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Espacio dedicado al Arte Latinoamericano en MADRIDFOTO 2012

GALERÍA LA ACACIA

La fotografía como medio de expresión artística ha ocupado en  las últimas décadas un lugar importante  dentro del panorama de las artes plásticas cubanas. Formalmente logró, para bien, incorporarse a las nuevas coordenadas de desarrollo impuestas por el vertiginoso avance tecnológico. Conceptualmente fue muy relevante el hecho de que pudiera, con gran acierto, encuadrar temas que tratan las problemáticas del hombre contemporáneo desde la perspectiva cubana. Galería La Acacia ha escogido para MADRIDFOTO 2012 a tres importantes artistas, de diferentes generaciones, que nos podrán ejemplificar cómo se ha producido este fenómeno en la isla: Marta María Pérez, Rene Peña y Lidzie Alvisa. 

Marta María Pérez

 

 

Distintas obras de Marta María Pérez. Cortesía de Galería La Acacia.

Rene Peña

 

Distintas obras de Rene Peña. Cortesía de Galería La Acacia.

Lidzie Alvisa

 

 Distintas obras de Lidzie Alvisa. Cortesía de Galería La Acacia.

 

GALERÍA HABANA

Para la cuarta edición de la Feria Internacional de Fotografía MADRIDFOTO 2012, Galería Habana tiene preparada una selección de obras de tres fotógrafos contemporáneos: Adonis Flores, Felipe Dulzaides y Jorge Otero.

Adonis Flores

Adonis Flores reúne obras de la serie “Camuflajes”, desarrollada desde hace pocos años y donde, usando como atuendo un uniforme militar de camuflaje, el artista asume diferentes posturas, encarna personajes o crea una variedad de situaciones que se derivan en la performance, el vídeo o la simple pose fotográfica. El discurso que hilvana las piezas se nutre de experiencias personales en la vida militar y al mismo tiempo del actual clima de guerra imperante en el mundo, pero haciendo referencia a variados aspectos de la vida civil y del entorno cotidiano, donde diferentes aristas del camuflaje subyacen en el entramado de relaciones que conforman la vida social.

© Adonis Flores

© Adonis Flores

© Adonis Flores

Felipe Dulzaides, a través de la fotografía, reconstruye sitios inexistentes y construcciones ficticias con elementos como el papel en la serie “Toilet Paper Act”. Galardonado recientemente con el “Rome Prize”, su obra ha estado presente en bienales como la de Habana y Kwangju.

© Felipe Dulzaides

© Felipe Dulzaides

Jorge Otero, el más joven de los tres artistas presentados por Galería Habana, trabaja la ambigüedad del cuerpo humano, a causa de las modas, las transformaciones, cirugías y publicidad generada por la belleza corporal. Todo esto está perfectamente reflejado en sus series “Epidermis” y “La ejecución de la cera”.

© Jorge Otero

 © Jorge Otero

© Jorge Otero

 

RAYMALUZ ART GALLERY

Raymaluz Art Gallery presentara en el Espacio Latinoamericano de MADRIDFOTO obras de dos series de Glauber Ballestero, “AMBALO LIMPO – APPALOOSA”, paisajes, y “CASTA VALADUS -APPALOOSA” retratos. Esta exhibición coincidirá temporalmente con la exposición individual de Ballestero en la galería madrileña, donde se expone una serie de retratos bajo el título de “SIMADOS VITALI – APPALOOSA”.

Afirma Ballestero: “Mi obra versa sobre la raza blanca, vista y asumida no como finalidad, sino como punto de partida, las piezas son extremadamente artificiales, operan como la actuación de un figurante en un filme… se nos presentan superficiales, como la piel al cuerpo, pero no humano, sino prostético”.

Respecto a “CASTA VALADUS-APPALOOSA”, afirma el artista cubano: “Para la experiencia “Casta Valadus – Appaloosa” se han seleccionado de disímiles fuentes ocho retratos de personas de raza blanca, las mismas luego de ser manipuladas e invertidas en su simetría muestran momentos de felicidad, agonía, éxtasis, etc., básicamente esencias humanas artificiales”.

Escribe Chrislie Pérez sobre Ballestero en “El universo Apócrifo del Appaloosa”: “La obra de Glauber Ballestero, en pocas palabras podría definirse como una obra del “sí pero no”. El blanqueamiento de las imágenes, las historias que las acompañan, la tendencia a lo dual, la utilización de conceptos opuestos, son las características de ese estadío final, ese lugar dantescamente “cuasi” paradisíaco denominado “Appaloosa”, donde realidad y ficción se convierten en identitarios. “Appaloosa” es entonces, el sitio donde las cosas terminan siendo todo y nada al mismo tiempo”.

