sobre sus proyectos presentes y futuros.

Desde 2008 preside ArtFairs, empresa que ha dado un importante impulso al coleccionismo de arte emergente en nuestro país a través de las ferias JUSTMAD y MADRIDFOTO. ¿Es usted coleccionista? ¿Tiene usted alguna preferencia a la hora de coleccionar?

Sí, soy coleccionista. Compro lo que me apetece, aunque sí es cierto que compro mucha fotografía.

¿Como nace MADRIDFOTO?¿Podría hablarnos de su origen?

JUSTMAD nace de la percepción de que ARCOmadrid podía tener ferias satélites que potenciaran el arte emergente, especialmente español. Del mismo modo, MADRIDFOTO nace de pensar en áreas a las que podíamos dedicar una feria de arte, en tipos de feria que no existían en España. A diferencia de otros países, vimos que aquí no existía una feria internacional dedicada exclusivamente a la fotografía.

Hoy mismo se acaba de anunciar la creación de una nueva filial de JUSTMAD en Miami, lo cual nos parece una idea fantástica, ya que posibilitará aprovechar las sinergias con Basel Miami y el resto de ferias que se celebran a la vez en la ciudad. ¿Con qué ánimo viajan a Florida? ¿Con quiénes desean competir?

En principio no pretendemos competir con nadie. En Miami coincidiremos con Basel Miami y otras muchas más ferias, pero no hay ninguna en principio parecida a JUSTMAD en cuanto a concepto. La intención de JUSTMAD es llevar arte español, europeo y latinoamericano emergente, un concepto que aún no existe en Miami, o que está desperdigado. Nosotros queremos cubrir un hueco que nadie ha cubierto hasta la fecha.

¿Su instalación en Miami implicará por parte de JUSTMAD dar una mayor importancia al arte latinoamericano?

Claro. Pero no sólo allí. También queremos que este contenido llegue a España. Hasta la fecha es bastante difícil que las galerías latinoamericanas vengan a España.

Muchas galerías latinoamericanas han afirmado en los últimos años que no querían venir a España debido a las pocas posibilidades de venta motivadas por la crisis. ¿Ejercerá la nueva JUSTMAD de Miami de puente para atraer más galerías procedentes de América Latina a Madrid?

Por supuesto. Aunque, en todo caso, lo básico es que el gran mercado del arte hoy en día está en Miami, y desde JUSTMAD lo que queremos es llevar las galerías a ese gran mercado, llevarlas a donde está el mercado. Después de la última edición de ARCOmadrid y las demás ferias paralelas como JUSTMAD se ha demostrado que la compra de arte no está tan mal. El comprador de arte no es el que está metido de lleno en la crisis. Además, el objetivo principal de JUSTMAD es el de “crear mercado”, y el arte emergente es propicio a ello, porque es un arte muy barato en la mayoría de los casos, un arte muy asequible. Ello explicaría el éxito de la última edición de JUSTMAD: el 80% de las galerías vendieron arte emergente, muy asequible, y ello se tradujo en un gran éxito de público, en la mayor afluencia de visitantes conseguida hasta la fecha por la feria.

¿Este concepto va a prevalecer en Miami?

Nosotros queremos lo mismo. El mismo concepto de mostrar arte emergente va a prevalecer en Miami. Es curioso, pero hay una gran tendencia internacional por comprar arte emergente español, que está muy bien considerado. En la edición de JUSTMAD de este año han venido grandes coleccionistas extranjeros que han comprado. Por lo tanto, nuestra idea es llevarnos la feria donde se supone que está el mercado.

¿Y cuál será el siguiente paso de su expansión, Londres?

Paso a paso. Antes que Londres, Nueva York no estaría tan mal.

Nos consta que ArtFairs tiene otro nuevo gran proyecto entre manos, en España. ¿Se trata de una nueva feria?

No es realmente una feria. Va a ser un festival, en Palma de Mallorca. No se descarta que tenga una parte más comercial, de feria propiamente dicha. Pero en principio es más un festival, un proyecto que abarca la producción, traer artistas internacionales a España, enseñar aquí lo que está sucediendo en el mundo… En conclusión, se trata de un festival de carácter internacional. Pero aún es un proyecto. Estamos esperando que la situación económica se normalice, que las instituciones estén todas de acuerdo. Porque se trata de un proyecto bastante institucional. Nos lo han propuesto, y nosotros estamos dispuestos a hacerlo, pero el proyecto aún está muy verde. Pero sí, es cierto que el proyecto existe y ya estamos trabajando en ello.

