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Pura fotografía

KIR ROYAL GALLERY (STAND 21) España

Nace con la idea de irrumpir hacia una nueva escena contemporánea como una galería de arte especializada en fotografía, un entorno contemporáneo coherente con el tiempo en el que ésta se encuentra, un espacio donde se darán cita artistas de reconocido prestigio, nacionales e internacionales, junto con artistas emergentes. Kir Royal Gallery nace como un espacio que nunca dejará de mutar, de cambiar y modificarse, un punto de encuentro, de discusión, un espacio generador y difusor de ideas, un medio con esperanzas renovadas.

Artistas participantes: Fernando Bayona, Julie Schimel y Cristina Otero.

Fernando Bayona: España 1980. Su imágenes fotográficas se caracterizan por una cuidada puesta en escena, donde los decorados y los elementos que en ellas se insertan son tan importantes como los personajes que desarrollan la acción. Su estética, a medio camino entre la tradición clásica pictórica y el pop más kitsch, son la seña de identidad de sus creaciones. Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas, museos e instituciones. Sus proyectos han sido galardonados, igualmente, con numerosas becas. Actualmente finaliza su tesis doctoral, labor que alterna con su trabajo como artista visual.

© Fernando Bayona

Julie Schimel: Francia – 1988. Es una joven artista francesa de tan solo 23 años que ha residido entre Francia y España desarrollando su trabajo fotográfico en ambos países. La esencia de la creación con la cámara fotográfica atrapó pronto a esta artista que supo desde el principio que quería dedicarse al mundo de la imagen.Transmitir con esa técnica sus sueños, inquietudes e imaginario ha sido su cotidiano desde entonces. Explorar el mundo, reinventarlo, analizarlo y componer universos con su cámara es parte de su Modus Vivendi.

© Julie Schimel

Cristina Otero: España, 1996. Con tan sólo 16 años esta fotógrafa autodidacta ya ha revolucionado las redes y parte de su mundo. Nos aporta una frescura y novedad indiscutible en cada uno de los autorretratos, una gran madurez puebla sus imágenes, aunque en ellas veamos las dudas y cambios que experimenta cada día una niña que se convierte en mujer. Fotos bellas, otras oscuras, alegres o muy tristes, pero sin duda con una gran fuerza visual. La primera exposición de Cristina Otero se desarrollo en KIR ROYAL GALLERY con el título El otro el mismo: otra para sí misma; una exploración de la adolescencia. Los retratos como reafirmación de sí mismo y en ello la presencia del otro, de la complicidad y la colaboración del espectador para alcanzar cierto grado de semejanza y universalidad con el otro.

© Cristina Otero

Artistas representados: Fernando Bayona, Cristina Otero, Julie Schimel, Vernon Trent, Curtis Wehrfripz
Filippos Tsitsoppoulos, Sergio Zavattieri, Mariela Apollonio, Raul Dap, Bernardo Tejeda y Peyrotau & Sedile
Director: Jorge López
www.kirroyal.es

 

ESPACIO FOTO (STAND 27) España

Espacio foto nace con la filosofía de acercar la fotografía de arte al gran público, posibilitando la compra de obra de autor en ediciones limitadas, numeradas y certificadas a un precio asequible.  La selección de fotografías  es de alta calidad, realizados por fotógrafos de reconocid trayectoria, cuidando la calidad de producción de la copia y su montaje.

Artistas expuestos: Eduardo Momeñe y Javier Bejarano

Javier Bejarano: España, 1980. Inicia su andadura fotográfica en 1995, ingresando ese año en el Instituto Luis Buñuel, en el que permanecerá los siguientes 7 años. En el año 2001 comienza su trayectoria expositiva, que se ha desarrollado ininterrumpidamente hasta nuestros días. En este tiempo ha participado en exposiciones que se desarrollaron en lugares tan diversos como el complejo el Águila de Madrid, Cite Universitaire de París o su reciente exposición en el Museo de la Ciudad de Móstoles. Su último trabajo fotográfico es La Soledad del Corredor de Fondo, un fotodiario autobiográfico que presentó en el 46 Festival Internacional de Cine de Gijón, (ciudad en la que reside actualmente) en la galería El Arte de lo Imposible, con la que trabaja en la actualidad al igual que con la foto galería Madrileña Espacio Foto y la Fotogalería Gijonesa Mediadvanced.

© Javier Bejarano

Eduardo Momeñe: España, 1952. Es fotógrafo y autor de ensayos sobre estética fotográfica. Su primera exposición la realizó en la galería Nikon de Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes países. Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas. Ha compaginado su trabajo de fotografía de autor con la aplicación profesional a la fotografía editorial, moda, retrato, ilustración, etc. Revistas como Vogue, Style, AD, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes. Asimismo, la enseñanza de la fotografía ocupa un lugar destacado en su trayectoria profesional. Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios, y es autor del libro La Visión Fotográfica. A lo largo de su carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía La Puerta Abierta, o editado la revista Fotografías, obras bien conocidas en el mundo fotográfico. Actualmente coordina el master internacional Documentalismo y Narración Fotográfica en la escuela EFTI de Madrid, y prepara un nuevo libro sobre estética fotográfica.

© Eduardo Momeñe

Artistas representados: Baylón, José Ramón Moreno, Eduardo Momeñe, Antonio Olazábal, Fernando Puche, Coco Canosa, Borja Delgado, M.J Velasco, Pepe Frisuelas, Jaime Mota, Encarna Marin
Director: Antonio Olazábal
www.espaciofoto.com

FOTO  APERTURE / CANOPIA (STAND 31) EEUU-España

Canopia representa las actividades de la fundación Aperture en España de forma exclusiva desde mayo de 2009. Mediante este acuerdo, Aperture pretende dar a conocer en nuestro país la intensa labor de promoción de la fotografía que viene desarrollando desde su fundación en Nueva York en 1952. La fundación Aperture es pionera entra las instituciones dedicadas a la fotografía en el ámbito internacional, contando sus ediciones, exposiciones y publicaciones con un enorme prestigio. Su lista de artistas incluye a fotógrafos de la talla de Robert Adams, Diane Arbus, Robert Capa, Chuck Close, Bruce Davidson, Joan Fontcuberta, Nan Goldin, Josef Koudelka, Sally Mann, Mary Ellen Mark, Richard Misrach, Sebastião Salgado, Stephen Shore, Paul Strand y Edward Weston, entre otros.