 

“AMBALO LIMPIO -APPALOOSA”, de Glauber Ballestero. Cortesía de raymaluz Art gallery.

Retrato de Glauber Ballestero perteneciente a la serie “SIMADOS VITALI-APPALOOSA”. Cortesía de raymaluz Art gallery.

 

GLAUBER BALLESTERO: “CONSTRUYO UNA ESPECIE DE REPÚBLICA, UN ESPACIO DONDE HAY HIMNO Y HAY BANDERA, UN ESPACIO TOTALMENTE BLANCO”

Por Amaya Lacarra.

Dentro del contexto artístico cubano, donde la tendencia imperante apunta casi siempre a retratar el rostro negro y su interacción en sociedad, aparece Glauber Ballestero tomando como punto de partida para la creación de su obra la raza blanca.

El blanco funciona como elemento fundamental al querer entender su obra. “Construyo una especie de República, un espacio donde hay himno y hay bandera, un espacio totalmente blanco”, afirma el artista. A través de su particular concepción de la raza blanca y de su técnica, en la que utiliza la cera para conseguir la tonalidad blanquecina característica de su trabajo final, el artista considera que parte de lo más puro y virtuoso para desarrollar su trabajo, y dar de nuevo con ese mismo clímax de purificación, su obra “blanca”.

Imágenes propias o tomadas del cine o de Internet funcionan como la primera piel de sus series, todas ellas con un nombre propio acompañado por el título “Appaloosa”,  nombre utilizado por el artista para representar el significado de blanco. Series que Ballestero lleva realizando desde 2007, constituidas siempre por ocho fotografías, y que forman todas ellas parte de un único concepto, el de purificación.  Las imágenes tomadas se recubren de cera, y fotografiando esa unión, se obtiene el resultado final. “Una última piel que nos sigue acercando a la verdadera identidad, a descubrir lo inmaculado de nosotros mismos”, afirma. La plenitud de un personaje, de un paisaje, o de uno mismo, reconocida a través de todo el atrezo utilizado por el artista en su búsqueda de lo puro.

No obstante, no podemos olvidar que la metáfora de sus fotografías radica en un discurso racial, un debate que se está ahora abriendo en torno a su obra. Entendido el contexto donde Glauber Ballestero se mueve (cierta veneración por la raza negra y lo que le acompaña en la historia de Cuba), la queja ante un trabajo cuyo epicentro es lo blanco es ineludible. El artista cubano reconoce su intención de diferenciarse del resto, pero también afirma que su obra está lejos de haberse forjado en la idea de conflicto de razas.

En Madrid, y hasta el próximo 31 de julio, se puede visitar en Raymaluz Art Gallery otra de sus series dentro de este mismo concepto, las ocho fotografías que componen “Simados Vitali – Appaloosa”.

 

GALERÍA BLANCA BERLÍN 

Veru Iché 

Blanca Berlín presenta en MADRIDFOTO 2012 un Solo Project dedicado a la artista argentina residente en Palma de Mallorca Veru Iché (Buenos Aires, 1972). La selección de fotografías para el stand reúne una selección de fotografías de sus tres últimas series: “El frío”, “The White Lodge” y “La familia”, junto con una pequeña muestra de trabajos anteriores que permiten al espectador reconocer la coherencia de su obra enforma y contenido.

“El frío” y “The White Lodge” surgen de la colaboración de la artista con el diseñador de moda Minden Chan. El resultado son dos proyectos en los que Iché ha actuado con total libertad artística para crear el universo inquietante y extraño que caracteriza todo su trabajo, a la vez que lo ha vinculado sutilmente con el terreno de la moda. Lo mismo ocurre con “La familia”, serie en la que la misma modelo lleva, en esta ocasión, prendas de la diseñadora Marta Morey Mas (MMM), que mezclan el estilo tradicional ruso con el mallorquín.