¿Usted no se atrevería a una Bienal de Arte Latinoamericano en España?

Sí, claro. Desgraciadamente yo me atrevo con todo. El problema es que en la situación actual es muy difícil conseguir dinero. Por poner un ejemplo, este año nos ha costado bastante realizar MADRIDFOTO. Al final hemos conseguido realizarla gracias al apoyo del Ayuntamiento de Madrid, pues estaba difícil. Por cierto, Matadero Madrid es un sitio fantástico. El espacio que albergó la edición del año pasado también se puso las pilas para que celebráramos allí la feria, y estamos agradecidos por ello. Pero se adelantó Matadero, y estamos muy contentos de estar aquí. Respecto a la Bienal, sí, también me la han propuesto. Aunque ahora me lo están proponiendo todo. Se ha hablado, pero no es tan fácil su realización. Hacer una bienal exige mucho dinero, mucho esfuerzo, los países están dispuestos… pero poco a poco.

 

ANDRÉS ISAAC SANTANA

Andrés Isaac Santana: “Habría que preguntarse cuáles son los límites de la cultura latinoamericana contemporánea en medio de un mapa globalizado”

Por Alma Ramas López.

Andrés Isaac Santana es crítico, ensayista y comisarios de exposiciones. Nacido en Matanza, Cuba, en 1973, es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de La Habana y Máster en Arte cubano en la misma Facultad.  Autor de varios libros sobre arte cubano y latinoamericano y de más de trescientos artículos y ensayos en medios especializados, entre su obra destacan los libros “Imágenes del desvío: La voz homoerótica en el arte cubano contemporáneo” (J.C. Sáez Editor. Santiago de Chile. 2003), “Ensayo sobre el tratamiento de la sexualidad y los discursos de género en el arte cubano contemporáneo” y la antología revisada de la crítica cubana en los 90 “Nosotros, los más infieles: Narraciones críticas sobre el Arte Cubano 1993-2005″, publicada por el sello editorial CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo), en enero 2008 Ciudad de Murcia.

Corresponsal en España de la prestigiosa revista de arte latinoamericano “ArtNexus” y de la publicación “Arte al día Internacional”, es colaborador habitual en el suplemento “ABCD” del diario “ABC”. Escribe en las revistas de arte y cultura contemporáneas “Art.es”, “ArteContexto”, “ART NOTES”, “cubaencuentro.com”, “artFacts.net”, “Arte al Día Internacional” y “Arte al Límite”, entre otras publicaciones extranjeras.

Este año es el encargado de la selección latina de la 4º edición de la Feria Internacional de Fotografía Contemporánea MADRIDFOTO 2012 y coordinador del Foro de Expertos: “Lo fotográfico y la fotografía: Coleccionismo, comercialización y nuevos paradigmas de transacción de la imagen”.

Ha tenido la amabilidad de visitar la redacción de XTRart y mantener una amena charla con la redacción sobre los pormenores de su proyecto curatorial y el evento teórico que ha coordinado para esta nueva edición de MADRIDFOTO 2012. Os presentamos una selección de los mejores momentos de la charla.

 Entrevista a Andrés Isaac Santana (Matanzas, Cuba, 1973).

Acerca de la selección y sus criterios 

El proyecto inicial valoró un amplio grupo de alternativas para articular una selección convincente. Por ello decidimos, luego de varios análisis, apostar más por la calidad de la obra expuesta que por la cantidad de galerías. Algo que ocurre en otro tipo de ferias donde el criterio de selección se basa más en el número y no en el valor de la propuesta. En este sentido debo reconocer la lucidez y perspectiva de Giulietta Speranza, dado que en su rol de directora de ambas ferias MADRIDFOTO y JUSTMAD, ha preferido siempre apostar por un “modelo inclusivo” pero mesurado que se traduce en una feria amable y no asfixiante. Un modelo un tanto más humano que desatiende la grandilocuencia del espectáculo al uso y prioriza la calidad de la puesta en escena.