Artistas presentados: Claude Cahun y Sylvia Plachy

Claude Cahun: Francia, 1894. Claude Cahun, cuyo nombre real era Lucy Schwob, fue una fotógrafa y escritora francesa. Al principio de su adolescencia inició una relación con Marcel Moore con quien viviría y trabajaría durante más de cuarenta años. Ávidas participantes de la vanguardia cultural en Montparnasse durante los años 20 y 30, posteriormente se mudaron a Jersey, donde formaron parte de la Resistencia durante la ocupación alemana, siendo arrestadas, procesadas, y condenadas a muerte en 1944. La sentencia nunca llegó a ejecutarse y fueron liberadas en 1945. Conocida por sus fascinantes autorretratos fotográficos, en los que representa diversas identidades femeninas y masculinas, Cahun fue pionera del transformismo de género.

© Claude Cahun

Sylvia Plachy: Budapest, 1943. Es una de las fotógrafas contemporáneas con mayor repercusión en el ámbito artístico. De origen húngaro, trabaja en Estados Unidos desarollando una obra impregnada de romanticismo y melancolía, captando la esencia de historias a medio suceder con una destreza inquietante entre lo documental, lo periodístico y lo estético.

© Sylvia Plachy

Artistas representados: Claude Cahun, Sylvia Plachy, Robert Capa, William Christemberry, J.H.Engström, Larry Fink, Joan Fontcuberta, Takashi Homma, Eikoh Hosoe, Dorothea Lange, Mary Ellen Mark, Erwin Olaf, Martin Parr, Sebastiao Salgado, Enrique Metinides, Stephen Shames, Eugene Smith, Edward Steichen, Paul Strand, Jock Sturges, Edward Weston, Imogen Cunningham, Eugene De Salignac, Roger Ballen, Miklos Gaál, Michael Wolf.
Directores: Chris Boot/ Elena Navarro
EEUU:   www.aperture.org
España:  www.canopiagestion.com

 

ESTHER WOERDEHOFF (STAND 20) FRANCIA

Se ubica en el barrio parisino de Montparnasse, en una casa histórica donde trabajaron escultores como Camille Claudel y Brancusi.

Artistas expuestos: Michel Comte, Jason Langer, Karlheinz Weinberger.

Michel Comte: Suiza, 1954.  Es uno de los fotógrafos vivos más destacados en los géneros de retrato y de moda. Su trabajo ha sido publicado en las revistas más famosas y ha sido expuesto en destacados museos y galerías de todo el mundo. Durante más de treinta años ha abordado casi todos los géneros de la fotografía destacando especialmente los retratos femeninos en los que consigue capturar el alma de la modelo.

© Michel Comte

Jason Langer: Arizona 1967. Conocido por sus visiones psicológicas y noirish de la vida urbana contemporánea. En las últimas dos décadas Langer ha desarrollado un lenguaje fotográfico que ha sido descrito por muchos como “cine” y “poética”, “contemplativo”  “iconográfica”, “inquietante” y “romántico”. sus imágenes siempre se esfuerzan para capturar el momento inesperado o el azar, en capas con el drama intemporal y dinamismo. La presencia de Langer se siente en sus imágenes a través de su interpretación de lo que sucede delante de la lente en lugar de cualquier dirección o la manipulación de figuras o eventos.

© Jason Langer

Karlheinz Weinberger:  Zurich 1921-2006. Autodidacta, dirigió su lente entre amigos y en las calles en Zúrich, mientras trabajaba como empleado de almacén para Siemens-Albis. A finales de la década de 1940, la revista homosexual ‘Der Kreis’ publicó sus trabajos. Desde fines de los años 50 y hasta los años 80 Karlheinz Weinberger desarrolla una personal exploración en los dominios de la rebeldía juvenil de la Europa del Norte: jóvenes solitarios montados en motocicletas viviendo la fantasía de libertad en el centro de una cultura desgastada; pandillas adoptando nombres tales como “The Jets” o “Town birds” construyendo un universo alternativo a la realidad implacable y nunca cómoda. El proceso de trabajo de Weinberger tenía lugar en sus horas libres, en improvisados escenarios en una zona del cordón industrial de la ciudad de Zürich. Durante una porción importante de su proceso los sets eran armados en las dependencias de una bodega perteneciente a la fábrica donde Karl trabajaba. Tan al margen como sus retratados, el imaginario del artista iba tomando forma.