El personaje protagonista transita diversos escenarios, tiempos y experiencias que se ven recogidas a través de los tres trabajos. El reflejo de la mujer en el espejo da comienzo a un viaje entre el ensueño y la realidad: todo parece tranquilo hasta que unas sombras enmascaradas entran a formar parte de su espacio personal y la acompañan allí donde va con su perro. En medio de la confusión se produce un salto dentro de un contexto desconocido que traslada a la protagonista a un nuevo mundo lleno de color pero angustioso, un bosque. Perdida entre la maleza se encuentra con diversos personajes anónimos: un perro de cartón, un hombre mayor…Todos miran hacia algo que esta ocurriendo, hacia algún lugar, pero esta verdad permanece oculta a los ojos del espectador. Finalmente, la serie concluye con el regreso al mundo en blanco y negro pero en un nuevo escenario –”The White Lodge”-. Una nueva presencia con la cara tapada y el perro de cartón habitan el lugar donde la mujer principal es víctima de una hipnosis. El desconcierto y la ambigüedad siguen siendo el hilo conductor que nos lleva hasta el último trabajo, “La familia”. En esta ocasión, la artista narra la relación que se establece entre la protagonista y un segundo personaje que podría ser su propio alter ego o su hermana. Entre ellas hay  secretos, cierta competencia, un duelo que desemboca en amor.

Veru Iché plasma en su obra una sucesión de miedos, tradiciones y lazos borrosos que nos remiten a la incertidumbre y la subjetividad del pensamiento humano. ¿Qué nos quieren decir? Solo podemos intuir, imaginar, crear nuestra propia historia.

 Diversas imágenes de la serie “El frío”, de Veru Iché. Cortesía de Galería Blanca Berlína.

   Diversas imágenes de la serie “The White Lodge”, de Veru Iché. Cortesía de Galería Blanca Berlína.

 

BLANCA BERLÍN: “ESTE AÑO HEMOS QUERIDO APOSTAR POR LO EMERGENTE, DONDE NOS PODEMOS ENCONTRAR CON TRABAJOS EXCELENTES”

Por Amaya Lacarra.

El de Blanca Berlín funcionó como uno de los stands más concurridos de MADRIDFOTO 2012. Situada en el Espacio dedicado al Arte Latinoamericano, la galería madrileña participó por cuarto año consecutivo en la feria, apostando esta vez por un solo proyecto dedicado a la artista argentina Verú Iché (Buenos Aires, 1972), que resultó ser una de los dos artistas galardonados con el primer premio FOTO Art Fairs Heineken 2012.

La selección mostrada reunía varios trabajos de las tres últimas series de la artista: “El frío”, “The White Lodge” y “La familia”, además de una pequeña muestra de trabajos anteriores. “La falta de espacio ha hecho que sólo podamos presentar varios ejemplos de cada serie, lo que dificulta su entendimiento, pues el conjunto de la obra de Iché tiene una coherencia en forma y contenido bastante compleja”, afirma la directora de la galería.

Las tres series principales representadas en MADRIDFOTO 2012 comparten un mismo personaje, que experimenta una transición entre diferentes espacios y tiempos que inspiran un viaje entre lo ficticio y lo real. Según la galerista, “todo parece tranquilo hasta que unas sombras enmascaradas entran a formar parte de su espacio personal y la acompañan allí donde va con su perro”. En la primera serie la modelo se ve reflejada en un espejo, momento a partir del cual tendrá lugar un salto que le transporta a otros escenarios, envuelta siempre en un ambiente confuso. Perdida en un bosque, aparecerán nuevos personajes mirando todos hacia algún lugar, desconocido ante los ojos del espectador. Finalmente, y en voz de Berlín, “la serie concluye con el regreso al mundo en blanco y negro pero en un nuevo escenario –”The White Lodge”-. Una nueva presencia con la cara tapada y el perro de cartón habitan el lugar donde la mujer principal es víctima de una hipnosis”.

Bajo el título de la tercera serie, “La familia”, se desarrolla la historia de una relación entre la protagonista y un segundo personaje que puede ser su propio alter ego o su hermana. Una obra que invoca conflicto emocional, y que se sigue desarrollando bajo el manto de lo ambiguo. “Entre ellas hay secretos, cierta competencia, un duelo que desemboca en amor”.

Un dato a resaltar es que tanto la serie “El frío” como “The White Lodge” surgen gracias a un encargo del diseñador de moda Minden Chan. Iché hace uso de la libertad artística para crear estos trabajos, al mismo tiempo que se vincula a la moda. Un tema que también está presente en “La familia”, donde la misma modelo aparece esta vez con prendas de la diseñadora mallorquina Marta Morey Mas, quien pretende crear una fusión entre la tradicional vestimenta mallorquina y rusa.

La ventana que nos enseñó el stand número 15 de MADRIDFOTO 2012 puso en valor aún más el trabajo de esta argentina, que volvió a demostrar su fuerza a través del enigma de su obra, caracterizada una vez más por un trasfondo autobiográfico y su brillantez para dotarla de sentido pero sin desvelar todo lo que le ha llevado a hacerla. Un espacio creado para que el espectador se deje guiar por su imaginación, intuya y cree su propia historia.