Respecto al apartado latino, no contamos con una selección extremadamente amplia e invasiva pero sí, de algún modo, representativa. Se trata de propuestas que funcionan como “eco elocuente” de lo que es o de lo que “se entiende” por fotografía latinoamericana. La representación no parte de la idea de que sean solo galerías latinas las que expongan la obra de fotógrafos latinoamericanos. Tal presunción resultaría una ignorancia toda vez que habría que preguntarse cuáles son los límites de la cultura latinoamericana contemporánea en medio de un mapa globalizado que tiende, por fuerza, a la estratificación de los márgenes y a la desautorización del concepto mismo de aduana. La cultura latinoamericana se produce en todas partes, sus principales actores y artífices: los artistas que la dibujan y relatan, se desplazan con tal grado de permutabilidad e intermitencia que tales movimientos obligan a replantearse las nociones de límite y de frontera. Es por ello que contamos con la presencia de galerías españolas que trabajan con fotógrafos del área, advirtiendo de este modo la existencia de puentes y de vasos comunicantes, más que de brechas o agujeros donde se escora el ostracismo más ensordecedor. A todos estos galeristas, de una orilla y otra, mi más sincero agradecimiento.

Las galerías

Sería justo hacer mención a los proyectos de acento latino y de muy alto nivel conceptual, que nos traen Galería Habana, Dot Fifty-One Gallery, Galería La Acacia, Blanca Berlín, raymaluz Art gallery, Espacio Mínimo, Distrito4, por solo citar algunos. Resulta destacable el trabajo de los fotógrafos Marta María Pérez Bravo, René Peña, Alexander Apóstol, Lidzie Alvisa, Veru Iché, Adonis Flores, Felipe Dulzaide, Jorge Otero, Jorge Miño, Lilliana Porter y Glauber Ballestero. Entre todas estas poéticas se teje un mapa conceptual complejo que ofrece la posibilidad de viajar en varias direcciones por el territorio de lo fotográfico señalando así varios recorridos que se inscriben en las preocupaciones dominantes del contexto latinoamericano e internacional. El hecho de contar con nuevas galerías que antes no habían participado en la feria, estimula también el coleccionismo de un lado a otro, flexibilizando sus márgenes y fraguando nuevos vínculos de colaboración. Se trata de establecer nuevas conexiones que favorezcan otros mapas y otras relaciones contractuales entre el contexto cultural español y otras áreas a las que nos vinculan procesos históricos pasados y recientes. Muchos de los fotógrafos que exponen aquí en la feria cuentan ahora mismo con exposiciones personales en otros ámbitos, lo que igual ayuda a establecer sinergias entre el perímetro de la feria y otras áreas del sistema cultural. Glauber Ballestero, por ejemplo, inauguró ayer noche su primera personal en Madrid en raymaluz Art gallery al tiempo que  exhibe otra personal en la11 Edición de la Bienal de La Habana. Estas conexiones las tuvimos en cuenta a la hora de escoger y priorizar. Ningún evento del mundo del arte sobrevive por sí solo sin el apoyo de todos los agentes del tinglado que le circunda.

Sobre el foro: La voz y el debate

El foro de experto, tomando como punto de partida el enunciado: “Lo fotográfico y la fotografía: Coleccionismo, comercialización y nuevos paradigmas de transacción de la imagen”, pretende reflexionar acerca del estado de las prácticas fotográficas latinoamericanas contemporáneas y de sus modelos de resistencia y permanencia en el discurso del arte; lo mismo que de sus mecanismos en la configuración de sentidos y la capacidad retórica de la imagen fotográfica a la hora de articular discursos autónomos con más o menos independencia del resto de lenguajes visuales. Pretende, por tanto, advertir sobre los nuevos desplazamientos de la fotografía del área y señalar nuevos (y posibles) derroteros respecto de la mirada crítica sobre la misma. Inicialmente diseñamos un dispositivo retórico-discursivo en base a un programa de mesas, debates y ponencias estelares, pero, como he señalado antes, la realidad impone sus propias normas. Siendo así, nos vimos obligados a re-diseñar una y otra vez el formato hasta llegar a la versión definitiva. No obstante deseo subraya mi satisfacción frente al resultado del mismo ya que es un privilegio sentirme arropado por voces de profesional de tan alto nivel en los órdenes de la escritura y del pensamiento. Quiero también, y si me permites,  aprovechar la oportunidad que me brinda esta entrevista a la que tan amablemente has convocado para agradecer el interés y la voluntad de participación de aquellos que por motivos ajenos a nuestra voluntad no han podido asistir. Lamento sobre todo una gran ausencia, la del investigador, crítico, ensayista y curador Juan Antonio Molina quien, sin duda alguna, es una de las cabezas más lúcidas y brillantes en el debate teórico sobre la fotografía contemporánea.  Independientemente de ello el evento, tal cual se ha planteado, puede hacer alarde de calidad a tenor del rigor de los ponentes invitados.