© Karlheinz Weinberger

Artistas representados: Carolle Benitah, Thierry Cohen, Ursula Kraft, Loan Nguyen, Michael Schnabel, Christian Tagliavini, Carla van de Puttelaar, Mario Cravo Neto, Laurence Demaison, Chema Madoz, Philippe Pache, Michel Comte, Jason Langer, Karlheinz Weinberger
Directora: Esther Woerdehoff
www.ewgalerie.com

 

FOTO  POLKA GALERIE(STAND 8) Francia

Representa a artistas franceses e internacionales de la posguerra hasta la actualidad. Fundada en 2007 por Adélie de Ipanema y Edouard Genestar, la galería se esfuerza por mejorar el trabajo fotográfico, y ofrece una programación que se enfrentacon obras del pasado y presente. Es miembro del Comité de galerías de Arte y de la Asociación de Galerias de Arte, también edita la revista Polka Magazine

Artistas expuestos: Yves Marchand & Romain Meffre, Massimo Siragusa, Philippe Guionie, Derek Hudson, Elliott Erwitt, William Klein, Ethan Levitas, Catherine Balet, Donata Wenders

Yves Marchand & Romain Meffre:  1981/1987. Comenzaron a  fotografiar  ruinas, cada uno por su cuenta, antes de unirse en el 2002 para formar un dúo de artistas. Se criarón en los suburbios de París, sus primeras ruinas fueron de la misma ciudad para más tarde trabajar sobre las ruinas  belgas, españolas, alemánas y americanas . En 2005, el dúo iba a atacar a los restos de Detroit o “Motor City”, la antigua capital del automóvil. “La ruina no aparecía ya como anecdótico, pero el principal elemento del paisaje natural y un poco”. Fue durante este viaje que fotografió su primer “Cine”, los palacios de la época dorada de Hollywood.

© Yves Marchand & Romain Meffre

Massimo Siragusa: Sicilia 1958. Comenzó su carrera como testigo mediante el estudio de los movimientos de periodismo y política . Tiene una biblioteca y una galería dedicada sobre todo a los fotógrafos italianos, Decide hacer una carrera a los 29 años, después de reunirse con Ferdinando Scianna, el fotógrafo siciliano de Magnum, durante un taller en Sicilia. Ha ganado varios premios, incluyendo premios World Press Photo en 1997, en 1999, en 2008 y 2009 y ha publicado numerosos libros.

© Massimo Siragusa

Philippe Guionie: Historiador de profesión,reclama una fotografía documental en torno a los temas de la identidad y la memoria. Desde hace más de 10 años, ha viajado y fotografiado -África Occidental y África Central -en los temas de carrera y construcción de la identidad. “Pregunte a los rostros de los recuerdos que no” es la premisa de la fotografía. El resultado de estos años de viajes y de investigación con una serie de realidad simulada también examina la esclavitud española.

© Philippe Guionie

Derek Hudson: Londres, 1953. Se convirtió en un pilar de la calle Fleet, el distrito histórico de la prensa británica, donde conoció a su mentor, Terry Fincher, el galardonado fotoperiodista. Más tarde, Derek Hudson fue a Nueva York para la reactivación, “Life Magazine”. Vivió durante veinte años en los Estados Unidos. Hoy vive en París.

© Derek Hudson

Elliott Erwitt: París, 1928. A pricipio de los años 50, Erwitt se muda a vivir de nuevo a Nueva York.. Sus viajes a Italia y Francia, marcan el inicio de su carrera profesional. En 1951 continúa trabajando como fotógrafo para diversas publicaciones. En 1953 formar parte de Magnum Photo En 1968 se convierte en presidente de la prestigiosa agencia y será reelegido dos veces más. Su obra es extensa y fructífera. Una característica principal de sus creaciones es el tono irónico con el que las impregna. Esa particular visión de la fotografía nos ha permitido ver creaciones llenas de humor e ingenio. También tiene una larga serie de fotografías con el perro como motivo principal. En estas imágenes juega frecuentemente comparando al dueño con su can. También cuenta con numerosas fotografías de personajes destacados de su época. usa su cámara para hacer denuncia social con diferentes instantaneas. Criticando el racismo imperante en EE.UU, o denunciando la durísima vida de veteranos de la Guerra de Korea.

© Elliott Erwitt

William Klein: Nueva York, 1926. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y 70.

© William Klein

Ethan Levitas: New York, 1971.  Es un fotógrafo autodidacta apasionado por reflejar las sociedad. Licenciado en ciencias políticas en Cornell University (EE.UU.), vivió en Japón donde, en 1999, creó un innovador programa destinado a los alumnos de un instituto de segunda enseñanza que mezclaba arte y educación. En 2002, este programa acabó siendo publicado y utilizado como soporte educativo para los estudiantes extranjeros. Las fotografías de Ethan han sido expuestas en la National Portait Gallery, New York Fundation for the Arts y en Polka Galerie.

© Ethan Levitas

Catherine Balet: Su trabajo fotográfico toma una dimensión sociológica. Sus retratos de adolescentes o su reciente trabajo, “Strangers in the Light”, su arte enraizado en la realidad contemporánea. Su primera serie “Identity”, es una inmersión de las ropas o estilos de  los estudiantes de escuelas secundarias de todos los rincones de Europa,  lolitas, patinadores, raperos y góticos de Londres, Berlín, Barcelona o Milán. Con “Identity 2”,entra en la búsqueda de  trajes tradicionales, y la “Identity 3” trabaja con el velo de las mujeres, mientras que los gobiernos quieren borrar cualquier signo externo social o religioso, Catherine Balet examina los símbolos y elementos de las reclamaciones. Retratos y códigos de vestido-lleva a la cuestión de la identidad. Hoy en día, esta identidad pasa precisamente a través de las redes sociales y nuevas tecnologías. Smartphones, ordenadores portátiles y cámaras pone de relieve la paradoja de nuestra sociedad actual, que oscila entre “la comunicación hiper” y de la soledad. Familias, parejas, amigos comparten cosas juntos y permanecer absorto en sus pantallas.

© Catherine Balet

Donata Wenders: Berlín 1965. Esposa del director de cine Wim Wenders. Después de pasar también por el cine como director de fotografía, camarógrafo o asistente, es a través de la imagen fija que muestra su talento. Incondicional del blanco y negro. Se inspira en los grandes maestros de la fotografía como Henri Cartier-Bresson, Edward Steichen, Alfred Stieglitz, más recientemente, Peter Lindbergh. Su inspiración viene probablemente de segunda religión: muy creyente, Donata Wenders extraer la mayor parte de sus fotografías de la luz, la sombra y la reflexión. A ella le gusta trabajar sin reglas ni de dirección, con la atmósfera y la luz del momento.