En definitiva, Blanca Berlín hizo una apuesta fuerte por Verú Iché en esta cuarta edición de MADRIDFOTO, reconociendo la complejidad de su obra, pero considerando al mismo tiempo que es uno de los grandes ejemplos de artistas emergentes que van viendo su carrera consolidarse.

“Nosotros contamos con grandes artistas consagrados, pero este año hemos querido apostar por lo emergente, donde nos podemos encontrar con trabajos excelentes”. Este sentido del compromiso de Blanca Berlín con aquellos que empiezan viene avalado por su iniciativa “6 metros cúbicos”, un espacio experimental que encontramos en su galería, y que alberga nuevas iniciativas que apoyan el desarrollo del arte emergente contemporáneo.

 

ESPACIO MÍNIMO 

Liliana Porter

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México; obtuvo la Beca Guggenheim en 1980 y la Beca New York Fundation for the Arts en 1985.

Ha expuesto individualmente en el Museum of Modern Art (MOMA) de NuevaYork, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, en la Universidad de Carolina del Norte, en el Instituto de Cultura de San Juan de Puerto Rico, en el Bronx Museum for the Arts de Nueva York, en la Universidad de Texas en Austin, en el Phoenix Art Museum de Arizona, en el Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo…

 Imagen del proyecto de Liliana Porter presentado en MADRIDFOTO 2012. Cortesía de galería Espacio Mínimo.

 

DOT FIFTYONE GALLERY

La galería está ubicada en el Wynwood Art District de Miami. Fundada por Alfredo Guzman  e Isaac  Perelman en el 2003 con el objetivo de crear puentes entre los artistas y la comunidad, se especializa en estudiar artistas globales emergentes y establecidos cuyos trabajos tengan un impacto duradero. La intención de la galería Dot Fiftyone no es la de una galería tradicional o solamente un espacio de exhibiciones, su objetivo es crear una estructura móvil y flexible, un laboratorio de producción de arte contemporáneo y conceptual al que puedan tener acceso todos los miembros de la comunidad.

El artista representado en MADRIDFOTO 2012 es Jorge Miño. Nacido en 1973 en la Provincia de Corrientes, Argentina, se formó en los talleres de pintura de Ahuva Szlimowicz y de fotografía de Alejandro Kuropatwa, Martín Weber (1997-99), Alberto Goldenstein, Fabiana Barreda y Nacho Iasparra (2003-04). Integró el Programa Intercampos I, Fundación Telefónica, Buenos Aires (2005) y el Workshop con Pablo Vargas Lugo, Malba-Jumex (2004), entre otros.

 Jorge Miño. Imagen cortesía de MADRIDFOTO 2012.

 

EL ARTISTA ARGENTINO JORGE MIÑO PRESENTA SU OBRA EN MADRIDFOTO 2012

Por Ana Ibáñez Mejías

Uno de los artistas participantes en MADRIDFOTO 2012, concretamente dentro del Espacio Latinoamericano y representado por la DOT FIFTYONE GALLERY de Miami, es Jorge Miño (Corrientes, Argentina, 1973), un artista que estudió en los talleres de pintura de Ahuva Szlimowicz y los de fotografía de Alejandro Kuropatwa y Martín Weber.

Jorge Miño junto a su obra en MADRIDFOTO. Fotografía: A.I

A pesar de que su padre fue fotógrafo y arquitecto, el gusto por lo arquitectónico le viene a Miño de la influencia de Francisco Salamone,  un arquitecto italoargentino que entre 1936 y 1940 construyó más de 60 edificios en 25 municipios de la Pampa Argentina. Sobre todo, recalca el artista, mataderos, cementerios y municipalidades: “Mi obra no se caracteriza por la impronta documentalista, simplemente me llama la atención la arquitectura de los edificios y la manipulo de forma que transmita otra visión”.

Jorge explica su obra, sobre todo, como un trabajo de postproducción, un largo trabajo de retoques y de impresión tras congelar el lugar deseado. Es conocido como impresión “inkjet”, que produce un efecto de acuarela tras la impresión en papel de algodón.

Miño reconoce que siempre se ha decantado por mostrar los espacios, huyendo en cierta medida de la figura humana, la cual, piensa, a menudo va condicionada por una historia. Él propone “despersonalizar el espacio para que las personas se puedan encontrar en él”. Para el artista es una forma de reinterpretar la realidad, mostrar otros planos, nuevos climas, e incluso reconoce que sus fotos como turista también suelen estar guiadas por el mismo patrón.

De su estancia en España señala la belleza de su arquitectura, concretamente de Madrid y de Bilbao, ciudades que visitó la semana pasada, y de las que destaca el enorme parecido arquitectónico que tienen con Buenos Aires, lo que explica también la inmigración española que llegó al país argentino durante el franquismo.