Contamos con una mesa titulada “La voz del artista en primera persona”, en la que éstos harán uso de la palabra para explicar las características de su trabajo y especificar el modus operandi de su ejercicio intelectual en el terreno de lo fotográfico. Seguido esta obertura, se suceden dos días de intenso debate con mesas que se orquestan bajo sugestivos títulos tales como: “Regímenes discursivos de la imagen. La fotografía Latinoamericana en el mapa global de la cultura” (Alejandro Castellote, Janet Batet, Mauricio Zabalgoitia Herrera);  “Discurso fotográfico contemporáneo. Nuevas posiciones críticas y reciclaje de la sensibilidad posmoderna” (Enrique Corrales, José Otero, Suset Sánchez,  Yadier Pérez García); “Fotografía, hibridación y lenguaje. El código promiscuo” (Meyken Barreto, Alfonso dela Torre, Lillebit Fadraga, David Moriente Díaz).  También tendremos una presentación especial, a cargo de la coleccionista Pilar Citoler, del premio internacional de fotografía del mismo nombre. A todos, de verdad, quiero dar las gracias por la consideración y el apoyo.

Por último, contamos con la presencia de publicaciones importantes tales como: “Artnexus”; “Arte al día Internacional”; “Arte al límite” y “XTRart”, que viene de la mano de la Fundación FIArt. En vuestro caso, quiero hacer público mi agradecimiento a la Fundación por el apoyo prestado y por la pertinencia de este especial de XTRart que ahora mismo están preparando y que, sin duda alguna, resultará una memoria muy completa de lo que ha sido esta edición de la feria. Gracias a Alma Ramas, directora de la fundación y David Casas,  editor.

Crítico o comisario

Mi posición, como sabes, suele ser siempre la de crítico y ensayista, usurpando el “rol de comisario” y el “de coordinador” en situaciones muy concretas y de otra escala. Por lo que esta experiencia, insisto, ha sido doblemente “noble” para mi, en la medida en que me ha obligado a explorar más de cerca la posición del otro.  Ocurre que muchas veces los críticos, en nuestro afán por demostrar los desvaríos o advertir de nuestro punto de vista frente al ensayo de la propuesta ajena, obviamos el extraordinario esfuerzo que demanda llevar a término un proyecto en las circunstancias especiales que atraviesa España ahora mismo. En cualquier caso queda esta selección que da cuenta de ese empeño. Y, por otra parte, las mesas de debate durante varios días en las que expertos internacionales, muchos de origen latinoamericano, cruzaran sus voces en el contexto de diálogos inclusivos, polifónicos y multiculturales.

El nombramiento

Antes que nada quiero agradecer al equipo de ArtFairs, en concreto a su presidente Enrique de Polanco y a Giulietta Speranza, directora de MADRIDFOTO y JUSTMAD, la confianza depositada en mí para llevar a término este proyecto y coordinar un evento de tales características. Ha sido un reto tremendo y una labor muy gratificante. Cuando te enfrentas a ejercicios de esta naturaleza -hablamos de una feria de arte, no de una bienal-,  en el que los resultados profesionales no dependen solo de tu tenacidad personal y de tu esfuerzo sistemático, comprendes, al cabo, el sentido que cobra la palabra crisis en el actual contexto de relaciones. No obstante a ello, ha sido una experiencia muy enriquecedora a nivel personal y profesional, sobre todo por el equipo con el que he debido compartir muchas horas de estrés, sonrisas, halagos, diferencias, pero siempre (y antes que nada) de comunión de ideas y de cierta cuota de altruismo en la búsqueda afanosa de alternativas para solventar los problemas a los que nos enfrentábamos a diario. Mi agradecimiento a Tevi de la Torre, Lorena Polanco, Elena Zabalo, Belén Polanco, María Polanco, Alejandro Pérez, Cristina Díaz de Bustamante y Cecilia Revuelta. Todos han hecho un trabajo estupendo.