© Donata Wenders

Artistas representados: Elliott Erwitt, Stanley Greene, Philippe Guionie, Françoise Huguier, William Klein, Ethan Levitas, Daido Moriyama, Jean-Marie Périer, Marc Riboud, Yves Marchand & Romain Meffre, Peter Lindbergh, Catherine Balet y Ahmet Ertug.
Directores: Adélie de Ipanema y Edouard Genestar
www.polkagalerie.com

BLANCA BERLÍN GALERÍA (STAND 15) España

Poco después de su creación en enero de 2007, Blanca Berlín Galería ya se había convertido en un punto de encuentro del arte fotográfico madrileño y en un referente en el panorama artístico nacional e internacional. Especializada en fotografía y artes visuales, la apuesta de esta sala se centra en las tendencias más innovadoras de la fotografía española e internacional contemporánea, ambas representadas por artistas consagrados que comparten este espacio, situado en pleno centro de Madrid, con otros prometedores autores en el comienzo de su carrera.

Además del ciclo de exposiciones que programa cada temporada, Blanca Berlín dedica especial atención a la creación de un escogido fondo de obra fotográfica que se puede ver en las pantallas de la sala, en la página web o en forma de tiraje fotográfico original. La galería está presente en las principales ferias internacionales de arte contemporáneo.

Artistas expuestos: Veru Iché

Veru Iché: Argentina, 1972. Temas como el archivo y la memoria se articulan desde el mecanismo específico del recuerdo, que utiliza la fotografía como un dispositivo mediante el cual construimos los hechos delimitándolos por una imagen fija y los ampliamos con la mirada que proyectamos sobre ella. En este sentido, la obra de Iché juega constantemente con mediadores de la memoria como la nostalgia y la construcción de la identidad a partir del recuerdo personal, pero su eficacia termina en el excesivo personalismo de sus imágenes. su camino es prácticamente autodidacta y  experimental siendo los sueños y el recuerdo los temas motores de su trabajo.  Su obra ha sido mostrada en exposiciones individuales en Centro Cultural Auditorium, Mar del Plata, Argentina; Galleria Doppia V, Lugano, Suiza; y Blanca Berlín Galería, Madrid, España, entre otros espacios.

© Veru Iché

Artistas representados: Axelle Fossier, Badri Lomsianidze, Bohnchang Koo, Brad Temkin, Castro Prieto, Dalila Gonçalves, Ernesto Arroyo, Han Sungpil, Isabel Muñoz, José Ramón Bas, Linarejos Moreno, Manel Esclusa, Michele Maurin, Ouka Leele, Pere Formiguera, Ramón Masats, Soledad Córdoba, Sylvia Plachy, Toni Catany.
Directora: Blanca Berlín
www.blancaberlingaleria.com

 

ANYA STONELAKE/WHITE SPACE GALLERY  (STAND 26) Inglaterra

Fundada por Michael y Anya Stonelake  en el año 2001, trabajan con artistas internacionales y rusos. Además de las actividades comerciales como galería, también han curado exposiciones y eventos co-organizados en colaboración con las principales instituciones culturales británicas y rusas, organizadora de eventos educativos con prestigiosos artistas y curadores como el fallecido Dmitri Prigov, Vitaly Komar, Oleg Kulik, Sergey Bratkov, Olga Chernysheva, Stuart Brisely, Boris Mikhailov, Jeremy Shaw, Antanas Sutkus, Martin Parr, Rimaldas Viksraitis, Andrey Tarkovsky Jr., Charlotte Cotton, Sarah Wilson entre otros. . En 2010 la galería cambió su nombre por el de Anya Stonelake/White Space Gallery.

Artistas expuestos: Andrey Tarkovsky, Antanas Sutkus, Algirdas Seskus, Dmitri Koradt, Rimaldas Viksraitis, Antanas Miezanskas

Dmitri Koradt:  Rusia, 1954. De formación artística autodidacta, Konradt se graduó en 1976 por el Instituto Geológico de Leningrado. En los años 70, empezó a desarrollar su carrera artística fotografiando la cultura underground de Leningrado, en especial a artistas y músicos del rock. En 1986, empezó a trabajar la fotografía en color centrándose especialmente en las formas abstractas que ofrece el paisaje urbano. Sus fotografías se han expuesto en el The State Russian Museum (San Petersburgo, Rusia) o en la Moscow House of Photography (Moscú, Rusia) entre otros.

© Dmitri Koradt

Andrey Tarkovsky: Rusia 1932. Andréi Tarkovski es uno de los máximos representantes del cine ruso, cuyas películas son intensamente íntimas, ocasionalmente controvertidas, siempre hermosas en cada fotograma; y es por eso por lo que es considerado como un poeta del cine. Él se mostraba interesado en el hombre y su búsqueda de respuestas de la vida misma, la decadencia de la verdadera espiritualidad en la sociedad moderna y la incapacidad de la humanidad para responder adecuadamente a las demandas de la tecnología, que domina cada vez más todo el espectro de la vida humana. Interesado en ir más allá del lenguaje cinematográfico, Tarkovski exploró nuevas formas de narrativa cinematográfica, que influyeron en la nueva generación de cineastas, y desarrolló una interesante teoría cinematográfica, a la que llamó «Esculpir en el tiempo». Él mismo destacaba una característica del cine: la capacidad de fijar el tiempo. A partir de esta idea, el cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica.