Asimismo, Miño se inspira para su próximo proyecto en las escaleras mecánicas como elemento simbólico. Esta idea nace en 2007, en el aeropuerto de Heathrow (Londres), y de ahí surge la idea de recopilar imágenes de esas escaleras, como elemento “que une y conexiona lo de abajo con lo de más arriba”.

El artista argentino promueve la idea de desvincular las palabras que sugieran lugares, para provocar una relación única entre obra y espectador que despersonalice y descontextualice cualquier asociación, y de esta manera, poder dejarse seducir por los detalles y lo maravilloso del paisaje.

 

ISAAC PERELMAN, CODIRECTOR DE LA DOT FIFTY ONE GALLERY DE MIAMI: “LA GALERÍA COMIENZA CON EL FIRME OBJETIVO DE CRECER CON LOS ARTISTAS”

Isaac Perelman en el stand de la Dot Fiftyone Gallery en MADRIDFOTO. Fotografía: Irene Adán, XTRart.

 

Por Alma Ramas López.

Con motivo de su presencia en la feria internacional de fotografía MADRIDFOTO 2012, hemos tenido la oportunidad de conversar con el galerista argentino Isaac Perelman, codirector de la Dot Fiftyone Gallery de Miami, fundada en 2003 junto con Alfredo Guzmán. En la feria madrileña Perelman ha presentado en el Espacio Latinoamericano un Solo Project del artista argentino Jorge Miño curado por Janet Batet.

Respecto a los objetivos de su proyecto galerístico, indica Perelman: “La galería comienza con el firme objetivo de crecer con los artistas, o sea, buscar artistas emergentes con un discurso conceptual e ideológico diferente a lo usual y apuntando siempre a jóvenes; esto significa que asumimos riesgos económicos compartidos con los artistas”.

Por decantación, según su terminología, la Dot Fiftyone Gallery trabaja especialmente con artistas argentinos y de otros países latinoamericanos: “Podría decirse que con un 70% de artistas latinos y un 30% de norteamericanos y europeos”.

Interrogado sobre las principales diferencias existentes entre los artistas latinoamericanos y norteamericanos con los que trabaja, Perelman no tiene dudas: “La diferencia que encuentro entre los latinoamericanos y norteamericanos es que estos últimos son artistas más pragmáticos, más racionales, y en cambio en los latinos prevalece generalmente la emoción”. “Dentro de Latinoamérica”, sigue razonando Perelman, “las manifestaciones artísticas son diferentes porque surgen de emociones o sentimientos identificados con el lugar”.

No obstante, no concibe que deba incluirse a todos los artistas latinoamericanos en un grupo homogéneo: “Es muy visible la diferencia que hay entre los artistas de América Central y del norte de América del Sur con los del Cono Sur”. Da un ejemplo: “Hay un tema que se da en Buenos Aires que se refiere a la luz rioplatense, que es la nostalgia de algo que perdimos…Quizás la inmigración que nunca estuvo satisfecha, pero esa falta de luz la revelan casi todos los artistas del lugar”.

Y sigue ahondando en ciertas características de los artistas argentinos que tan bien conoce: “También los argentinos tienen una aproximación temática. Se trata, en general, de una expresión relativa a la forma en que nos relacionamos. La raza pura argentina es en realidad la gran mezcla de todas las corrientes inmigratorias.Y eso se nota en el arte”.

Nuestra conversación nos lleva inevitablemente a la política y sociedad latinoamericanas: “Otra de las características del arte latinoamericano en general es que siempre hay un discurso político fuerte que habla de persecución, crisis económicas, abusos y corrupción”.

Por último, Perelman nos recomienda a tres de sus artistas representados:  Henan Cedola (1977, La Plata – Buenos Aires), Gonzalo Fuenmayor (1977, Barranquilla – Colombia, residente en Miami), y Mauro Giaconi (Argentina, 1977, residente en México). Estas son algunas de las obras de estos creadores:

 

Mauro Giaconi, “Mural alambrado”. Técnica: Dibujo en grafito sobre 500 hojas de libros antiguos. Medidas: 760 cm x 360 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.

Gonzalo Fuenmayor, “Casa del sol agonizante”. Técnica: Pigmento Rojo sobre papel. Medidas: 133 cm x 155 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.

 Hernan Cedola, Sin Título. Técnica: Óleo, esmalte y vinilo sobre tela. Medidas: 190 x 140 cm. Cortesía de la Dot Fiftyone Gallery, Miami.