 

Andrés Isaac Santana sobre MADRIDFOTO 2012

A continuación os reproducimos aquí las palabras de Andrés Isaac Santana para el catálogo de la feria.

“En su cuarta edición, MADRIDFOTO no sólo continúa apostando por el valor y lugar de “la fotografía y lo fotográfico” en el terreno del arte y del coleccionismo; sino que además se abre a otros ámbitos culturales y otras visualidades menos (euro)centristas. Afrontar esa responsabilidad en el contexto de ciertas dominantes discursivas no es tarea fácil. La amnesia y la ignorancia que desde siempre ha padecido Europa traen consigo la devaluación sistemática de la cultura “del otro” o, en su defecto, la “reconversión” de ésta en fetiche rentable que alimenta una desmedida “sed de otredad”.

No obstante, y pese a estas dificultades, la feria ha decidido comenzar su apuesta firme por la fotografía latinoamericana con una selección modesta de galerías que aportan su perspectiva sobre este referente cultural y visual.

Sabido es que ningún comienzo resulta fácil, máxime si le ha precedido cierta cuota de escepticismo y abstención sintomática. Todo viaje, qué duda cabe, supone siempre sortear infinitos obstáculos que se presentan en su trayecto más o menos azaroso. Por ello, esta selección quizás no sea todo lo completa y en extremo representativa de lo que inicialmente hubiéramos deseado, pero es –a no dudarlo- el comienzo de un proceso se asimilación y de conocimiento que nos coloca ante nuestro propio espejo y nos hará mirar, con mayor grado de lucidez y de pertinencia, hacia otras zonas del discurso visual contemporáneo.

Aquí está el origen, la voluntad, el deseo de recuperar esos “pasos perdidos” y esbozar otras cartografías –menos excluyentes-, que nos conecten con ese otro que somos, con su realidad, con sus modelos de “subjetividad expandida” y rica que no reconoce para sí el rigor de las fronteras ni la verticalidad de los muros que se levantan frente sus propias miradas.

Sin duda, habrá que trabajar duro haciendo alarde de tenacidad y de constancia ante un panorama donde las palabras “crisis, parálisis, anemia, insolvencia, desidia”, dibujan un vocabulario poco favorecedor de cualquier gesto altruista de recuperación y de restitución del valor extraviado. Habrá que arreciar aun más la voluntad y el empeño, a fin de cuentas las únicas armas posibles que permitirán el triunfo radical frente a las vacilaciones excluyentes y segregacionistas o frente a los impulsos mesiánicos traducidos en escamoteadas estrategias de marketing. Esta selección, por modesta que sea a tenor de los tiempos que corren y de sus imperativos categóricos, no es sino el punto de partida de otros relatos, de otras indagaciones, de otras fabulaciones posibles y deseables, de otros textos de incorporación en el que “los otros” se alisten y ensayen su voz.

El programa paralelo, siguiendo la modalidad de un evento teórico que orquesta las voces de un grupo de expertos en la materia, es también el espacio ideal para advertir el signo de la discusión y la naturaleza del debate sobre el estado de la fotografía en el contexto latinoamericano. Será una oportunidad para agitar la reflexión acerca de esta práctica: sus mecanismos y estrategias simbólicas, discursivas y culturales.

MADRIDFOTO asume nuevos retos, mira hacia nuevos contextos, desautoriza los criterios hegemónicos y desea celebrar, con todos, el advenimiento de un nuevo paradigma en la comprensión del hecho fotográfico en tanto escritura estética rabiosamente contemporánea”.

 

ISAAC PERELMAN, CODIRECTOR DE LA DOT FIFTY ONE GALLERY DE MIAMI: “LA GALERÍA COMIENZA CON EL FIRME OBJETIVO DE CRECER CON LOS ARTISTAS”

Isaac Perelman en el stand de la Dot Fiftyone Gallery en MADRIDFOTO. Fotografía: Irene Adán, XTRart.

 

Por Alma Ramas López.

Con motivo de su presencia en la feria internacional de fotografía MADRIDFOTO 2012, hemos tenido la oportunidad de conversar con el galerista argentino Isaac Perelman, codirector de la Dot Fiftyone Gallery de Miami, fundada en 2003 junto con Alfredo Guzmán. En la feria madrileña Perelman ha presentado en el Espacio Latinoamericano un Solo Project del artista argentino Jorge Miño curado por Janet Batet.