© Andrey Tarkovsky

Antanas Sutkus: Lituania 1939.  Es un reconocido fotógrafo, cofundador de la Sociedad de Fotografía Artistica de Lituania y maestro de otros fotografos lituanos como Rimaldas Viksraitis. La serie de Sutkus sobre la gente de Lituania es considerada una de sus obras más importantes. Sutkus es considerado uno de los más grandes fotógrafos de la ultima etapa de la Unión Soviética. Fue un fotógrafo autodidacta que construyó su obra bajo el régimen comunista, describiendo la vida cotidiana con la precisión, sensibilidad y a veces ironía, con un potente vocabulario visual y una resistencia continuada a los sistemas e influencias externas.

© Antanas Sutkus

Rimaldas Viksraitis. Lituania 1954. se graduó en Fotografía en la Escuela Técnica de Vilnius, Lituania. Trabajó durante diez años como fotógrafo en Sakiai. Es miembro de la Unión lituana de Fotógrafos Artísticos desde 1985. Nombramientos: en 2000/2002 y 2003/2004 recibió la Beca Nacional del Ministerio de Cultura lituano. En 2009 recibió el Premio Descubrimiento del Festival de Arles, Francia. Algunos de sus principales proyectos fotográficos son Slaughter (1982-86), Nude in a Desolate Farm (1991), A Meadow at 11.00 (1995), This Crazy World (1995-), Grimaces of the Weary Village (1998-), Farmstead Children (2000-), Farmstead Dreams (2000-). Le representa Anya Stonelake/White Space Gallery en Londres.

© Rimaldas Viksraitis

Directora: Anya Stonelake
www.whitespacegallery.co.uk

 

GALERÍA TAGOMAGO (STAND 23)  España

La galeria es el projecto personal de Vicenç y Valérie Boned, dos coleccionistas de arte que realizan una minima de 10 exposiciones, basadas en el eclecticismo de sus fuentes privadas y que pretenden acoger todas las tendencias de la fotografía  sin limitaciones de estilo o genero. Pseen dos salas, una de ellas dedicada a artistas reconocidos y otra para artistas emergentes

Artistas expuestos: Liu Bolin, Txema Salvans, Nick Veasey, Manel Armengol, Jordi Gual, Marc KLett, Maite Caramés, Enrique Metidines

Txema Salvans:  España, 1971. Es uno de los fotógrafos documentalistas más jóvenes de nuestro país. Avalado por numerosos premios, fue galardonado en 1997 con apenas 26 años con el prestigioso Fotopres por dos de sus trabajos: “Historia de Juan Durvan”, el día a día de un invidente, y “Vivan los novios”, un inteligente reportaje sobre un acto social repleto de curiosos matices. Considerado como niño pródigo de la fotografía en Barcelona, lo cierto es que Txema Salvans cuenta con un ojo excepcional para retratar lo cotidiano. Ha pasado por Fabrica, Italia, y por el International Center of Photography de New York. En 2005 recibió el premio PhotoEspaña al mejor libro de fotografía española por “Nice to meet you”. Cínico, irónico o, simplemente, observador neutro de la realidad ibérica.

© Txema Salvans

Liu Bolin: China ,1973. Es un artista, escultor y fotógrafo. es conocido, sobre todo, por sus fotografías donde se mimetiza, en el marco de situaciones urbanas, con el entorno retratado para hacerse invisible, como una forma de rebelión ante el sistema. Su formación en el arte se desarrolló en la Universidad de Shandong de las Artes y en el aula de escultura de la Academia Central de Bellas Artes de Beijiny ha realizado exposiciones por numerosos países, la última ha sido en el Eli Klein Bellas Artes en Nueva York, EEUU.

Su obra más conocida es “Escondidos en la ciudad”.1 En el año 2009 realizó una escultura “Burning Man Obama” en honor a Barack Obama, para celebrar la visita del presidente de los EEUU a China. La obra que sin duda ha dado a Liu Bolin el espaldarazo definitivo es “Escondido en la Ciudad”. Bolin decidió trabajar en esta serie cuando el gobierno chino destruyó Suo Jia Cun, una ciudad – residencia de artistas chinos donde el propio Liu vivía. En ella había 126 artistas y más de 100 estudios, siendo la mayor concentración de artistas por km2 de toda Asia. Haciendo oídos sordos a la concentración multitudinaria (convocada a través de internet bajo el título Beijing International Artist’s Camp Bulldozed), los bulldozers avanzaron reduciendo a escombros todo cuanto se encontraba a su paso. Ante tal indignación, Bolin se puso manos a la obra. Decidió demostrar al gobierno que no podrá acabar con el arte por mucho que derrumbe una ciudad. Liu Bolin desapareció de donde no se le quería sin moverse del sitio. Su mimetización perfecta viene a decir silenciosamente que el mundo no puede carecer de la sensibilidad de los artistas porque le es inherente. “Si me quieren echar de la ciudad yo me esconderé en ella”.

©  Liu Bolin

 Nick Veasey: Londres 1936  fotógrafo británico que realiza trabajos fotográficos a partir de radiografías que posteriormente trata digitalmente. ganador del International Photographer of the Year .  Es el autor de la mayor radiografía de la historia, la de un Boeing 777.

© Nick Veasey

Manel Armengol:  España 1949. Estudio periodismo en Barcelona. Desde 1971 estuvo realizando fotoperiodismo de modo independiente por lo que se encuentra entre los fotógrafos que realizaron reportajes fotográficos de los movimientos sociales contra el franquismo  en sus últimos años de gobierno y que se distribuían en el extranjero mediante la agencia CIS ya que en España existía censuran. Sin embargo las fotografías que fueron muy publicadas en la prensa internacional las realizó en 1976 en una carga policial en una manifestación pacífica en Barcelona que se produjo durante la transición española y por las que recibió el premio de fotografía de la revista Flash-Foto. Su trabajo como reportero gráfico continuó realizando diferentes reportajes por el mundo hasta que a principio de los años ochenta tuvo que abandonar el fotoperiodismo activo a causa de un accidente.A partir de ese momento su actividad fotográfica se diversifica realizando fotografía de arquitectura y otros reportajes propios de fotografía de autor.