Respecto a los objetivos de su proyecto galerístico, indica Perelman: “La galería comienza con el firme objetivo de crecer con los artistas, o sea, buscar artistas emergentes con un discurso conceptual e ideológico diferente a lo usual y apuntando siempre a jóvenes; esto significa que asumimos riesgos económicos compartidos con los artistas”.

Por decantación, según su terminología, la Dot Fiftyone Gallery trabaja especialmente con artistas argentinos y de otros países latinoamericanos: “Podría decirse que con un 70% de artistas latinos y un 30% de norteamericanos y europeos”.

Interrogado sobre las principales diferencias existentes entre los artistas latinoamericanos y norteamericanos con los que trabaja, Perelman no tiene dudas: “La diferencia que encuentro entre los latinoamericanos y norteamericanos es que estos últimos son artistas más pragmáticos, más racionales, y en cambio en los latinos prevalece generalmente la emoción”. “Dentro de Latinoamérica”, sigue razonando Perelman, “las manifestaciones artísticas son diferentes porque surgen de emociones o sentimientos identificados con el lugar”.

No obstante, no concibe que deba incluirse a todos los artistas latinoamericanos en un grupo homogéneo: “Es muy visible la diferencia que hay entre los artistas de América Central y del norte de América del Sur con los del Cono Sur”. Da un ejemplo: “Hay un tema que se da en Buenos Aires que se refiere a la luz rioplatense, que es la nostalgia de algo que perdimos…Quizás la inmigración que nunca estuvo satisfecha, pero esa falta de luz la revelan casi todos los artistas del lugar”.

Y sigue ahondando en ciertas características de los artistas argentinos que tan bien conoce: “También los argentinos tienen una aproximación temática. Se trata, en general, de una expresión relativa a la forma en que nos relacionamos. La raza pura argentina es en realidad la gran mezcla de todas las corrientes inmigratorias.Y eso se nota en el arte”.

Nuestra conversación nos lleva inevitablemente a la política y sociedad latinoamericanas: “Otra de las características del arte latinoamericano en general es que siempre hay un discurso político fuerte que habla de persecución, crisis económicas, abusos y corrupción”.

Por último, Perelman nos recomienda a tres de sus artistas representados:  Henan Cedola (1977, La Plata – Buenos Aires), Gonzalo Fuenmayor (1977, Barranquilla – Colombia, residente en Miami), y Mauro Giaconi (Argentina, 1977, residente en México). Estas son algunas de las obras de estos creadores:

 

Mauro Giaconi, “Mural alambrado”. Técnica: Dibujo en grafito sobre 500 hojas de libros antiguos. Medidas: 760 cm x 360 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.

Gonzalo Fuenmayor, “Casa del sol agonizante”. Técnica: Pigmento Rojo sobre papel. Medidas: 133 cm x 155 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.

 Hernan Cedola, Sin Título. Técnica: Óleo, esmalte y vinilo sobre tela. Medidas: 190 x 140 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.

 

FOSI VEGUE, DIRECTOR DE BLANKPAPER ESCUELA, EN MADRIDFOTO 2012: “ESTAR EN MEDIO DE TODO ESTO ESTÁ SIENDO MARAVILLOSO”

Por Amaya Lacarra.

Una de las novedades de la cuarta edición de MADRIDFOTO ha sido la inclusión del stand de la escuela del primer colectivo fotográfico surgido en España: BlankPaper.

Con el mensaje de “Nos trasladamos a MADRIDFOTO”, la organización de BlankPaper Escuela se propuso desde el principio crear un espacio dinámico, que diera pie a una alta participación por parte de los visitantes. Una construcción de madera de dos alturas, dividida en cinco áreas diferentes, y un gran número de actividades programadas, mantuvieron este stand activo los cuatro días que duró la feria.

Fosi Vegue, en primer término, junto con el equipo de BlankPaper Escuela en MADRIDFOTO 2012.

“En BlankPaper damos mucha importancia al proceso creativo. Desde que uno llega sin saber nada hasta que empieza a crear su propio portfolio”, dice Fosi Vegue. La propia estructura de madera del stand, llamada Offfficina y diseñada por el colectivo Zoohaus, con rincones sin acabar de construir, inspiraron ese proceso creativo del que Vegue nos habla. Un rincón experimental en la feria que se completaba con la instalación de una pequeña biblioteca, un espacio habilitado para ver los trabajos de alumnos y profesores, y, por último, una sala de proyecciones y debates. Una serie de espacios que albergaron multitud de actividades como el visionado de portfolios o una serie de microtalleres.

El stand de BlankPaper en MADRIDFOTO 2012.

Un lugar propicio para un acercamiento real a la fotografía, y para que nuevas ideas y proyectos germinaran. Además, un equipo de alumnos de la escuela cubrieron a tiempo real la feria, captando los mejores momentos de la misma, y finalizando la edición de sus trabajos en el propio espacio de BlankPaper, a la vista de todos los visitantes. Una apuesta de MADRIDFOTO que atrajo a un gran número de estudiantes y aficionados, y que demostró la importancia que la dirección de MADRIDFOTO otorga al apoyo de nuevos interesados en el arte de la fotografía. “Estar en medio de todo esto está siendo maravilloso. Para valorar cada una de las obras aquí expuestas, tienes que tener al menos un criterio. Y ese criterio y esa formación la ofrece BlankPaper”, dice el director de la escuela.

Una escuela que ahonda cada día en mantener la excelencia educativa y que trabaja por llegar a configurar proyectos culturales de mayor envergadura. “Todos los que forman parte de este equipo son profesionales que se desatan con una gran pasión dentro del proyecto que tienen entre manos. Su trabajo les sale de forma natural. Por tanto, es imposible que les salga mal”. Fosi Vegue nos desvela además que el secreto de una buena enseñanza en esta disciplina es hacer uso de la intuición, mostrar la infinidad de opciones al alumno, y después guiar a cada uno según sus intereses, sus movimientos, su comportamiento. “Te conviertes en una especie de psicólogo”, apunta.

Una buena fusión entre feria y escuela, que comenzó a través de la creación y entrega del premio MADRIDFOTOgrafía tu lenguaje, y que al final ha tenido unos resultados extremadamente satisfactorios para todos.

 

BLANCA BERLÍN: “ESTE AÑO HEMOS QUERIDO APOSTAR POR LO EMERGENTE, DONDE NOS PODEMOS ENCONTRAR CON TRABAJOS EXCELENTES”

Por Amaya Lacarra.

El de Blanca Berlín funcionó como uno de los stands más concurridos de MADRIDFOTO 2012. Situada en el Espacio dedicado al Arte Latinoamericano, la galería madrileña participó por cuarto año consecutivo en la feria, apostando esta vez por un solo proyecto dedicado a la artista argentina Verú Iché (Buenos Aires, 1972), que resultó ser una de los dos artistas galardonados con el primer premio FOTO Art Fairs Heineken 2012.

La selección mostrada reunía varios trabajos de las tres últimas series de la artista: “El frío”, “The White Lodge” y “La familia”, además de una pequeña muestra de trabajos anteriores. “La falta de espacio ha hecho que sólo podamos presentar varios ejemplos de cada serie, lo que dificulta su entendimiento, pues el conjunto de la obra de Iché tiene una coherencia en forma y contenido bastante compleja”, afirma la directora de la galería.

Las tres series principales representadas en MADRIDFOTO 2012 comparten un mismo personaje, que experimenta una transición entre diferentes espacios y tiempos que inspiran un viaje entre lo ficticio y lo real. Según la galerista, “todo parece tranquilo hasta que unas sombras enmascaradas entran a formar parte de su espacio personal y la acompañan allí donde va con su perro”. En la primera serie la modelo se ve reflejada en un espejo, momento a partir del cual tendrá lugar un salto que le transporta a otros escenarios, envuelta siempre en un ambiente confuso. Perdida en un bosque, aparecerán nuevos personajes mirando todos hacia algún lugar, desconocido ante los ojos del espectador. Finalmente, y en voz de Berlín, “la serie concluye con el regreso al mundo en blanco y negro pero en un nuevo escenario –”The White Lodge”-. Una nueva presencia con la cara tapada y el perro de cartón habitan el lugar donde la mujer principal es víctima de una hipnosis”.