© Manel Armengol

Jordi Gual: España 1964 En su mayor parte, las composiciones de Jordi Gual desafían a la totalidad en favor de la fragmentación de los rostros y los cuerpos. Asimismo, en ellas lo que parece adquirir más importancia es el entorno y los objetos relacionados con los seres retratados. Fotografiar el objeto en lugar del personaje es, según afirma Gual, fotografiar la “palabra perdida”, pero también supone en cierta manera posicionarse con la cámara desde el futuro, como si el presente mismo fuera ya un recuerdo lejano.

© Jordi Gual

 Marc KLett: Albany, 1952. Es fotógrafo, investigador y docente estadounidense. Reside en Temple (Arizona, EE.UU.), donde ejerce de Profesor Regente de Arte en la State University. Interesado en la intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo. Klett inició su actividad de fotógrafo en los años sesenta. Antes, había trabajó como geólogo. En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en refotografiar los escenarios del oeste norteamericano que fotógrafos tan conocidos como Timothy O’Sullivan, entre otros, registraron en el transcurso de las expediciones comisionadas por el Gobierno Federal durante la segunda mitad del siglo XIX. Con este proyecto, Klett generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía, el equipo humano necesario para abarcar los ambiciosos propósitos de sus proyectos, y un discurso sobre la construcción del imaginario colectivo. A finales de los años noventa Klett retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights,donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX.

©  Marc KLett

Maite Caramés: Barcelona,1972. Estudió Historia del Arte en la Universidad de Barcelona y ha cursado estudios de fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Palafrugell, Madrid, Lisboa y Maó. Compagina la fotografía profesional de interiorismo www.hasselygretel.com con la producción de obra personal.

© Maite Caramés

Enrique Metidines:  Mexico 1934. famoso por sus trabajo periodístico en nota roja. Fotografió de 1949 a 1979 incidentes policiacos, desastres o accidentes viales con una alta sensibilidad artística. Hijo de inmigrantes griegos, inició tomando fotografías de accidentes viales a los 10 años y publicó su primera fotografía a los 12, por lo que ganó el apodo de “El Niño”. Trabajó inicialmente como ayudante de un fotógrafo para el periódico sensacionalista La Prensa, para el que trabajó posteriormente por varias décadas. Contó con un permiso especial de la Cruz Roja Mexicana para trabajar e incluso creó el sistema de claves radiales que se usa en la actualidad.Ha expuesto sus fotografías en La Casa de América, Madrid, España; la Central de Arte Guadalajara, Guadalajara, Mexico; The Photographers Gallery en Londres, Reino Unido y la Galería Anton Kern de Nueva York. Una de las fotografías más famosas de Metinides es “Adela Legorreta Rivas atropellada por un Datsun”, tomada en 1979, la cual explica en buena medida el estilo de Metinides: la exposición de emociones de situaciones límite de tragedias humanas, tomadas con talento y recursos artísticos fotográficos. La toma fue hecha en el cruce de Avenida Chapultepec y Monterrey, en la colonia Roma.

© Enrique Metidines

Artistas representados: Israel Ariño, Manel Armengol, Vanessa Atlan, Chico Bialas, Liu Bolin, Maite Caramés, José Antonio Carrera, Frédéric Delangle, Franco Fontana, Oscar Gómez, Jordi Gual, Marc KLett, Hervé de Mestier, Enrique Metidines, Keizo Motoda, Bernard Plossu, Txema Salvans, Guilhem Senges, Raimon Solá, Manel Úbeda, Nick Veasey, Matt Wilson, Georges Yves-Massart
Directores: Valérie Boned de Marotte y Vicenç Boned
www.tagomago.com

 

MAGNUM PHOTOS (STAND 12) Francia

Magnum in Motion es una manifestación interactiva del espíritu de Magnum Photos. Por encargo de Magnum en 2004, In Motion reúne ensayos fotográficos en soporte web consiguiendo así la integración efectiva de trabajo de Magnum en el ámbito del fotoperiodismo on line. Ensayos fotográficos que asumen un papel comunicativo único, transformando el poder de la imagen única y, de acuerdo con los fotógrafos de Magnum, un mecanismo creativo adicional y una plataforma multimedia. Mientras que algunos son ensayos fotográficos antológicos del trabajo de un fotógrafo en particular, los demás están ordenados por temas. Éstos van desde la actualidad hasta trabajos abstractos sobre arte, cultura, identidad y la geografía humana.

© Dominic Nahr

El catálogo completo de Magnum in Motion está disponible en: www.inmotion.magnumphotos.com
Representante de proyectos culturales: Elena Navarro
Directora: Lorenza Bravetta Head of Continental Europe
www.magnumphotos.com

 

ASYMETRIA GALLERY (STAND 11) Polonia

Fundada en 2008 en un apartamento en el corazón de Varsovia, es la primera galería en el mercado polaco con un programa de exposición dedicada la fotografía polaca artística e histórica. Las exposiciones se centran en los fenómenos fotográficos de los años 1950, 1960 y 1970, con reflejos de otras épocas de antes de 1939. Esta orientación hacia el pasado se basa en la actividad de la extensa investigación realizada en estrecha colaboración con la Archeology of Photography Foundation, una organización no gubernamental autónoma con un programa multifacético que abarca la investigación y la promoción de las principales colecciones fotográficas en manos privadas.

La galería ha nacido fuera de la necesidad de redescubrir el material artístico relevante que dejó su huella en la historia de la fotografía polaca en cuanto a su redescubrimiento en un contexto contemporáneo. La exposición, y la participación en la Paris-Photo, es parte de un esfuerzo más amplio destinado a popularizar el conocimiento de la fotografía polaca. Descubrir el patrimonio fotográfico de Polonia, al igual que la de otros países centroeuropeos, conduce a un cambio en la geografía artística, arrojando nueva luz y llevando a reevaluaciones de la historia del arte popular, y la historia de la fotografía en particular.

Artistas expuestos: Jerzy Lewczynski, Lukasz Trzcinski

Lukasz Trzcinski: Polonia, 1975. Se encuentra trabajando en el proyecto Nueva Europa, que inició en 1999 y en el que sigue trabajando, se centra en retratar las transformaciones que han tenido lugar en los antiguos países post comunistas de Europa tras los años en los que tuvo lugar el Telón de Acero. El proyecto Nueva Europa actualmente está compuesto por veintiuna series fotográficas que describen la situación política, social, económica y cultural de los países así como las transformaciones que éstos están experimentado. Sus fotografías también revelan la herencia de sistemas políticos anteriores así como la historia de los países. En 2011, el proyecto Nueva Europa fue nominado al premio Deutsche Borse.

© Lukasz Trzcinski

 Jerzy Lewczynski: Polonia 1924. Fotógrafo, crítico del arte, periodista. Creador del concepto “arqueología de la fotografía” que consiste en utilizar el trabajo de otros artistas dándole una nueva dimensión fotográfica. Esto sigue siendo punto de inspiración para la actual generación de artistas. Su único e individual estilo artístico está lleno de humor. Es precursor del conceptualismo en la fotografía, por ejemplo, las composiciones yuxtapuestas “Presentación Cerrada” de 1959, o la serie “Negativos” que realiza desde los años setenta. Como fruto de su investigación personal se publico en 1999 la “Antología de fotografía polaca 1839-1989”, primer álbum de este tipo en Polonia. Desde 1951 es miembro de la Asociación Polaca de Fotografía, cinco años más tarde ingresa en la Asociación de Fotógrafos de Arte Polacos (ZPAF), que presidió en el periodo de 1979-1984.  Entre 1988 y 1993 fue profesor de la Escuela Superior de Fotografía en Varsovia. Ha recibido numerosos premios en Polonia y en el extranjero. Sus trabajos se encuentran, entre otros, en el Museo de Arte Contemporáneo de Łódź, Museo Nacional de WrocÅ‚aw, Museo de la Historia de la Fotografía de Cracovia, Museo de la Alta Silesia de Bytom, Museo de Gliwice, Museum Folkwang de Essen y Musée de l’Elysée de Lausana.

©  Jerzy Lewczynski

 

Artistas representados: Jerzy Lewczynski , Zofia Rydet, Marek Piasecki, Lukasz Trzcinski
Director: Rafal Lewandowski
www.asymetria.eu

 

DUNCAN MILLER GALLERY (STAND 3) EEUU

Artistas expuestos: Joel Brodsky, John Dominus, Elliott Erwitt, Ernst Haas, Jim Marshall, Benn Mitchell, Frank Paulin, Bonnie Schiffman, Lawrence Schiller, Phil Stern, Louis Stettner, Leigh Wiener, Bob Willoughby, Baron Wolman

Lawrence Schiller: EE.UU, 1936. Durante la década de los 60, Lauwrence Schiller ha hecho fotografías para publicaciones tan importantes como Paris Match, The Sunday Times y Life and Time. Desde entonces, ha publicado doce libros y ha desarrollado su carrera como director de cine y productor.

© Lawrence Schiller

Joel Brodsky: Nueva York, 1939. Fotógrafo especializado en retratar a los músicos para las portadas de los discos, falleció el 1 de marzo en Stamford, Connecticut, tras un infarto. Tenía 67 años.

© Joel Brodsky

Baron Wolman: EEUU 1937.  Vendió su primera fotografía para ser publicada, imágenes de la vida detrás del Muro de Berlín. Baron comienza a conjugar su actividad en Rolling Stone y a trabajar por libre. También desarrolla la titularidad de todas las fotos que toma para Rolling Stone, proporcionando a la revista un uso ilimitado de las imágenes. fotografías de Janis Joplin, the Rolling Stones, Frank Zappa, the Who, Jimi Hendrix, Joan Baez, Iggy Pop, Pink Floyd, the Grateful Dead, Phil Spector, Jim Morrison, Ike & Tina Turner, y otras celebridades, fueron muy pronto músicos muy relevantes e iconos de la contracultura y fueron las imágenes centrales del diseño de Rolling Stone. Para la mayoría, Baron se abstuvo del trabajo de estudio y nunca utilizó cámaras estroboscópicas, prefiriendo un tratamiento informal del retrato, un estilo fotográfico tan adecuado para sus modelos como para el público de sus fotografías. La aproximación fotográfica de Baron a cada músico y a su vida era suplantada por un tratamiento fuertemente estilizado, la mayoría son imágenes desarrolladas en el estudio, en el que las fotografías fueron publicadas solo tras ser aprobadas por el artista o por sus representantes. Esta evolución es constatable a través del desarrollo de las imágenes de las portadas de Rolling Stone a través de los años.

© Baron Wolman

Bob Willoughby: EEUU 1927-2009.Estudió arte cinematográfico en la Universidad de California del Sur, pero rápidamente se decantó hacia el diseño y la fotografía, campo en el que triunfaría a partir de la década de los cincuenta. Tras realizar algunos trabajos para revistas de moda como ‘Harper’s Bazaar’, Willoughby fue contratado por los hermanos Warner, que querían un reportaje fotográfico de Judy Garland para promocionar el estreno de ‘Ha nacido una estrella’. Willoughby estuvo a la altura de las expectativas, contribuyó al éxito de la película y, de paso, consiguió que una de sus fotos apareciera por primera vez en la portada de la revista ‘Life’. A partir de entonces, nunca le faltó trabajo. Ante su objetivo posaron numerosos iconos del cine. Por ejemplo, retrató a Elizabeth Taylor y Richard Burton durante el rodaje de ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, a Jane Fonda en ‘Klute’, a Roman Polanski y Mia Farrow en ‘La semilla del diablo’ a Audrey Hepburn en ‘Vacaciones en Roma’ y a los miembros del Rat Pack que aparecen en la cabecera de este post, entre los que no faltan Dean Martin y Frank Sinatra. En su círculo profesional se le tenía en gran consideración porque fue pionero en el arte del fotoperiodismo cinematográfico.