Bajo el título de la tercera serie, “La familia”, se desarrolla la historia de una relación entre la protagonista y un segundo personaje que puede ser su propio alter ego o su hermana. Una obra que invoca conflicto emocional, y que se sigue desarrollando bajo el manto de lo ambiguo. “Entre ellas hay secretos, cierta competencia, un duelo que desemboca en amor”.

Un dato a resaltar es que tanto la serie “El frío” como “The White Lodge” surgen gracias a un encargo del diseñador de moda Minden Chan. Iché hace uso de la libertad artística para crear estos trabajos, al mismo tiempo que se vincula a la moda. Un tema que también está presente en “La familia”, donde la misma modelo aparece esta vez con prendas de la diseñadora mallorquina Marta Morey Mas, quien pretende crear una fusión entre la tradicional vestimenta mallorquina y rusa.

La ventana que nos enseñó el stand número 15 de MADRIDFOTO 2012 puso en valor aún más el trabajo de esta argentina, que volvió a demostrar su fuerza a través del enigma de su obra, caracterizada una vez más por un trasfondo autobiográfico y su brillantez para dotarla de sentido pero sin desvelar todo lo que le ha llevado a hacerla. Un espacio creado para que el espectador se deje guiar por su imaginación, intuya y cree su propia historia.

En definitiva, Blanca Berlín hizo una apuesta fuerte por Verú Iché en esta cuarta edición de MADRIDFOTO, reconociendo la complejidad de su obra, pero considerando al mismo tiempo que es uno de los grandes ejemplos de artistas emergentes que van viendo su carrera consolidarse.

“Nosotros contamos con grandes artistas consagrados, pero este año hemos querido apostar por lo emergente, donde nos podemos encontrar con trabajos excelentes”. Este sentido del compromiso de Blanca Berlín con aquellos que empiezan viene avalado por su iniciativa “6 metros cúbicos”, un espacio experimental que encontramos en su galería, y que alberga nuevas iniciativas que apoyan el desarrollo del arte emergente contemporáneo.

 

GLAUBER BALLESTERO: “CONSTRUYO UNA ESPECIE DE REPÚBLICA, UN ESPACIO DONDE HAY HIMNO Y HAY BANDERA, UN ESPACIO TOTALMENTE BLANCO”

Por Amaya Lacarra.

Dentro del contexto artístico cubano, donde la tendencia imperante apunta casi siempre a retratar el rostro negro y su interacción en sociedad, aparece Glauber Ballestero tomando como punto de partida para la creación de su obra la raza blanca.

El blanco funciona como elemento fundamental al querer entender su obra. “Construyo una especie de República, un espacio donde hay himno y hay bandera, un espacio totalmente blanco”, afirma el artista. A través de su particular concepción de la raza blanca y de su técnica, en la que utiliza la cera para conseguir la tonalidad blanquecina característica de su trabajo final, el artista considera que parte de lo más puro y virtuoso para desarrollar su trabajo, y dar de nuevo con ese mismo clímax de purificación, su obra “blanca”.

Imágenes propias o tomadas del cine o de Internet funcionan como la primera piel de sus series, todas ellas con un nombre propio acompañado por el título “Appaloosa”,  nombre utilizado por el artista para representar el significado de blanco. Series que Ballestero lleva realizando desde 2007, constituidas siempre por ocho fotografías, y que forman todas ellas parte de un único concepto, el de purificación.  Las imágenes tomadas se recubren de cera, y fotografiando esa unión, se obtiene el resultado final. “Una última piel que nos sigue acercando a la verdadera identidad, a descubrir lo inmaculado de nosotros mismos”, afirma. La plenitud de un personaje, de un paisaje, o de uno mismo, reconocida a través de todo el atrezo utilizado por el artista en su búsqueda de lo puro.

No obstante, no podemos olvidar que la metáfora de sus fotografías radica en un discurso racial, un debate que se está ahora abriendo en torno a su obra. Entendido el contexto donde Glauber Ballestero se mueve (cierta veneración por la raza negra y lo que le acompaña en la historia de Cuba), la queja ante un trabajo cuyo epicentro es lo blanco es ineludible. El artista cubano reconoce su intención de diferenciarse del resto, pero también afirma que su obra está lejos de haberse forjado en la idea de conflicto de razas.

En Madrid, y hasta el próximo 31 de julio, se puede visitar en Raymaluz Art Gallery otra de sus series dentro de este mismo concepto, las ocho fotografías que componen “Simados Vitali – Appaloosa”.