© Bob Willoughby

Leigh Wiener:  EEUU 1929 – 1993. Galardonado fotógrafo y reportero gráfico. En una carrera que abarcó cinco décadas, cubrió cientos de personas y eventos. Sus imágenes capturan los momentos públicos y privados de artistas, músicos, artistas, escritores, poetas, científicos, deportistas, políticos, industriales, y los jefes de estado, incluyendo todos los presidentes de EE.UU. desde Harry Truman hasta Ronald Reagan y se ilustra todos los sectores de la industria y la agricultura, fábricas de acero, la industria automovilística, aeroespacial, medicina, la investigación, la informática y de principios de fabricación de semiconductores.
Louis Stettner: EEUU 1922.  Fotografo del Paris y New York de los 50, la gran mayoría de ellas a personas o edificios emblemáticos de las mismas. Su trabajo se caracteriza por fotografiar el momento, la casualidad, la naturalidad, capturando así un semblante natural
Phil Stern EEUU 1919 capturó en sus blancos y negros la época de oro de Hollywood. Divos del cine y estrellas del jazz en los años cincuenta y sesenta. Aquel mundo, tan concentrado en salvar su apariencia centelleante, muestra en sus imágenes un lado oculto. Liberty Valance, John Wayne, James Dean, Anita Ekberg, Duke Ellington, Frank Sinatra, Billie Holiday, Bette Davis, Alfred Hitchcock…
Bonnie Schiffman

©  Leigh Wiener

Frank Paulin: Pittsburgh 1926 se crió en Nueva York y Chicago. Su talento fotoperiodistico se desarrolló durante la Segunda Guerra Mundial, cuando se incorporó al Ejército y pasó dos años en el Signal Corps en Europa. Después de la guerra, Paulin se matriculó en el Institute of Design de Chicago, donde Harry Callahan y Laszlo Nagy Maholy-eran miembros de la facultad. Paulin pasó a ser una fotógrafa  de muchísimo éxito convirtiéndose en la primera artista fotografa en celebrar una exposición individual en la galería Limelightóthe en Nueva York en ese momento. El  trabajo de Paulin es intemporal, buscado por los coleccionistas por su talento en capturar momentos fugaces, humanos, de humor y poesía.

©  Frank Paulin

Jim Marshall: EEUU 1936 – 2010. Fue un fotógrafo estadounidense que realizó fotografías a artistas del rock e hizo reportajes en importantes conciertos. Fue el único fotógrafo que pudo entrar en el camerino de Los Beatles en su último concierto y algunas de sus fotografías más conocidas son de Jimi Hendrix, los Rolling Stones o Johnny Cash. Una de las fotografías más difundidas de Hendrix quemando su guitarra en el festival de Monterrey, sus fotografías del festival de Woodstock o los retratos a Cash en la cárcel de San Quintín le han convertido en uno de los fotógrafos de reportajes musicales más destacados. Entre los artistas musicales que fotografió se encuentran además Janis Joplin, The Who, Bob Dylan, Chuck Berry o Jim Morrison. Aunque residía en California murió en Nueva York ya que se encontraba en esta ciudad para promocionar su nuevo libro llamado Match Prints y presentar una exposición el día 26 de marzo.

© Jim Marshall

Elliott Erwitt: París en 1928. Trabajó para los más importantes medios de prensa. Su calidad artística y su gran impacto comunicacional lo han situado en un lugar de privilegio entre los fotógrafos del siglo XX. En 1953 fue invitado a formar parte en la prestigiosa agencia Magnum Photos por Robert Capa, uno de sus fundadores, convirtiéndose, quince años más tarde, en el presidente de la misma. En la década de los años 60s, comenzó a realizar documentales, programas de televisión y libros. Hasta la fecha, Erwitt es autor de 18 monografías y sigue trabajando en nuevos títulos. Su cámara ha fotografiado a muchos de los protagonistas de la historia contemporánea, tales como John Kennedy, Richard Nixon, Ernesto Che Guevara, Nikita Jrushchov, Marilyn Monroe y Jacqueline Kennedy, entre otros.

© Elliott Erwitt

Ernst Haas: Viena, 1921 – Nueva York, 1986. Como fotógrafo y reportero gráfico Ernst Haas fue influyente por sus innovaciones en la fotografía en color. Después asistió a la escuela de medicina en Austria en 1947, Haas dejó la medicina para convertirse en un fotógrafo de la revista Heute. Su ensayo fotográfico para la revista sobre los prisioneros de guerra regresando a Viena le ganó la aclamación y  Robert Capa le pidió unirse a Magnum Photos. Recibió el premio Hasselblad en 1986.

© Ernst Haas

Artistas representados: Ray Atkeson, Jo Babcock, Edouard Boubat, Gao Brothers, Jean-Philippe Charbonnier, Henri Dauman, Robert Doisneau, Oleg Dou, Elliot Erwitt, Gil Garcetti, Florence Gruere, Richard Kavlar, Roman Loranc, Chema Madoz, Ed Martin. Sergey Maximishin, Chris McCaw, Loan Nguyen, Frank Paulin, Marc Riboud, Meghann Riepenhoff, Dimitry Sokolenko, Marc Valesella,
Edward Weston, Kim Weston, Daniel Wheeler, Frank Paulin Color Works, Group f.64
Director: Daniel Miller
www.duncanmillergallery.com